Мемориал Виталия Меньшикова
Рок Восточной ЕвропыПроект Андрея Гаевского

Мемориал Виталия Меньшикова

Дорогие читатели, мне больно писать, что 17 июля 2017 года в возрасте 55 лет скончался мой друг, известный в музыкальных кругах журналист Виталий Георгиевич Меньшиков (род. 31.10.1961), автор «Энциклопедии рок-музыки» (1992) и «Энциклопедии прогрессивного рока» (1997), изданных в Узбекистане, где последние двадцать лет он безвылазно прожил. Причиной смерти стал сердечный удар.

Несколько лет назад Виталий жаловался мне в письмах на плохое зрение и хроническую бессонницу. Достаточно взглянуть на объем его сайтов, чтобы понять, что он проводил перед монитором круглые сутки. К сожалению, его скорый конец был в какой-то мере предсказуем, но все еще оставалась надежда, что он возьмет себя в руки, подтянет здоровье… Увы… люди не склонны меняться в таком возрасте.

Несмотря на общность интересов и взглядов, не скажу, что мы так уж дружили, да и как можно было дружить по-настоящему, когда один в Москве, а другой в Ташкенте… Я хорошо помню, как осенью 1999 года в Центральном доме книги, что на Арбате, я купил его вторую, синенькую, книжечку, ставшую моим путеводителем по рок-музыке на несколько лет. Это было, наверное, самое счастливое мое время — время юношеского первооткрывательства, — и оно во многом прошло под именем Меньшикова. В благодарность я отправил ему свое первое творение. Теперь я чувствую, что должен отдать какую-то дань ему, поэтому решил создать эту страницу, где будут постоянно собираться его русскоязычные рецензии из разных источников, но прежде всего из рассылки «Вестник прогрессивного рока». Несмотря на заявленное его сыном, Дмитрием, продолжение работы его сайтов progrockmuseum.ru и progressor.net, мне все же кажется их будущее неопределенным. Очень часто люди под властью каких-то внезапных событий преисполнены решимости, но потом в рутине обыденных дел забывают. И вот я, чтобы это все не пропало, решил собрать и опубликовать его рецензии здесь в удобном, надеюсь, виде.

Он был хорошим человеком старой закваски, воспитанником многонационального советского братства, пусть и мнимого, тяжело переживавшим крушение Союза. В новых, рыночных России и Узбекистане ему было явно неуютно. Искренний мечтатель-гуманист с философскими воззрениями братьев Стругацких, Тарковского, которых почитал больше всего, он для меня воплощал дух советской книжно-пластиночной культуры. Виталик был человеком идеалистичным, немного ранимым, не способным к саморекламе и торговле, бескорыстным. В нем не было ничего наносного, приукрашивающего.

Официальные конфессии для него мало что значили, над Ветхим и Новым Заветами посмеивался, но был мистиком-богоискателем. Считал, что мир ужасен, поэтому искал спасения в своих увлечениях, пробивался на прием к богу, минуя ортодоксальных посредников.

Со Стругацкими его связывало презрение к обществу потребления, тоталитаризму («Пикник на обочине»), телевидению как массовому средству оболванивания и тирании («Обитаемый остров»). С Тарковским же, я думаю, его связывало глубое искательство смысла жизни. Подобно Сталкеру Виталик свою Зону находил в музыке и литературе, особенно фантастической, предпочитая тех же Стругацких, Станислава Лема, Филипа Дика и др.

Сейчас, когда новое, цифровое время стремительно расчищает себе путь, мне трудно отделаться от впечатления символичности этой утраты. Как трудно отделаться и от впечатления, что хорошие люди оттеснены на обочину российской жизни, а в фокусе мелькает всякая дрянь. Умерли журналисты Сидоров, Полуяхтов, Кастальский, Коротков… И вот теперь Меньшиков. Кто же следующий? Вопрос риторический...


Arch Nemesis — Shadows In The Mirror
 
 

 


Анор — Вкус граната (1988)

Дата публикации: 25.04.2000

Чувство землячества мне отнюдь далеко не чуждо. Но в музыке таких понятий нет и быть не может — это энергия вечности, она принадлежит либо всем, либо никому. Виниловый альбом «Вкус граната» был выпущен ташкентским подразделением монопольного концерна «Мелодия» (самая «мажорная» марка в мире была, однако), вторым по величине (и производительной мощности) заводом после «Апрелевки» тиражом всего две с половиной тысячи копий и, насколько мне известно, другими подразделениями не переиздавался, равно как нет его до сих пор и на компакт-диске. Сомневаюсь, что лидерам этой самой мощной прог-команды Узбекистана (я в данном случае имею в виду лишь имена, имеющие официальные релизы) будет по карману своими силами издать свой единственный «зафиксированный» шедевр на КД даже сейчас, когда это удовольствие стоит уже относительно дешево. Вот и приходит на ум мысль, что ведь, слава Богу, есть еще… «Музей». И хотя я и так искренне нуждаюсь в 48-часовых сутках, я постараюсь сделать все возможное, чтобы великолепный джаз-фьюжн, исполненный в направлении, заданном Mahavishnu Orchestra/Retutn To Forever, но исключительно оригинальный, самобытный, просто исполненный очарования мелодики Востока, был услышан во многих странах. Он не просто достоин этого. «Вкус граната», плод творческой фантазии ветеранов нашего рок-движения Григория (Грига) Пушена (клавишные) и Семена Мордухаева (саксофоны), исполненный ими же в компании наиболее виртуозных музыкантов Ташкента, — это уникальный бриллиант, место которому в короне мирового прогрессивного (именно) джаз-фьюжн.

P.S. Может, и не к месту, но, хотя я учился в одном классе с дочерью Мордухаева, с ним самим даже не знаком, даже не помню, видел ли я его. А надо бы теперь…

Артемьев Эдуард — Тепло Земли (1985)

Дата публикации: 25.04.2000

У меня до сих пор есть этот замечательный альбом на виниле.

Гениальный композитор (как я обожаю его музыку к фильмам Тарковского, особенно к «Сталкеру»!), Артемьев в большинстве своих звуковых дорожек очень близок к различным проявлениям арт-рока, в частности, что касается фильмов Тарковского, — к психоделическим, в глубоком соответствии с самими картинами. А «Тепло Земли» жанрово можно отнести к арт-року конкретно — симфоническому — с богатым вокалом (Жанна Рождественская), исконно «прогрессивными» аранжировками и… действительно очень теплому.

Честь и хвала нашему родному «Музею», переиздавшему «Тепло Земли» на КД на радость тысячам зарубежных любителей советского прогрессива (о, их очень даже немало!), за изысканный вкус, настойчивый поиск как новых, так и давних незамеченных шедевров, за бескомпромиссность, честную и весьма успешную борьбу с коммерцией, за слушателя.

Возвращаясь к «Теплу Земли» (пять звезд и поэзия Юрия Рытхэу), хочу лишь добавить, что звуковая дорожка к «Сталкеру» получила бы все шесть звездочек, ежели бы существовал как таковой хотя бы на LP.

Группа Александра Костарева — Live@InProg (2003)
!
Дата публикации: 04.04.2004

Свойство нашего двойственного мира таково, что подельщики, зомбирующие народ примитивной комбинацией из трех нот (а это ведь то же самое, что комбинация из трех пальцев), могут грести миллионы, а гении прозябать, в лучшем случае довольствоваться очень скромным успехом. Даже в лучшие времена, в не столь уж далекие семидесятые, за известными обвинениями «в оторванности от народа» скрывалось не что иное, как забота о прибыли. К сожалению, истинное творчество, что есть всегда продукт подлинного вдохновения, полет души и мысли одновременно, имеет нынче нулевой или почти нулевой коммерческий потенциал. Конечно, подлинным героям жанра порой просто наплевать на эти частности, но и они не едва ли станут отрицать, что желательно, чтобы их музыка была услышана и понята лучше большим количеством людей, нежели меньшим.

Многие прогловеры в состоянии оценить профессионализм Группы Александра Костарева и высокое качество исполняемой ими музыки. Но таких, кто заслушает альбом «до дыр», как в случае с традиционной классикой жанра, вновь и вновь возвращаясь в этот удивительно прекрасный, но очень сложный музыкальный мир, будет отнюдь немного. Исключительно для простого сравнения, скажу, что аудитория этого сверхшедевра будет значительно меньше той, что у отличного альбома «Агарты». Гений, как известно, парадоксов друг, а значит, как ни крути, более глубокая и «долговечная» музыка обречена сегодня на меньший успех, нежели более доступная.

На альбоме одиннадцать инструментальных пьес, первые шесть из которых «самостоятельны», а последние пять составляют контекст концептуального произведения, названного «Concerto Grosso #1». Действительно, вторая часть альбома в основном значительно отличается от первой как в композиционном, так и в стилистическом отношении, даже в темпе исполнения. Хотя единство «общего» направления творчества Группы Александра Костарева здесь также налицо и выражается, прежде всего, в постоянном и неуклонном развитии музыкального действа. (Многим ли по нраву музыка, изменяющаяся бесконечно?) Никаких шаблонов, повторений пройденного и даже намеков на таковые! В общем, зацепиться тут не за что: либо терпеливо вникай и, наконец, вливайся в этот волшебный поток, либо греби поскорее к берегу и оставайся там с фантой.

В целом большинство композиций в первой части альбома характеризуются скоростными и интенсивными аранжировками с удивительно виртуозным исполнением всех и каждого. Александр Костарев, как и все его коллеги, впрочем, одинаково прекрасно разбирается в джазовых и симфонических формах. Первые две вещи — «Интро» и «Вегетарианец» — насыщены плотным, почти оркестровым звучанием с обилием партий всех выше названных инструментов, кроме флейты, так как Юрий Лопухин здесь работает с саксофоном, а с флейтой он проходит почти весь дальнейший путь. Музыка вмещает в себя составляющие всех четырех классических жанров прогрессивного рока: симфонический арт-рок, джаз-фьюжн, рок-в-оппозиции и в меньшей степени прог-метал, но в целом не вписывается в рамки ни одного из них и вдобавок содержит нечто определенно новое. В результате налицо еще один яркий пример пятого по счету жанра, который многие называют просто новой музыкой, а я — пятым элементом. В отношении RIO я отнюдь не оговорился. Невообразимо сложные, поражающие свои разнообразием и встречающиеся здесь почти повсеместно нечетные размеры, а также атональности, возникающие, когда некоторые партии даны из-за такта, характерны именно для данного жанра. Который, в свою очередь, часто граничит с додекафонией или, проще говоря, авангардной академической музыкой. Причем RIO является доминирующей составляющей едва ли не на половине дорожек. На первых двух композициях в двух формах — классической и джазовой, — а на большинстве остальных в классической, в том числе третьей, где роль джазовой составляющей резко снижается, и не только потому, что саксофон сменяется флейтой, а скрипка все чаще выходит на передний план. «Чистилище» (4) определенно располагается где-то там же, где и библейский Эдем, ибо здесь все пропитано так называемой ориентальной музыкой; невзирая на то, что основное направление — все тот же пятый элемент, здесь базируется в основном на структурах симфонического арт-рока и реального джаз-фьюжн (а не джазовой манифестации RIO, как на предыдущих композициях). Музыка настолько сложна композиционно, что невозможно четко определить, когда семитонная европейская форма пересекается с пятитонной восточной и двенадцатитонной авангардной академической классики. Во многих отношениях к «Чистилищу» близок «Оазис» (6), хотя здесь больше элементов японской (и т. п.) музыки, нежели арабской или тюркской, и снова появляется классический RIO. «Восточные зарисовки» несколько более спокойные, чем остальные, где скорость и интенсивность музыкальных событий исключительно высоки. Аранжировки вначале «A-Theist Hacker» (5) вызывают весьма отчетливые ассоциации с представленными ELP на одной из вещей с «Картинок с выставки». Однако грандиозность работы в целом позволяет не обращать внимание на этот единственный поддающийся сравнению эпизод, который, скорее всего, является следствием «подспудной» деятельности подсознания. Дальнейшие события здесь происходят в стилистическом ключе «Heavy Water» (3), которую я обрисовал выше. Хотя все это, конечно, относительно, ибо композиционное разнообразие музыки группы не выдаст слушателю всех своих нюансов и после многократных прослушиваний. Пятый элемент в целом, но также классический RIO (джазовая форма только на «Presto. Finale», где снова появляется саксофон, а также мотивы Востока), сохраняются и на «Concerto Grosso #1». Но все же на всех без исключения композициях здесь главенствует классическая академическая музыка вообще и музыка барокко в частности. Некоторые эпизоды можно было бы назвать фолковыми, но лишь с натяжкой и только в проекции на прошлые века. «Largo» (8) звучит, скорее, как «Requiem In Largo». Уникальная композиция, где все же учтены некоторые общие законы, распространяющиеся на подобные произведения в европейской классической музыке. Впрочем, как это имеет место быть на большинстве композиций «Concerto Grosso #1» и многих пьесах альбома вообще, события второй части происходят под знаком интенсивного пятого элемента.

Вообще, попытка разобраться в стилистических деталях таких сложных работ, как представленная Группой Александра Костарева на прошлогоднем фестивале InProg, — вещь весьма неблагодарная. Однако если бы я просто нахвалил альбом, многие даже приблизительно бы не знали, чего от него ждать. Халтурных рецензий уже навалом. (Читал: большинство содержит два-три предложения об альбоме: в основном «легкое» перефразирование краткого описания, приведенного в журнале «InRock».) А здесь у некоторых известных русскоязычных читателей (только из числа русскоязычных, слава богу) появляется еще один повод «попинать» меня, «бездарного», такого да сякого, отравляющего им существование своей писаниной, к слову сказать, абсолютно ведь бескорыстной и никому не навязываемой.

Возвращаясь к представленному здесь материалу, еще раз признаюсь в своей горячей симпатии к нему. Более того, наряду с «Портретом мальчика» («Горизонт»), я считаю дебют Группы Александра Костарева одним из двух лучших альбомов когда-либо изданных на территории СССР и СНГ. Крайне необходимо обеспечить альбому международное распространение. Тогда, не сомневаюсь, они скоро станут хедлайнерами и на фестивалях, проводимых на Западе.

Огромная получилась рецензия, но мне не жаль времени, вложенного в нее, ни капли. Вдохновение должно рождать вдохновение, что и произошло. Напоследок позволю себе заметить, что трактовка стилей музыки некоторых групп в Starless, включая героев этой рецензии, не слишком точна. А в случае с X Religion вообще нонсенс. Нет там никакого авангарда и собственно готики (настроение не является стилем!). Это просто необычный синтез классической музыки и классического же арт-рока, что при внимательном прослушивании становится очевидным.

Гунеш — Вижу Землю (1985)

Дата публикации: 25.04.2000

Второй и последний альбом великой (так и говорят, между прочим, западные поклонники мощного джаз-фьюжн) некогда бригады золотых нот мастеров великого некогда единого государства.

Этот оригинальнейший, очень самобытный проГдукт, как и дебютный «просто „Гунеш”», на КД переиздан толковой чешской (или словацкой, точно не знаю) конторой Boheme International с приличным количеством бонусов. Да, на Западе не забывают о «шедеврах наших». А наши?.. (А кто наши-то сейчас, сколько их и где?) Нашим спасибо хотя бы за переиздание дискографии «Арсенала».

Квадро — Ночные мечты (1998)

Дата публикации: 14.04.2001

Насколько мне известно, в природе существует всего два вида «Квадро» (пора заносить в Красную книгу? А нужно ли завести — не кошку — Красную книгу прогрессива?). Первый вид — это крепкий, часто весьма «тяжелый» истинный джаз-фьюжн (синтез джаза и хард-рока плюс менее значительные жанровые вкрапления), представленный на «Ночных мечтах». О втором виде «Квадро» — в материале ниже.

К сожалению, буклеты компакт-дисков ансамбля (все в них — исключительно на русском) содержат в основном повествования лидера группы Вячеслава Горского о вехах-успехах его и его детища (причем в оригинале группа именуется именно как «Квадро Вячеслава Горского»). Однако некоторые его упоминания позволяют мне сделать весьма устойчивое предположение, что диск «Ночные мечты» составили два первых магнитоальбома группы 1984 и 1986 годов.

Компакт-диск содержит в основном относительно короткие, в отличие от второго диска (хотя веб-сайт «Богемы» дает им обратную «временную» и даже в некотором смысле стилистическую характеристику), но «хлесткие», захватывающие и, как я уже говорил, часто весьма оригинально «тяжелые» инструментальные композиции, содержащие примерно равное количество продуманных классических аранжировок и (вероятно, тоже не с потолка взятых во время записи альбома) джазового характера импровизаций (в большей степени — со стороны самого Горского) при значительной поддержке «хеви» — во всех ритмических эпизодах с мощными и «вкусными» гитарными риффами и в некоторых гитарных соло.

Мастерство всех музыкантов выше, чем профессиональное (я бы назвал его профессионально-креативным: надеюсь, поймете, что под словом «креативный» я имею ввиду его иное значение, нежели творческое; в крайнем случае, вспомните о Создателе), и в целом альбом имеет весьма «бомбастиковый» звук с интенсивными аранжировками при участии всех.

Альбом слушается практически на одном дыхании, исключая две-три пьески Горского, где он работает практически один, отдаваясь «душе джаза» — импровизации — почти целиком. Кавер-версии других именитых музыкантов, как бы блестяще они ни были обработаны, я также не слишком приветствую.

Исходя из всего вышесказанного, даже учитывая, что из семидесяти пяти минут звучания диска на «отдельный альбом-шедевр» времени остается достаточно (но это, увы, из другой оперы, так как альбом воспринимается всегда в целом), я и отхватил ползвезды от «рекордного рейтинга».

Квадро — Лас-Вегас (1999)

Дата публикации: 14.04.2001

Второй «вид» «Квадро» (нынче, стало быть, стало «Квадро» в квадрате) существенно отличается от первого (а может, весь кайф именно в этом?). Пьесы стали почти вдвое длиннее в сравнении с дебютом, но это отнюдь не значит, что они стали глубже. Этот альбом следовало назвать скорее «Вячеслав Горский и его группа „Квадро”». Слова «и его» здесь явно лишние, но не хочется ущемлять право Горского на самовыражение, уже заданное. Хотя лично я, невзирая на то, что авторство большинства композиций на первом диске «Квадро» и всех, кроме одной (обработка вещи Стэнли Кларка), на втором принадлежит ему, успех (прежде всего диска «Ночные мечты», конечно) у большого числа «пограничников» (я придумал это подобие классификации уже давно) — людей, интересующихся собственно прогрессивным джаз-фьюжн, — это в большей степени успех его аккомпаниаторов, чьи аранжировки музыки Горского «превратили» ее в столь притягательное «блюдо».

Аранжировка (и, само собой, аранжировщики) — это главная основа успеха любого произведения, которого, увы, мало просто сочинить. Особенно заметна роль аранжировок, конечно же, в прогрессиве. Так вот, на втором альбоме «Квадро» («Лас-Вегас» с его веселым образом жизни — вполне удачное название для данной программы) Горский более чем значительно усилил свою роль лидера во всем, в том числе (или прежде всего) в аранжировках. Слава Богу, среди «прогловеров» вообще немало любителей игрового фьюжн (в «джазовой» интерпретации слова), а «Лас-Вегас» принадлежит к именно этой категории. «Тяжести» здесь нет вообще, кругом доминирует сам маэстро Горский, блистательно демонстрирующий свое мастерство на любых клавишных инструментах, а прочие музыканты работают хотя и разнообразно, но в целом, грубо говоря, на Горского; если точнее — в пределах заданного им «ключа». Но главное — при всем великолепии этого очень оригинального альбома, исполненного отточенной игры замечательных профессионалов, — он не слишком значительно, но заметно проще своего предшественника. Оригинальность — это, конечно, главный козырь артиста любого жанра, но «глубина» композиций для меня также является непреложной составляющей. Однако, как ни крути, «Лас-Вегас» в целом является очень хорошим альбомом. Впрочем, заключительная здесь фраза будет звучать следующим образом (уверен, вы ее поймете): immensely enjoyable stuff for fusion lovers.

Медео — Медео (1985)

Дата публикации: 04.05.2000

Редкая штука уже… Наш завод собирались переобуродовать при помощи чехов под изготовление КД еще лет семь назад. То ли заглохло это дело вообще, то ли до сих пор возятся (удивительно), но среднеазиатские прог-группы уже пару лет как относятся к разряду истинных раритетов (по крайней мере, у нас в республике).

Единственный известный мне (дебютный) альбом великолепной (как у нас чаще всего и бывает: вспомните «Гунеш», «Фирюзу», «Анор», «Сато», «Бумеранг» — кто не знает, я скоро постараюсь рецензировать и их) алма-атинской группы.

Как и в музыке «Бумеранга», здесь «классический» современный (читай направления Mahavishnu Orchestra — Return To Forever — Brand X) джаз-фьюжн «помножен» на богатство народных мелодий Казахстана. Эх, знаю я, как охоч западный слушатель до наших жемчужин!

Сезон дождей — Возвращение (1992)

Дата публикации: 25.03.2001

Ленинградская (нынче — санкт-петербургская) «Сезон дождей», в отличие от многих других советских и постсоветских групп, исполнявших прогрессивную музыку, мало известна даже на территории собственно России. Я имею некоторые основания утверждать это, так как из семи россиян, приславших мне письма в течение двух последних лет по поводу «Сезона дождей», пятеро просто спрашивали, что это, мол, за штука вообще, причем трое назвали их литовской группой! Видимо, тираж единственного, одноименного с данным изданием, винилового диска группы, выпущенного питерским «Антропом» (а не «Мелодией»), был совсем небольшим. Также есть сведения, что «Сезон дождей» имеет еще два студийных (магнит?)-альбома, но я лично понятия не имею, почему тогда лишь «Возвращение» (называемый, впрочем, их лучшим диском) получил виниловый, а теперь уже и «цифровой» статус. Ведь музыка, которую сочиняли и исполняли парни из Города частых дождей, способна заворожить любого, даже самого искушенного «прогловера».

Как и подавляющее большинство (назовем их всех условно) советских групп прогрессивного жанра, «Сезон дождей» несла в своей музыке исключительно оригинальные идеи, свободные от каких-либо «инфлюэнций». Здесь невозможно отыскать, обычно встречающихся весьма часто и во второй, и в третьей волне прогрессива, следов влияния титанов жанра — King Crimson, Yes, Genesis, Van Der Graaf, Pink Floyd и т. д. Поэтому знайте, что даже при упоминании мной одного из «мажоров» в дальнейшем, сравнения будут иметь исключительно стилистический, «атмосферный» характер.

Три длинные инструментальные композиции, представленные на альбоме, подчинены единому композиционному замыслу, но такая целенаправленность в развитии музыкального действа «Возвращения» становится очевидной лишь после нескольких прослушиваний. Так или иначе, этот факт позволяет отнести работу к разряду концептуальных (инструментальных альбомов), а это значение является привлекательным для большинства «прогрессивных» слушателей. На первый взгляд, почти прозрачная, «атмосферная» музыка на альбоме — при полном отсутствии каких-либо «мощностей» в аранжировках с привычными в таких случаях стремительными, «перекрестными» пассажами солирующих инструментов, поддерживаемых беспрерывными каскадами ударных при частых изменениях темпа и т. д. — тем не менее имеет весьма сложные структуры.

При внимательном обращении очень скоро становится ясно, что уж «атмосферу», царящую в музыке «Возвращения», прозрачной едва ли можно назвать. С оттенками затаенной грусти, полная как бы невысказанных вопросов при глубоко философских размышлениях она, на мой взгляд, наиболее близко соответствует весьма распространенному понятию «традиционной русской печали», глубокой и, увы, далеко в целом нежизнерадостной «загадочной русской души». За звонами колокольчиков и «общей» плавности музыкальной палитры «Возвращения», при пассивном слушании напоминающих журчание легкого ручейка таятся глубокие омуты равнинной, но очень полноводной реки. Не проводя никаких «структуральных» и тому подобных параллелей, которым здесь не место, могу лишь сказать, что эмоции, ощущения, вызываемые музыкой «Сезона дождей», можно было бы сравнить со смешанным воздействием от «Animals» и «Wish You Were Here» Pink Floyd вместе взятых. Сюда же можно добавить, что уникальная и ни с чем в действительности не сравнимая музыка этой группы способна, как и Pink Floyd, привлечь к себе внимание самых широких масс любителей классического прогрессива и отчасти даже неоголовых.

Хвангур — Кровь и пепел (2003)

Дата публикации: 29.03.2003

Снова не лицензионный альбом, а продукция CD-Maximum.

На двух из двенадцати песен «Крови и пепла» (здесь нет инструменталов), а именно: на первой и четвертой, представлен достаточно оригинальный конгломерат, состоящий из структур характерных для черного метала и дум-метала, чередующихся здесь между собой, а также старорусской музыки. Последняя составляющая, впрочем, выражена преимущественно через вокал (истинно соборного типа), который, однако, властвует лишь на территориях дум-метал. Видимо, на альбоме два вокалиста, так как партии вокала в «чернушных» структурах первой и четвертой песни альбома — соответствующего характера. Однако уже на второй песне соборный вокал (красивейший, надо сказать) неожиданно трансформируется в типично «смертельный», а в дальнейшем возвращается в оригинальное изначальное состояние лишь изредка и в основном во вступлениях. Короче говоря, остальные десять песен альбома представляют весьма традиционный черный/смертельный метал, что актуально и в инструментальном, и в вокальном отношении, хотя оригинальные мотивы старорусской музыки, в том числе выраженные посредством симфонического арт- и фолк-рока, эпизодически обнаруживают себя также и здесь (но не на всех дорожках). Сюрприз ожидает слушателя лишь почти в самом конце программы, а именно — в предпоследней песне. Хотя инструментальные полотна здесь также типичны для превалирующей стилистики альбома (black и death), возвратившийся было псалмопевец здесь властвовал безраздельно.

4/3 De Trio — Faiblesse (1999)

Дата публикации: 10.05.2006
При участии Ашота Хуршудова

68-минутный «Faiblesse» — первый альбом французской группы 4/3 De Trio. Альбом состоит из тринадцати дорожек, три из них инструментальные. Тексты не только французские, но так же английские, хотя большинство песен альбома содержат мало вокальных партий. Музыка оригинальна и сложна и за исключением трех дорожек, к которым я вернусь позже, представляет собой арт-рок на гитарной основе с элементами клавишного арт-рока и прог-метала. Кроме интенсивных аранжировок, каждая композиция содержит эпизоды, наполненные медленной, атмосферной и достаточно мрачной музыкой, а также содержит эксклюзивные акустические пассажи. Должен сказать, что музыкальная палитра альбома очень разнообразна, а уровень исполнения высочайший. «Spare Yourself The Pain» и «Ile» содержат лишь партии классической гитары и вокал и являются красивейшими акустическими балладами. Самая длинная композиция альбома — «Loe» — представляет собой постоянно развивающееся взаимодействие между партиями двух акустических гитар и больше всего напоминает пьесу классической музыки.

«Faiblesse» можно назвать шедевром без всяких колебаний, равно как и ранее отрецензированный второй альбом группы, «Ersatz».

4/3 De Trio — Ersatz (2005)
!
Дата публикации: 20.03.2005

4/3 De Trio начали работать над своим вторым альбомом «Ersatz» сразу по выходе дебютного («Faiblesse», 1999). Полтора года спустя группа был готова для записи материала в студии. Как обычно, сначала записали барабаны, но вскоре произошла трагедия. Ударник Didier Pegeron погиб в автоаварии в октябре 2001 года (в возрасте 26 лет), его сотоварищи были шокированы, и группа прекратила свое существование. Однако три года спустя ребята решили дописать и издать альбом. Нет, это не реюнион, это прощальный альбом, посвящение памяти Pegeron. «Ersatz» оказался на порядок сильнее дебюта, хотя это трудно вообразить без тщательного прослушивания, поскольку «Faiblesse» — тоже шедевр.

Помимо трех оставшихся музыкантов, каждый из которых отныне может считаться мультиинструменталистом, в записи участвовали десять гостей, включая скрипичный октет. Даже подготовленный слушатель, знакомый с дебютным альбомом, встретится с неожиданным звучанием уже на первой композиции «Solmhinarm». Здесь камерный ансамбль владеет ситуацией повсеместно, и хотя группа присоединяет свой роковый «голос» к нему во второй части пьесы, сущность событий в целом не меняется. Произведение классической музыки с типично баховской кодой в мажорном ключе. Вообще, академический классицизм, если можно так выразиться, является неотъемлемой частью музыки на этом альбоме, тогда как стиль в целом в моем понимании есть синтез классической музыки и прогрессивного рока, исполненный средствами арт-рока и прог-метала. Это определение кажется мне более всего подходящим в отношении большинства оставшихся композиций. Среди исключений — «Bleu Cerise», — где слышатся также квазиимпровизации, характерные для структурированного джаз-фьюжн (то есть созданного по законам композиции, а не спонтанно), — «La Blonde и «Océane». Единственная на альбоме вещь с вокалом «La Blonde» свободна как от «тяжести», так и элементов классической музыки, а «Océane» — это акустическая гитарная пьеса. Два бонуса — «D.Dar#1» и «D.Dar#3» — сочинения Didier Pegeron — должны были стать частью его сольного альбома. Все были исполнены им одним. Выходит, его таланты не ограничивались умением управлять ударной установкой. Музыка — глубоко прогрессивный соборный метал, причем редкой уникальности.

Возвращаясь к альбому, в целом надо отметить, что, несмотря на высокий уровень сложности подавляющего большинства композиций, музыка обладает огромной притягательной силой: она по-настоящему прогрессивно привлекательна. Если сказать с пафосом, что, впрочем, кажется мне вполне уместным в данном случае, «Ersatz» будет источником бесконечного блаженства для любого подготовленного слушателя.

XII Alfonso — This Is (1988)

Дата публикации: 20.03.2005

Как и в случае с Halloween, здесь мы имеем дело с концертным альбомом, включающим в себя как известные, так и неизвестные композиции XII Alfonso (альбом был издан в начале 2004 года). С классически прогрессивной точки зрения музыка этой группы, почти исключительно медленная по характеру, представляет собой скорее симфонический ambient с некоторыми прогрессивными тенденциями нежели арт-рок. Как у Mike Oldfield, к примеру, в основе лежат кельтские мелодии, но уж больно здесь все растянуто, даже среднетемповых аранжировок нет. Тем не менее музыка много более оригинальна, чем у некоторых исполнителей, альбомы которых я рецензировал в прошлом выпуске «Вестника», а это немаловажный фактор. В общем, если и не глубокий, то весьма приятный материал для мечтателей и созерцателей (в хорошем смысле, без иронии).

Есть у меня обширный, детальный аналитический материал о творчестве XII Alfonso на английском языке, одна из базовых рецензий, касающихся взаимосвязи концепции и концептуальности, замысла и конечного результата.

A Piedi Nudi — Eclissi (1998)
!
Дата публикации: 20.11.2006

Это уже третий альбом, выпущенный итальянской группой; он намного тяжелее другого их диска — «Creazione», который у меня уже есть. Музыка A Piedi Nudi не совсем вписывается в мое обычное представление об итальянском прогрессиве. Она намного более отточена, подобного я бы ожидал от таких групп, как PFM и Finisterre.

Инструментарий группы не особо разнообразен. В основном используются ударные, бас, гитара и клавишные. Также местами можно услышать валторну, но внимание на ней не акцентируется. Мелодии и темп меняются практически постоянно, а весь вокал исполняется на итальянском. Лучше всего позволить себе с головой окунуться в музыку и почувствовать ее абсолютную мощь. Электрогитара становится здесь основным инструментом, пробивая себе дорогу в хард-роковом направлении, практически через каждую дорожку. Клавишные используются в основном для придания колорита и тональности, хотя можно услышать и несколько довольно интересных моментов. Электрогитара используется как для извлечения мощных аккордов, так и для проигрывания замысловатых мелодий. Местами музыка становится спокойнее, играют тихие и расслабляющие пассажи, но по большей же части она просто ревет настолько мощно, что голова готова разорваться. Тональность и музыкальные переходы чаще становятся типичными для тяжелого метала. Вокал, как уже говорилось, исполняется полностью на итальянском языке, но если в «Creazione» петь приходилось барабанщику, Карло Бигетти, то в «Eclissi» появляется полноценный вокалист — Мирко Андреаси. Но, честно говоря, я бы не заметил разницы, не заглянув в состав группы. Также должен заметить, что «Eclissi» имеет очень интересную упаковку. Диск черного цвета, при поднятии которого обнаруживаешь, что он затмевал яркое солнце на задней части коробки, все части упаковки удачно дополняют друг друга. Рисунки внутри буклета также мрачно обворожительны, с такими изображениями, как, например, монстр, орудующий ножом, и манекен, лежащий мертвым, с обрезанными нитями и ножницами в руке.

Accomplice — Accomplice (2000)

Дата публикации: 22.06.2004

Насколько я знаю, одноименный альбом американской группы Accomplice — это их единственный релиз, по крайней мере, официальный. Диск был записан в 1997 году, но издать его удалось лишь тремя годами позже.

Архетипом для музыки группы является хард-рок, а точнее, артефакт хард-рока, существующий в информационном поле, как и артефакты других жанров и направлений. Здесь и далее: само собой, для этого архетипа, как и любого другого, существует свой архетип (в данном конкретном случае рок-н-ролл), но поскольку целью, как правило, является определение только непосредственного, «прямого», архетипа исследуемого объекта, впредь к преархетипам мы обращаться не будем. До исходного «первокирпичика» все одно не добраться, да и не столь это важно с точки зрения современности и своевременности. Доступный, но определенно прогрессивный хард-рок лежит в основе всех песен альбома, включая как наиболее мягкие, так и наиболее жесткие, переходящие в категорию прог-метала. Последние из них более разнообразны и собственно интересны, невзирая на то, что именно и только они указывают на бенефактора группы. Здесь и далее: само собой, в подавляющем большинстве случаев, бенефакторы (здесь: учителя, а не покровители) у исполнителей «заочные», которые чаще всего даже не подозревают о существовании своих последователей, включая тех из них, что стали подражателями. Добравшись до четвертой песни альбома, меломан с определенным стажем и опытом приходит, наконец, к выводу: бенефактором Accomplice является вездесущий Dream Theater, что найдет подтверждение еще на двух как минимум из последующих композиций. (В подобных, «групповых», случаях приходится употреблять искомое значение в единственном числе.) Но поскольку бенефактор в данном случае выявляется не сразу и к тому же четко определяется далеко не всегда, можно говорить о том, что музыка группы — в целом — весьма оригинальна или, по крайней мере, скорее оригинальна, нежели наоборот. В итоге здесь мы имеем дело с несложным, но, что главное, в основном искренним и потому достаточно выразительным музыкальным материалом, способным вызывать симпатии.

Как намечено выше, стилистика представляет собой нечто среднее между прогрессивным хард-роком и прог-металом, и, конечно, без привлечения арт-рока тут дело не обходится. Приятный вокал остается оригинальным даже в случаях проявления наследия бенефактора. С классически прогрессивной точки зрения не бог весть что, но в рамках жанра этот дебют можно классифицировать как вполне серьезный успех.

A.C.T. — Imaginary Friends (2003)

Дата публикации: 04.04.2004

На альбоме четырнадцать дорожек, но некоторые из них представляют собой очень коротенькие интро к последующим песням, тогда как продолжительность большинства композиций от пяти до восьми и более минут.

Сразу скажу, тут особенно нечего «развозить», ибо альбом просто великолепен. Вы хорошо знакомы с магией Queen? Так вот, все это в наличии на «Imaginary Friends». Шведская группа A.C.T. — это не просто имитаторы вышеназванной легенды, но даже более чем просто талантливые последователи ее. Хотя влияние Queen ощутимо повсеместно, вместе с тем музыка A.C.T., безусловно, оригинальна, как бы противоречиво это не звучало. В то же время она более тяжела и более симфонична (смотрите состав). Короче говоря, вспомните, как долго и с наслаждением вы «гоняли» лучшие альбомы Queen. Здесь вас ожидает примерно то же самое, честное слово. Если, конечно же, вы любитель подобной музыки. (А я верю, что таковых среди нас, прогловеров, большинство). Была бы сегодня та же, позвольте сказать, культурная атмосфера, как в первой половине семидесятых, A.C.T. оказались бы на передовой популярности, в лучшем значении этого слова, конечно.

Adagio — Underworld (2003)

Дата публикации: 04.04.2004

«Underworld» — это второй альбом франко-интернациональной команды Adagio, и он на порядок сильнее первого, «Sanctus Ignis» (2001).

Не менее половины песен, а также единственная здесь инструментальная пьеса записаны с симфоническим оркестром (часть из них с оперным хором вдобавок), да и на всех прочих так называемые оркестровые аранжировки занимают очень значительное положение в общей композиционной палитре. Все вещи длинные, и хотя вокал замечателен, развернутые инструментальные полотна покрывают от половины до двух третей каждой из песен, и подавляющее большинство из них великолепны в своем разнообразии.

Превалирующая стилистика — оригинальный и весьма сложный прог-метал с обилием элементов классической музыки и симфонического арт-рока, где выделяются не только (бесподобные!) партии оркестра, но и (столь же отменные) пассажи пианино и акустической гитары. Действительно сильно из общего контекста выделяется лишь вещь, проходимая под номером шесть и представляющая собой произведение классической музыки почти в «чистом виде». Здесь нет ничего, кроме представшего во всем своем великолепии оркестра, пианино, акустической гитары и немного вокала.

Из приводимых CD-Maximum для сравнения групп и исполнителей: Yngwie Malmsteen, Artension и Symphony X, первые двое уступают Adagio во всех отношениях, имеющих в музыке принципиальное значение, а это композиция, аранжировка и исполнение. Само собой, скорость исполнения тут ни при чем.

Addison Project — Mood Swings (2003)

Дата публикации: 04.03.2006
При участии Ашота Хуршудова

Басист и композитор Ричард Аддисон был ранее известен как основатель джаз-роковой группы Sojourn, с которой он выпустил альбом в 1990-м, также он играл на басе в Mystery (в первых двух альбомах). «Mood Swings» — первый релиз под именем Addison Project. В составе этого альбома можно увидеть имя Michel St-Père, главы группы Mystery и владельца марки Unicorn. Старые друзья и партнеры снова вместе. Количество альбомов, относящихся к джаз-фьюжн, выпущенных Unicorn Records, снова возросло, и теперь их больше, чем всех остальных вместе взятых. К ним относятся Spaced Out, Addison Project, чья музыка выходит за рамки джаз-фьюжн и которую можно охарактеризовать как соло классического прогрессива на импровизационной основе.

Основные темы в «Mood Swings» преимущественно исполняются соло партиями на басе, ритме и электрогитаре, а также переходами на синтезаторе с поддержкой ударных, саксофона, гитары, фортепиано и скрипки. Уникальный и современный джаз-фьюжн с элементами классического прогрессива представлен на первых двух дорожках: «Sleepwalking» и «The Muffin», а также на седьмой — «After All». Эти три вещи по структуре схожи с последней работой Gongzilla. Соло саксофонов и синтезаторов, которое зачастую по звучанию не отличить от виброфона, находится во главе аранжировок. Соло переходит к гитарам в «Montée de Lait», «Le Grand-Bé» и «Mceuet» (3, 5 и 6), и все три дорожки насыщены элементами прог-метала больше всех остальных в «Mood Swings». Небольшое количество тяжелых элементов присутствует так же в структуре «10h10» (8); в общем, эта композиция — джаз-фьюжн с большим количеством аранжировок, скорее типичных для драматического симфонического арт-рока, чем для чего-то еще. Заключительные дорожки альбома — «Mood Swings» и «Controlled Freedom» (4 и 9) — обе мелодичные, в блюзовом стиле с джазовой и симфонической текстурами. Скрипка здесь заправляет аранжировками.

«Mood Swings» — это прогрессив с высокой пробой качества. Все аранжировки альбома потрясны, большинство композиций поражают содержательностью и гипнотизмом. Традиционные джаз-рокеры — музыка для вас.

Adventure — Adventure (2000)

Дата публикации: 01.10.2006

Adventure — норвежская группа. Их одноименный дебютный альбом продолжительностью в шестьдесят пять минут представляет собой как бы два различных концептуальных мини-альбома, хотя различие касается только лирики. Десять из девятнадцати дорожек с вокалом, но это не столь важно, так как общая картина альбома укладывается в рамки единой стилистики. Музыка исполнена драматизма, разнообразна, сложна и ярко оригинальна. Лично я воспринимаю этот стиль как викинговский прог-метал, но с большим количеством симфонических структур, относящихся к арт-року, а также с наличием мелодий, напоминающих менестрельские. Электрическая гитара, Хаммонд-орган и современный синтезатор превалируют в интенсивных аранжировках, а фортепиано, флейта, акустическая и классическая гитара — в мягких. Альбом имеет характерный эпический размах. Иначе говоря, музыка развивается одновременно логически и гармонично — так, что иногда невозможно заметить, когда заканчивается одна композиция и начинается другая, если, конечно, не смотреть при этом на дисплей проигрывателя.

Странно, что этот оригинальный и очень интересный альбом все еще остается неизвестным для большей части прогрессивной аудитории.

Aelian — The Watcher (1992)

Дата публикации: 27.09.2005

Я ранее не слышал этот альбом, хотя я знаю, что это их единственный. Как оказалось, он на редкость невыразителен и то, мягко говоря. Это сплошной плагиат, основой для которого послужили Yes времен «Big Generator» и «Union». Характерные трехголосные вокальные линии слизаны у Yes один в один, а музыка напоминает самые мелодичные и непритязательные вещи с указанных альбомов. Но аналогии работают лишь на структуральном уровне. У этих Aelian нет элементарных знаний о гармонии (достаточно прислушаться к уродливым партиям драм-машины), и все, о чем они мечтали, — это «вырулить» на волне модной тогда музыки.

Полный провал, наверное, худший из альбомов Musea, что я когда-либо слышал. Тот факт, что весь его тираж был весьма давно распродан, ничего не значит с позиции творчества. Не знаю, кто посоветовал MALS включить этот диск в список переизданий. Даже Sinister Street’s «Truth» и первый диск La Tulipe Noire — сказка по сравнению с этим.

Agalloch — The Mantle (2002)

Дата публикации: 29.03.2003

«Мантия» — очень красивый альбом, прежде всего, в мелодическом отношении, конечно. Музыка, представленная здесь, достаточно оригинальна, хотя сравнения (стилистического характера, то есть косвенные) с некоторыми направлениями скандинавской школы прогрессивного метала и арт-рока здесь неизбежны. Можно смело утверждать, что Tiamat, а особенно их альбом 1997 года «A Deeper Kind Of Slumber», ребятам из Agalloch определенно нравится. Впрочем, с норвежским черным металом они также хорошо знакомы. Короче говоря, хотя в этой музыке немало оригинальных идей и нет заимствований, влияние некоторых групп различных направлений скандинавского прогрессива на творчество Agalloch очевидно.

На альбоме мало клавишных: на двух дорожках эти инструменты представлены партиями пианино (2 и 7), а еще на двух — пограничных (первом и последнем) — пассажами синтезатора. Аккордеон слышен в начале той же последней вещи альбома, а «крошечное» соло на тромбоне — на предпоследней. Все здесь построено почти исключительно на партиях акустической гитары, электрогитары и баса. И тем не менее звучание альбома очень насыщенно и выразительно.

Диск содержит девять дорожек, пять из которых — песни, — а четыре (правильно!) — инструментальные композиции, — причем почти все из них чередуются между собой. Иначе говоря, все инструментальные пьесы на диске нечетные, а все песни, кроме последней, с точностью до наоборот.

Если взяться за стилистический анализ, то мы получим весьма пеструю картину, что, впрочем, отнюдь не является (или не всегда является) негативным фактором. Начнем с инструменталов, которые в отличие от песен едины в отношении темпа и настроения (обобщенно говоря, конечно): все они в целом медленные, довольно мрачные, но и мелодичные одновременно. Музыка, представленная на первых двух из них (1 и 3) представляет собой простой, но красивый полуакустический гитарный арт-рок с элементами симфонического арт-рока и дум-метала, а третья по счету (5) — тот же полуакустический арт-рок, но без каких либо жанровых «довесков». Хотя определение стилистики последнего инструментала на альбоме (7) ничем не отличается от той, что применима к двум первым, данная композиция — высочайшего качества. Такую же картину, — но снова в точности до наоборот, — представляет собой набор песен, четыре из которых великолепны во всех отношениях, а одна — последняя на диске (9) — простенькая, хотя и очень красивая (стилистика та же, что и у третьего по счету инструментала: см. пятую). На первой и последней песнях альбома музыка (в целом) медленно-мрачного характера и представляет собой (опять-таки) полуакустический гитарный арт-рок с элементами прогрессивного дум-метала. Обе же промежуточные (4 и 6) — единственные здесь песни, выдержанные в более или менее скоростном ключе. Стилистически это не что иное, как прогрессивный черный метал с элементами гитарного арт-рока. Любая из тяжелых вещей альбома содержит несколько мягких эпизодов, большинство из которых включает в себя партии полуакустической или акустической гитары, последние из которых буквально вездесущи. Как всегда, особенно впечатляют те пассажи и соло акустической гитары, что «вплетены» в базовые (особенно тяжелые) структуры. Наконец, хотя поет на альбоме один парень, являясь «хамелеоном», он примерно в равной степени задействует как очень низкие (здесь — типично «чернушные») регистры, так и высокие.

Если вам нравится такие альбомы Tiamat, как «Wildhoney» (прежде всего, «A Deeper Kind Of Slumber», впрочем) и подобная музыка вообще, можете смело примерять «Мантию» (к ушам, разумеется).

Agartha — Under The Same Sky (2003)

Дата публикации: 04.04.2004

Дебютный альбом иркутской группы «Агарта» «Под одним небом» содержит восемь инструментальных композиций, большинство из которых, а точнее шесть, выдержаны в рамках единой стилистики. Музыка представляет собой мелодический и преимущественно несложный, но, безусловно, классический, весьма оригинальный и впечатляющий гитарный джаз-фьюжн с элементами симфонизма (когда используется гитарный синтезатор) и совсем небольшим количеством «тяжести». Одна из этих композиций, «Семь футов под килем», имеет вдобавок характерный восточный «привкус». Гитарист Святослав Опритов задает тон как солист, но я бы не сказал, что в группе есть собственно ведущий и ведомые. Все четверо музыкантов очень активны, их соло звучат исключительно дифференцированно, не исключая партий «боссов» ритм-секции (великолепной, кстати, в своем разнообразии, если можно так выразиться).

Пятая вещь, «Осенний сад», в которой Святослав использует джазовые вокализы, поначалу выглядит балладой и таким образом более легковесной, чем прочие композиции. Однако при повторном знакомстве картина меняется. Переплетения соло электрогитары с соло и пассажами акустической гитары, проходящие красной нитью через всю пьесу, просто потрясающе сложны и красивы одновременно. Видимо, акустической гитарой на альбоме «заведует» второй гитарист, так как партии этого инструмента взаимодействуют с соло электрогитары очень часто. (Хотя возможно, это полуакустическая гитара, но тогда используемая без «примочек».) Второе исключение из превалирующей стилистической палитры альбома — это коротенькая инструментальная пьеска в самом конце альбома: «Одиночество». Хотя кроме восточных соло флейты там ничего нет, занавес представления был опущен очень эффектно и оригинально.

Некоторые композиции содержат эпизоды, где музыка исполнена таинственности, драмы и магии, и здесь мне порой вспоминается альбом «Steps» (1990) замечательной германской группы Sieges Even. Такие вещи воспринимаются только на ассоциативном уровне и не являются «проводниками» аналогий как таковых. Вообще, если даже Святослав порой дает понять, что он знаком с игрой многих фьюжн-гитаристов, включая Allan Holdsworth, он отнюдь не из числа имитаторов. Музыка альбома весьма оригинальна и едва ли подлежит каким-либо прямым сравнениям. Поэтому я бы отнюдь не стал рассматривать «Под одним небом» как «ответ Gordian Knot» (мне их последний релиз не слишком понравился, кстати) и вообще как какой-то «ответ» кому-то. Отличный альбом, да и дело с концом. А если те, кто слушает исключительно арт-рок или прог-метал разочаруются, это их личные проблемы, таких можно и пожалеть где-то. Ведь прогрессивная музыка это как раз такая штука, которая просто не может быть замкнутой в себе или в рамках какого-то одного жанра, что, впрочем, одно и то же. Жаль, что старая аксиома «Люди всегда издеваются над тем, чего они не понимают» никогда не изживет себя.

Akacia — An Other Life (2003)

Дата публикации: 27.02.2005

Московская компания MALS Records переиздаст по лицензии большую часть каталога старейшей из ныне существующих прогрессивных компаний Musea Records, и первые двадцать альбомов уже в продаже. Произведен подлинный прорыв, значение которого еще предстоит осмыслить, заочно учтены вкусы любителей практически всех базовых направлений жанра, а активность марки столь высока, что едва ли я успею дать рецензии на них до того, как появится третий десяток.

«An Other Life» — это дебютный альбом канадцев Akacia, хотя участники группы музыканты уже давно не юноши. (Кстати, их второй альбом тоже готов и вот-вот будет издан Musea.) Представлены четыре длиннющие композиции, что обычно подразумевает наличие развернутых инструментальных полотен. Хотя корнями Акация уходит в классический арт-рок и хард-рок семидесятых и даже в ритм-н-блюз второй половины шестидесятых, композиции оригинальны до такой степени, что определить прямое сходство с кем-либо из классиков жанра не удается. Оригинальная комбинация арт-рока и прог-метала представлена на первых двух дорожках, тогда как во второй половине альбома происходит смешение этих жанров с джаз-фьюжн и ритм-н-блюзом. Повторений немного, и вообще, музыка насыщенная и событийная: с частой, порой калейдоскопической, сменой декораций и виртуозной игрой «актеров». Можно смело сказать, что альбом немногом уступает лучшим работам жанра, изданным в годы его расцвета, и даже самый придирчивый рецензент едва ли даст ему рейтинг ниже отличного. Безусловные рекомендации, без каких-либо оговорок или ограничений. Хотя тем, кто слушает исключительно нео, альбом, несомненно, покажется чересчур заумным.

Akacia — The Brass Serpent (2005)
!
Дата публикации: 07.01.2006

Канадская Akacia существует всего четыре года, но уже успела стать одной из самых уважаемых сегодня групп, исполняющих симфонический арт-рок. «The Brass Serpent» — их второй диск, а первый, «An Other Life», вышел два года назад.

На 58-минутном альбоме расположились три эпические вещи и одна короткая баллада, содержание которых приведет в неописуемый восторг любого, кто любит и ценит воистину неподражаемое звучание прогрессивной рок-музыки семидесятых. Как и прежде, в лирике ничего нового: она целиком базируется на христианских ценностях, включая прямые цитаты из Библии, но музыка бесподобна и чуть более неожиданная, чем на дебютном альбоме. «Postmodernity» и «Olivet» с чередованием интенсивных и более атмосферных аранжировок чем-то отдаленно напоминают сторону «Б» винила Yes «Close To The Edge». Звучание же заглавной дорожки превышает тридцать шесть минут. Он воспринимается как альбом в альбоме, поскольку в нем замешано невероятное количество тем, разнообразие которых поражает воображение. Также, в отличие от прочих композиций, музыка местами выраженно тяжелая, нечто среднее между хард-роком семидесятых и прогрессивным металом.

Диск прочно удерживает позиции в двадцатке моих фаворитов года. Безусловные и самые искренние рекомендации.

Alcaïna Group — Mission N° 10 (1995)
Дата публикации: 01.11.1999

Весьма известная (по крайней мере, во Франции, о «прогрессивности» которой лишнего и говорить нет нужды) группа (клавишные, ударные, бас), записавшая единственный альбом при помощи гостей из еще более известных (по всему миру) ансамблей (Barney Martin и Pierre Fanen на гитаре, саксофоне и трубе).

Музыка очарует многих. Это изящная (инструментальная) смесь структур Rush, Marillion и The Alan Parsons Project. Впрочем, «рашевые» мотивы превалируют.

Alias Eye — Field Of Names (2001)

Дата публикации: 23.11.2002

«Field Of Names» — это дебютный альбом германо-английской группы Alias Eye. Имя одного из гостевых музыкантов — Martin Griffith, — который был вокалистом британской арт-рок группы Beggars Opera, должно быть знакомым некоторым любителям прогрессива со стажем. Тогда как сын его продолжает семейную традицию в Alias Eye (смотрите состав).

Полный ярких и очень интересных песен, этот диск хорош от первой до последней ноты. Будучи жителем страны, где даже национальная классическая музыка исполнена с терпким ароматом Востока, я особенно восхищен заглавной песней альбома, общий колорит которой, даже в вокальных партиях, типичен исключительно для восточной мелодики. Впрочем, как я уже намекнул выше, все десять песен альбома замечательны.

Оговаривая сразу, что я не нахожу в музыке Alias Eye никаких прямых влияний, не говоря уже о заимствованиях, все же некоторые параллели между «Field Of Names» и предпоследним альбомом Pallas (их лучшим, на мой взгляд) «Beat The Drums» (1998) очевидны. Прежде всего, это касается мелодической яркости, которая в то же самое время относится к разряду тех, что не надоедают с годами. (Для примера, вспомните еще один альбом — «Level Headed» Sweet).

Главным козырем Alias Eye (по крайней мере, на этом альбоме) является великолепный англоязычный певец Philip Griffith, о котором я выше уже упомянул. К тому же он является центральной фигурой в отношении авторства музыки и лирики альбома. Впрочем, и все остальные «карты в колоде» под названием Alias Eye определенно маститые. Не юноши, но весьма молодые ребята (23–25 лет), создали весьма профессиональный альбом, примечательный во всех отношениях. Музыку группы можно характеризовать как нео-прог-метал, но определение «прогрессивный хард-рок», на мой взгляд, более точно. По крайней мере, этот качественный альбом отнюдь не типичен для направления, названного первым, которое отнюдь не богато на действительно оригинальных исполнителей. Я склонен думать, что если бы «Fields Of Name» был выпущен в первой половине восьмидесятых, он имел бы такой же авторитет, как альбомы тех же Pallas, а также Magnum, The Mission, Savatage и т. д. На мой взгляд, Alias Eye относится к числу тех немногих современных прогрессивных групп, которые могли бы сегодня хотя бы несколько оживить mainstream, чей «труп» ныне, как вы хорошо знаете, близок к стадии полного окоченения.

Alice — Alice
Дата публикации: 01.11.1999

Первая французская так называемая супергруппа, в которую вошли музыканты из следующих групп (впрочем, не все из них играли прогрессив): AJC, We Free плюс соло-артист Alain Susan.

Alice (дело прошлое уже) исполняла очень мелодичный доступный инструментальный арт-рок поинтереснее большинства работ Asia. На альбоме присутствуют весьма пролонгированные сюиты с приличным количеством интересных «интерлюдий» между всеми музыкантами (т. е. их инструментами) группы (флейта, саксофон, скрипка, клавишные, гитара, бас, ударные). В этих эпических композициях музыка временами напоминает великолепных Gracious (я расскажу об этой одной из самых первых «монстр»-прог-групп позднее).

Alkemy — Da 63 Projekt (2004)

Дата публикации: 06.11.2005

Alkemy — французская группа (из Бордо) — и их первый альбом «Da 63 Projekt». Архетипы: прогрессивный и хард-рок. Актуальные кредо: арт-рок, джаз-фьюжн и прог-метал. Бенефактор(ы): точно не определяются, хотя смотри ниже.

Группа легко и эффективно смешивает в своей музыке три различных жанра, а их звучание довольно легко ассоциируется с эпохой семидесятых. Я вполне допускаю, что они не слышали альбом Black Sabbath «Never Say Die», на котором эти три направления, пожалуй, впервые были успешно объединены в единое целое (слушай «Air Dance» и «Over To You»). Тем не менее структура гитарных риффов и партий пианино для меня узнаваема мгновенно, особенно в инструментальных пьесах: «Turtle Soup», «Leaving Future» (part 1), «Inner Pulse» и в песнях: «On The Very Day», «Sick Seekers» и «My Eyes». Идеи носятся в воздухе, и едва ли возможно вообще избежать соприкосновения с артефактами, которые прочно закреплены в информационных полях планеты (если не всей Вселенной). «Underwater» и «Different Looks» несколько прямолинейны, ближе к классическому хард-року, тогда как «Leaving Future» (part 2), «Within My Prism» и «First Person Dreamer» феноменальные, сложные и гипнотические одновременно. Это сущности, появившиеся в результате необычного синтеза арт-рока и соборного метала, свободные от импровизаций. Исполнены очарования и оставшиеся две композиции: «Sick Seekers» и «Leaving Future» (part 1).

Некоторый стилистический разнобой (прежде всего я подразумеваю включение в альбом хард-роковых номеров), говорит о том, что молодая команда еще пребывает в поиске путей своего дальнейшего развития, но я убежден, что с «прогрессивной тропы» они сворачивать не собираются.

Altair — Fantasías Y Danzas (1999)

Дата публикации: 30.10.1999

К лучшим образцам новой (сравнительно: образовалась в 1995 г.), исконно «прогрессивной» мексиканской марки Luna Negra (исп. «Черная луна»), я предполагаю возвратиться в ближайшее время с детальными англоязычными рецензиями. Пока же расскажу о релизе первой европейской группы, подписавшей с «Черной луной» контракт и издавшей здесь свой четвертый альбом совсем недавно.

«Альтаир» образца 1999 года представляет собой дуэт: Alfredo G. Arcusa — ударные (бессменный лидер и основной композитор ансамбля) и Isabel Muniente — клавишные, синти-бас. Эдакая прог-парочка…

Альбом выдержан в русле традиционного клавишно-ориентированного арт-рока, в стилистике (я не говорю ни о каких структурных или тематических сравнениях!) ELP, Rick Wakeman и т. п. Отнюдь не являясь «материалом» нео, в целом музыка, представленная на альбоме, не дотягивает до истинного классического арт-рока, пожалуй, лишь по причине бедноватого инструментария. Исключительно все композиции (девять всего) оригинальны и своеобразны, но кроме обилия клавишных и ударных я ничего здесь не слышу, даже пресловутого синти-баса. Учитывая, что все вещи кроме первой сочинены барабанщиком, можно было бы добавить полбалла к рейтинговой оценке, но несмотря на изобилие «базисных» тем, разнообразие аранжировок наблюдается лишь в рамках этой постоянной смены аккордов, т. е. особой виртуозности тут нет. То ли сам Альфредо слабоват в аранжементе, то ли «Изабела» не тянет «технически». Тем не менее я могу с уверенностью сказать, что «Альтаир» — одна из трех (максимум пяти) лучших прог-групп Испании: программа весьма впечатляет как тем же разнообразием тем в рамках каждой отдельной композиции (с первого раза нелегко «догнать» эту музыку!), так и отсутствием каких-либо заимствований, что также ценно. Им бы полновесный состав…

Amenophis — Amenophis (1983)

Дата публикации: 22.05.2005

Германская группа Amenophis была в активе в середине восьмидесятых и выпустила два альбома. Первый из них был недавно переиздан MALS по лицензии Musea. О нем здесь речь, хотя в конце я скажу несколько слов и о втором альбоме.

Одноименный с названием группы диск вышел во времена начала подъема «второй волны» арт-рока, часто именуемого движением неопрогрессива. «Amenophis», будучи более сложным и увлекательным, нежели, пожалуй, любой альбом этого жанра, вышедший в 1983-м (за исключением дебюта Marillion), целиком и полностью соответствует канонам классического арт-рока, причем многие группы движения никогда не смогли достичь уровня творческой зрелости, представленной этим германским коллективом в самом начале их недолгой активности.

В отличие от оригинального LP, состоящего из четырех длинных композиций общей протяженностью в сорок две минуты, данное переиздание содержит еще пять дополнительных дорожек, и таким образом звучание диска стало равным часу. Эпические вещи исполнены развернутых инструментальных полотен и буквально напичканы «прогрессивными ингредиентами», характерными для классических работ жанра семидесятых. Музыка менее зависима от наследия прошлого, нежели у большинства других подобных команд, появившихся в первой половине «мрачной декады», хотя на структуральном и игровом уровнях сравнение возможно — где-то посредине между Yes и Genesis образца 1972 года. Пять ранее неизданных композиций — инструментальные. Это пьески для классической гитары (иногда с легкими линиями бас-гитары) в том же примерно стилевом ключе, как знаменитые «Mood For A Day» Стива Хау и «Horizons» Стива Хэкетта. Замечательные дополнения к одному из лучших арт-рок-альбомов, изданных в первой половине восьмидесятых.

Поскольку ввиду сложности музыки «Amenophis» не получил в свое время должного признания, на втором альбоме группа двинулась в направлении доступного, яркого, мелодического звучания. «You & I» — неплохой альбом, но в отличие от дебютного его можно рекомендовать только любителям нео.

Anabis — Heaven On Earth/Theatre
Дата публикации: 24.02.2000

Германская группа. Первый альбом — лучший. Выдержан в духе Genesis/Camel, но с ярко выделенной оригинальной мелодикой. Разнообразие тем и богатство аранжировок — основные достоинства альбома.

Второй диск несколько слабее. Невзирая на симпатичные заимствования от Gentle Giant/Gryphon, использование гобоя и вообще элементов средневековой музыки, значительное влияние стилистики другой известной, но невыразительной (краутрок) германской команды Rousseau, смазало все интересные краски.

Anekdoten — From Within (1999)

Дата публикации: 06.01.2000

Одна из ведущих шведских прогрессивных групп и ее третий альбом (впрочем, при всей серьезности и целостности Anekdoten в качестве аранжировок они явно уступают своим соотечественникам Änglagård).

В этом альбоме нет никаких прямых (да и косвенных) заимствований у King Crimson времен 1974 года. Стилистически альбом ближе к более или менее мягкому по звучанию дебюту «Vemod» (1993), нежели к «железному» «Nucleus» (1995).

Среди всех трех работ ансамбля весьма непросто выделить лучшую — все они достаточно ровные и интересные. Впрочем, мне лично ближе агрессивно-контрастный звук «Nucleus», пусть и с кримсоновскими «фишками».

Annihilator — Double Live Annihilation (2003)

Дата публикации: 13.07.2003

Честно говоря, я сомневаюсь, что турне Annihilator, в котором исполнялись песни, вошедшие в альбом, имел какой либо серьезный резонанс. Все-таки оригинальный состав группы (а здесь только сам Jeff Waters из числа ее оригинальных участников) был, на мой взгляд, самым сильным в ее истории, то есть классическим, что бы кто иначе не утверждал. При всем при том, что «Double Live Annihilation» весьма хорош, я, признаться, ожидал от него немного большего. Однако ранние, самые прогрессивные, песни группы — с альбомов «Alice In Hell» и «Never Neverland» (размещены на втором диске) — звучат здесь не столь убедительно, как в оригинале, и, за исключением коротенького инструментала «Crystal Ann», лишь немного выходят за рамки общего контекста. А общий музыкальный контекст альбома «Double Live Annihilation» представляет собой не что иное, как сухой и жесткий thrash’n’heavy (или hard’n’thrash), иногда с элементами различных брутальных стилей, особенно на первом диске. В целом же все это просто добротный «настоящий метал», но не более того. Таким образом, круг лиц, которым я мог бы рекомендовать данный набор от всей души, весьма узок. Впрочем, эта продукция, пожалуй, как раз и не нуждается в моих особых рекомендациях.

Да, альбом двойной — рецензия краткая. Но не говорить же мне здесь о мастерстве музыкантов Annihilator, правда?

Antimatter — Lights Out (2003)

Дата публикации: 14.12.2003

Широки музыкальные горизонты у людей в компании Prophecy Records. Не знаю, хорошо ли это в их конкретном случае, но теперь в их каталоге чего только нет! Английский студийный проект Antimatter со своим опусом «Lights Out» на родине в Альбионе (праматерь прогрессивного рока, в конце концов!), видимо, никого не заинтересовал. С другой стороны, ребята, скорее всего, не обращались к недавно возникшим там маркам со схожей музыкальной ориентацией: вроде Chillfactor 10, которые (выпускают откровенное барахло) наверняка бы ухватились за них.

Ладно, это все словоблудие, переходим к альбому. От начала и до конца — исключительно медленная и преимущественно синтетическая музыка с разнополыми вокалистами, с преобладанием синтезаторов, но не без партий акустической и полуакустической гитары, электропиано и strings, особенно выделяющихся во второй половине альбома. Видимо, некоего разнообразия ради пара дорожек содержит только мужской вокал, а одна — только женский. Готической атмосферой здесь пронизано все, но в первых четырех вещах ребята лишь пытаются «нагнать мистику», что в таких случаях всегда получается не слишком удачно. Музыка здесь представляет собой скорее электронно синтетический, нежели симфонический, space gothic, не имеющий практически никакого отношения к нашему любимому жанру. Вторая половина диска более разнообразна и тем самым несколько более интересна. Здесь местами встречаются тяжелые гитарные риффы, но особенно много элементов а-ля классическая музыка, что, в общем, скрашивает однообразие первой части альбома. Еще один положительный фактор заключается в том, что запрограммированные (и соответственно очень монотонные) партии баса и автомата, воспроизводящего звуки наподобие ударных, вступают в дело весьма нечасто, то есть «жестокий пластмассовый» привкус не преследует слушателя с маниакальной настырностью.

Я бы не сказал, что «Lights Out» — это совсем никудышный альбом и полная чепуха, но до более или менее приличного статуса (три с плюсом) он все равно не дотягивает.

Antiqua — In Red Nights… (1999)

Дата публикации: 25.11.1999

Единственная метал-команда, базирующаяся на уникальной мексиканской прог-марке Luna Negra. Один из новейших релизов компании. Английская лирика, двухголосие (мужской плюс женский лид-вокалы), прог-думовые структуры, весьма характерные для коллективов этого жанра в целом. Одна композиция просто потрясающе прогрессивна и уникальна. Отменный продукт для всех поклонников Amorphis/Moonspell/The Gathering.

Antonini Eddy — When Water Became Ice (1998)

Дата публикации: 09.03.2003

Никогда я прежде не слышал об этом итальянском Эдике Антонове и не жалею. Со своим альбомом «Когда вода стала льдом» (надо было назвать диск «0 Degrees Centigrade»: было б почти как у Брэдбери) этот парень попытался доказать, что забравшись на чужие, давным-давно застолбленные участки и порывшись в давным-давно заброшенных «штольнях» (все той же) новой волны британского хеви-метал, еще можно кое-чего раскопать. Видимо, лет пять-семь назад (в оригинале диск был издан пять лет назад) еще действительно можно было… что-то. В общем, Эдик обвесил NWBHM побрякушками а-ля классическая музыка и определенно был счастлив от своей «находки». Что, впрочем, отнюдь не говорит о том, что этим он осчастливил всех, кто слушал этот опус после него самого сотоварищи, не говоря уже о движении прогрессивного рока, которое, напротив, пострадало в очередной раз. Снова приходится вспоминать, кому бы еще, кроме любителей NWBHM вообще и поклонников Wuthering Heights & Co в частности можно было бы рекомендовать эту «водичку». Нет, больше некому. Не стала вода льдом (монолитом) на этом альбоме: просто не могла стать, поскольку была нацежена из чужого и к тому же почти пустого источника.

Apogee — Sisyphos (1998)

Дата публикации: 10.05.2006
При участии Ашота Хуршудова

Это второй альбом Apogee (Арне Шафер, как вам известно, также является лидером Versus X).

65-минутная работа состоит из трех длинных композиций и двух коротких. Выполненные в той же стилистической манере, что и три продолжительные композиции, эти четырех- и пятиминутные вещи звучат столь же прогрессивно в самом прямом смысле этого слова. Но, конечно, главные музыкальные события происходят в трех длинных вещах, общая продолжительность которых пятьдесят пять минут. По композиции и вокалу «Sisyphos» продолжает линию уже узнаваемой структурной основы Apogee, заложенной в дебютном альбоме. Тот же насыщенный звук, правда с большим добавлением оркестровых аранжировок. Самое поразительное здесь то, что почти все композиции обладают некой музыкальной магией, которой так не хватает в современном арт-роке. «Sisyphos» во многом схож с «The Border Of Awareness», поэтому здесь нет того выраженного классического привкуса, который ощущается во время прослушивания «The Garden Of Delights». Что касается структуры тем и аранжировок в этом альбоме, я мог бы описать их так же, как это делаю всегда, но это будет слишком похоже на рецензию последнего альбома Apogee «The Garden Of Delights», а у вас уже есть детальная информация о нем. Откровенно говоря, в моем видении все альбомы Apogee являются работами одного уровня, и я даже не уверен, какой из них мне нравится больше. Для всех любителей симфонического арт-рока.

Apogee — The Garden Of Delights (2003)
!
Дата публикации: 27.02.2005

Не стоит удивляться большому количеству позитивных и даже восторженных рецензий в этой серии. Всегда есть возможность проверить, пристрастен автор или нет. Тот, кто читает «Вестник» не первый год, помнит, сколько разгромных материалов здесь было опубликовано, без оглядки.

Теперь к делу. Я являюсь давним поклонником творчества немецкого музыканта Arne Schäfer, в рамках двух его проектов — Apogee и Versus X — и покупал их первые диски еще во времена своих чуть ли не еженедельных поездок в Москву, в середине девяностых. (Блаженна память о той неповторимой, незабываемой Горбушке, что зародилась во дворце культуры, давшем ей имя, и расцвела было в Филевском парке, да была сметена с его лица, да и вообще, пожалуй, уничтожена.) Отличие этого диска Apogee от предыдущих в том, что здесь Арне работает не один, при помощи программных ударных, а ему помогает его коллега по Versus X барабанщик Uwe Wollmar, причем повсеместно. Впрочем, умению Арне программировать барабаны можно позавидовать: ни один из его альбомов не отдает синтетикой. Своим строением и развитием «The Garden Of Delights» напоминает мне Yes’s «Tales From Topographic Oceans». Только на четыре длинные эпические вещи здесь приходится один инструментал: «The Cassini Division». Занимающая третью позицию, эта акустическая гитарная пьеска действительно разделяет альбом пополам, давая слушателю некоторую передышку, перед тем как вновь окунуться в водоворот симфонического арт-рока, порой граничащего с классической музыкой. На том, однако, любые сходства между этими работами заканчиваются, поскольку музыка Apogee оригинальна, являя собой квинтэссенцию арт рока семидесятых без каких-либо прямых следов влияния того или иного из классиков жанра. Такие истинно эпические композиции с развернутыми инструментальными аранжировками, как представленные на этом альбоме, являются лакомым блюдом, пожалуй, для любой категории прогрессивных слушателей. Все же в данном случае все направлено для удовлетворения интеллектуальных потребностей любителей арт-рока, причем изобилие сущностей других направлений, в частности соборного метала и классической музыки, делает альбом еще более разнообразным и привлекательным. Возможности современных синтезаторов использованы предельно, оркестровые аранжировки звучат очень реалистично, особенно выделяются партии камерных инструментов, прежде всего скрипок и виолончели: с блестящими пиццикато и т. п. продуктами специфического звукоизвлечения. Музыка исполнена драматизма и позитивной эклектики, что делает каждое новое возвращение к альбому событием.

Опытным меломанам хорошо знакомо чувство постепенного проникновения в секреты музыки, и это ждет всех, кто прикоснется к этому альбому. Музыка такого сорта не раскрывается при первом (особенно поверхностном) прослушивании, а потому некоторые рецензенты представляют как реальное положение дел то, что было лишь расслышано ими. От меня — самые искренние рекомендации. Читайте, пожалуйста, также материал, посвященный творчеству Arne Schäfer и Apogee в целом. Этот парень не горд, но он может гордиться своими талантами.

Apryl — Alorconfusa (2002)

Дата публикации: 04.03.2006
При участии Василия Заворочаева и Ашота Хуршудова

Помните гениальный фильм Георгия Данелии «Кин-дза-дза»? Не в обиду будь сказано, перефразируя одного из действующих лиц: надевайте наушники и радуйтесь! Вторая старейшая прог-марка, замечательная Mellow Records, стучится в двери к вам.

«Alorconfusa» содержит четыре эпических дорожки, три из них с вокалом, а именно «Hesperia», «Tarta-ruga» и «Nelle Vesti Di Adia» (1, 3 и 4). Музыка, представленная в каждом из них, представляет собой многообразие классического симфонического арт-рока, корни которого находятся, несомненно, в семидесятых. Музыка ведома по большей части клавишными, так соло органа Хаммонда и проигрыши на фортепиано становятся «во главе» намного чаще, чем гитара и бас. Несмотря на все это и опровергая факт того, что в каждой песне альбома группа использовала множество оригинальных идей, следы влияния одной из лучших арт-рок-групп — Genesis — здесь определенно присутствуют. Хотя это и не уменьшает значимости музыки. Особенно принимая во внимание то, что полностью инструментальные аранжировки занимают больше половины каждой вещи, и все вокальные партии здесь не только оригинальны, но имеют скорее романтический, чем драматический характер. Абсолютно неожиданно то, что инструментальная композиция «Ghe-pardo» (2) по атмосфере близка к симфоническому space rock с элементами классического симфонического арт-рока и прог-метала. Говоря точнее, «Ghe-pardo» состоит из двух частей. Первая, та, что space-происхождения, продолжается около шести с половиной минут, в то время как в конце дорожка преобразуется в смесь классического арт-рока и прог-метала. Вначале я был немного смущен стилистической несовместимостью между всеми тремя песнями и единственной инструментальной композицией в этом альбоме, которая к тому же стоит на втором месте. Факт в том, что инструментальная «Ghe-pardo» менее изобретательна и эффективна чем вокальные составляющие альбома, который, несомненно, нужно прослушивать целиком. Очень рекомендую.

Arachnoid — Arachnoid (1979)
!
Дата публикации: 27.09.2005

Arachnoid выпустил единственный альбом, но это подлинный бриллиант арт-рока — альбом «всех времен и народов» и нетленная классика для будущего.

Исполненная острой, драматической и напряженной атмосферы с весьма жесткими структурами и сложными, захватывающими аранжировками всех инструментальных и равно вокальных партий, музыка альбома поражает воображение даже наиболее искушенных любителей арт-рока. Отдаленные ассоциации возможны с King Crimson и местами Eloy, но только в общем музыкальном контексте. Необходимо сказать, что подобных — уникальных во всех отношениях работ жанра — в конце 1970-х было создано очень немного. Диск, изданный Musea (и нынче переизданный MALS), включает в себя несколько так называемых доп. дорожек (композиций, не вошедших в оригинальное издание на LP), все из которых — подстать базовому материалу. Лирика на французском языке, но надо слышать, как потрясающе великолепны здесь вокальные партии, все из которых удивительно гармоничны с музыкой. И хотя инструментальные аранжировки интенсивны постоянно, включая все эпизоды с вокалом, «чистых» инструментальных полотен на альбоме больше, что характерно для классических работ жанра.

Абсолютный, сногсшибательный шедевр.

Arch Nemesis — Shadows In The Mirror (2002)

Дата публикации: 14.03.2004

Название альбома («Тени в зеркале») и особенно наличие в составе группы певца, специализирующегося на growling (брутальный вокал), навели меня на неверное представление о музыке Arch Nemesis, которое развеялось после прослушивания программы. Собственно экскремального (экстремального, простите, оговорился) вокала на альбоме нет вообще, да и просто низкого, относящегося к категории black, тоже весьма немного. Доминирует традиционный, «чистый» вокал, и уж совершенно никакой брутальности, никакого экстрима в музыке, которая ровна и предсказуема, как тротуар для пешеходов в европейском городе.

В целом все восемь песен альбома выдержаны в русле единой стилистики, которая, в основе своей, есть power metal довольно стандартного образца с малым количеством эпизодов, имеющих хотя бы косвенное отношение к прогрессивной музыке. В составе свободный клавишник, но он отнюдь не блистает, или же ему по каким-то, не знаю, оправданным или нет, причинам, не доверяют ведущих ролей.

Я вовсе не хочу сказать, что альбом откровенно пустой или полностью неоригинален, но в нем нет даже энергетики, присущей данному направлению. Тогда как при отсутствии таковой любой «тяжелый» рок выглядит беззубым или обезоруженным, если сказать мягче. Скучно, одним словом.

Archetype — Downing (2003)

Дата публикации: 14.03.2004

А вот и еще один альбом, целиком созданный в рамках единой стилистики, главные составляющие которой — жесткий, но настоящий прог-метал и так называемый гитарный арт-рок. Среди прочих: скоростной техно-метал и медленный (естественно) дум-метал. В общем, музыка разнообразна, контрастна, а значит и интересна. Причем Chris Matyus играет и на электрогитаре, и на акустической, а также определенно использует гитарный синтезатор, порой создавая звуки, свойственные настоящему синтезатору.

Хотя здесь нет революционных идей и находок, музыка в целом звучит оригинально и убедительно плюс обладает всеми необходимыми качествами, чтобы овладеть вниманием прогрессивного слушателя. Крис очень изобретательный гитарист и композитор, но без вокалиста Greg Wagner альбом был бы менее впечатляющим. Этот уникальный певец-хамелеон с широчайшим голосовым диапазоном, в несколько октав, создает впечатление, что над альбомом работали, по меньшей мере, три певца с очень разными тембрами и прочими составляющими вокальных данных. «Один» — с довольно низким голосом и партиями демонического характера. «Второй» — баритон, чьи партии окрашены в исключительно драматические цвета. У «третьего» очень высокий и, само собой, ангелического типа вокал. Особенно выразительно поют «они»  хором, и вообще, вокальная палитра альбома изумительно разнообразна — подстать музыке.

Я не уверен, что программа понравится любителям классических форм современного прогрессивного метала (где активно использующие клавишные), но если вы понимаете и принимаете Fates Warning второй половины восьмидесятых, а также Mercyful Fate, ранний Pain Of Salvation и т. д., считайте, что «Архетип» был заброшен «монстрами» жесткого прог-метала в новое тысячелетие специально для вас.

Architectural Metaphor — Creature Of The Velvet Void (1997)
Дата публикации: 27.04.2000

Это интернациональное трио играет прогрессив, сильно «замешанный» на семидесятых годах: некоторые темы, риффы звучат «сознательно» грубовато, «согласно времени». В целом это весьма достойный микс гитарной энергетики рока с так называемой психоделией. Множество интересных элементов spacey. Эти ребята очень нравятся матерым «космическим бандитам» из Hawkwind и даже имеют в арсенале один из их каверов.

Aria Palea — Danze D'ansie (1998)
Дата публикации: 27.04.2000

Релиз 1998 года содержит материал записанный 25 лет назад (сосчитали?). Симпатичный хард-н-арт с преобладанием последнего, флейтой, саксофоном, кларнетом, классической гитарой и итальянским вокалом. Содержит обработку одной из вещей из дебютного альбома Focus (1970).

Arida Vortex — Evil Sorcery (2003)

Дата публикации: 11.05.2003

Arida Vortex — беззастенчивые плагиаторы Iron Maiden, а также Aria (в балладах), хотя исполнительское мастерство высокое. В текстах — небывалая самовлюбленность, а также фантазии звезднобольного, псевдосоциальность, псевдофилософичность и прочее, и прочее. Одна песня — на родном языке. Сложив все вместе, получим резюме: чебурашка-ниндзя («наш» ответ черепашкам).

Ars Nova — Biogenesis Project (2003)
Дата публикации: 16.05.2004

Достаточно помпезная, но сильная, мощная, утопающая в изобилии разнообразных аранжировок программа. Возможно, не слишком новаторская, не является она и «верхом глубокомыслия», но тем не менее оставляет очень хорошие впечатления. От этого альбома в большом восторге должны быть в первую очередь любители «навороченного» ярко-симфонического арт-рока, уделяющие, прежде всего, внимание сложности инструментальных партий, виртуозности их исполнения и чистоте жанра. В конечном счете, если внимательно изучить характеристики этого и предыдущих альбомов группы, то многочисленные достоинства «Biogenesis Project» вполне воспринимаются как должное. Не самый лучший в дискографии Ars Nova, он, однако, поинтереснее двух его предшественников. В записи диска помимо трех основных музыкантов принимал участие целый сонм авторитетов современной прогрессивной сцены, как японской, так и европейской. К примеру, нуждаются ли в представлении такие персоны, как участник Ayeron Arjen Lucassen или Lucio Fabbri из PFM? После открытия факта участия дюжины известных музыкантов даже закрадывается сомнение: велик ли исполнительский вклад в альбом самих основных участниц Ars Nova. (С авторским вкладом вопросов, конечно, не возникает.) Тем не менее с творчеством, к примеру, Ванессы Мэй музыка этого, в оригинале «чисто» женского, коллектива не имеет ничего общего. А если какие-то ассоциации и возникают, то с ранними ELP и местами с первым альбомом The Alan Parsons Project.

На «Biogenesis Project» представлены семь композиций, ни одна из которых, несмотря на столь разнообразный состав музыкантов, не выбивается из цельного композиционно-стилистического контекста. Четыре вещи инструментальные, хотя одна из них содержит какую-то странную компьютерную «болтовню» на английском языке, но с явным акцентом. Три содержат вокальные партии, и во всех трех поют разные вокалисты, в том числе приглашенные. Примерно треть альбома занимает последняя эпическая дорожка, которая длится более пятнадцати минут и, по крайней мере, согласно замыслу авторов является его кульминацией.

Рекомендовано (заведомо, пожалуй) для всех категорий из числа любителей традиционно-классического симфонического арт-рока. Во всех ранних альбомах музыка традиционно близка к звучанию классического симфонического трио. Самые яркие примеры — ELP и Gerard.

Artension — New Discovery (2003)

Дата публикации: 09.03.2003

Хотя, собственно, Artension я до сей поры не слышал, оба Виталий Куприй и Джон Вест (или Уэст, ОК?) знакомы мне по своим сольным альбомам. Первый из них не сказать, что выдающийся композитор, но виртуоз, каких нынче поискать. Второй тяготеет к музыке простой и мелодичной. Так, а что же мы имеем здесь, юкола мене? Отнюдь несложный, но качественный неопрог-метал с великолепными, яркими клавишными и гитарными соло в инструментальных партиях и исключительно выразительным вокалом в вокальных (sorry за тавтологию). Однако если аранжировки в «чисто» инструментальных партиях на альбоме действительно оригинальны, то базовые — с вокалом — едва ли, юкола мене. Хотя непосредственно придраться не к чему, равно как нет и прямых ассоциаций с какой-либо иной группой, подход к построению вокально-инструментальных аранжировок, — а таковых в песнях альбома никак не менее половины, — весьма и весьма стандартный. И тем не менее в целом скоростной неопрог-метал этой группы не столь ординарен, как у большинства американских (и не только, конечно) команд этого направления. Инструментальные композиции с оркестровками (их здесь две: в середине и в самом конце альбом) мне понравились больше, чем песни. И повторюсь: снова Frontier Records. Тогда как лет пятнадцать назад Artension были бы сверхпопулярны, и, конечно, мажоры бы от них тогда никак не отвертелись. Весьма добротный альбом, однако.

Artstruni — Cruzaid (2002)

Дата публикации: 23.02.2007

Artstruni — это группа из Армении, которая была основана опытным музыкантом Ваганом Артсруни в начале нынешней декады; все прочие участники молодые.

Музыка на их дебютном альбоме «Cruzaid» (т. е. «Крестовый поход») стилистически унифицирована, по крайней мере, в целом. Согласно пресс-релизу, это должен быть джаз-рок на основе армянских мелодий, но в моем понимании это не что иное, как синтез симфонического арт-рока и прог-метала, в котором хотя и слышны импровизации, но только рокового (пример: флейта Андерсона в ранних классических работах Jethro Tull), а отнюдь не джазового характера. Причем мотивы армянского фольклора отчетливо слышны только на двух композициях — «Cruzaid (Part 2)» и «Anush Garun». Две дорожки, «Call Of The Wind» и «The Lost Symbol», содержат вокал (на армянском языке), но его немного, особенно в вещи, названной второй: я даже не воспринимаю ее как песню. Большинство композиций начинается с перебора на акустической гитаре, тогда как в дальнейшем музыка, в основном быстрая, плотная и интенсивная, изобилует неожиданными переходами от темы к теме. Нестандартен и подход, при котором тяжелые гитарные риффы создают удивительный контраст с «хрупкими» соло флейты. Но это все частности, детали, никак не отражающиеся на качестве собственно альбома, его оригинальности, с одной стороны, и мощного воздействия на слушателя, с другой. С этим как раз все в порядке, и любители сложной инструментальной музыки найдут здесь очень много интересного и необычного. Искренние рекомендации.

Asgaard — Ad Sidera, Ad Infinitum (2000)

Дата публикации: 13.07.2003

На «Ad Sidera, Ad Infinitum» представлено семь дорожек, первой из которых идет единственная здесь инструментальная композиция, исполненная симфонизма и мотивов классической музыки. Все последующие шесть песен выдержаны в рамках монолитной и весьма оригинальной стилистики, которую я бы охарактеризовал как прогрессивно-соборный метал с элементами черного метала. Музыка толковая, очень красивая и, пожалуй, более симфоническая, нежели тяжелая — с ярко выраженными партиями string ensemble и настоящей скрипки, постоянно обрамляющими (а порой и поглощающими) темы, задаваемые гитарными риффами.

Przemysław Olbryt — один из лучших вокалистов-хамелеонов, которых я когда либо слышал. (Слово «слушал», впрочем, здесь намного уместнее, ибо слышим мы чаще всего то, чего слушать бы ни за что не стали.) Его вокальный диапазон потрясающе широк, и ему легко даются партии всевозможных жанровых «спектров», включая оперного характера, а резкие переходы от одной вокальной палитры к другой совершаются на удивление свободно. Более того, польский Слава — необыкновенно изобретательный певец, а его вокальные решения порой более чем поразительны и, несомненно, уникальны.

Лирическая концепция альбома — мистического (скорее от слова «мистик», а не «мистика») характера: тексты осмысленные и отражают вполне насущные вопросы бытия и мировоззрения.

Заочно представить себе все представленное здесь великолепие невозможно, а потому рекомендации для прослушивания «Ad Sidera, Ad Infinitum» самые искренние.

Ashes To Ashes — Cardinal VII (2002)

Дата публикации: 31.12.2002

В общем и целом стилистика музыки, представленной на дебютном альбоме норвежской группы Ashes To Ashes представляет собой симфонический готик-метал — мрачного и в то же время очень выразительного характера. Впрочем, музыка этих норвежцев отличается не только «мрачными» обаянием и даже красотой, но и приличной глубиной, не слишком характерной для этого жанра.

На альбоме «Cardinal VII» одиннадцать композиций, и пять из них — инструментальные пьесы. Надо сказать, что под общее определение стиля музыки, приведенное выше, подпадают все шесть песен альбома и три инструментала. Помимо базовых, некоторые из этих композиций содержат также небольшое количество элементов либо смертельного, либо дум-метала.

Вокалы разнообразны, поскольку вторые вокалисты представляются на альбоме не просто как «подпевалы», а как профессиональный мужской хор, партии которого причем исключительно «ангелического» характера. Лидер же вокалист является так называемым хамелеоном и легко переходит от агрессивных и низких до драматических и высоких интонаций и тонов. Надо сказать, что вокальная палитра альбома также выразительна и в целом красива, как и музыкальная, а чего-то брутального на альбоме вообще исключительно мало.

Успешное сочетание «тяжелых» и симфонических музыкальных структур и оригинальность музыки как таковой — главные козыри Ashes To Ashes. Странно видеть клавишника Per Amundsen (а он также является инженером «Кардинала VII») вне «штатного» состава группы, ибо влияние его оркестровых и прочих клавишных аранжировок (а также и режиссуры, конечно) на звучание альбома огромно. Сомневаюсь, чтобы партии, исполненные Пером на пианино и на синтезаторе — «внуке» ARP String Ensemble, — были сочинены (аранжированы, по крайней мере) гитаристом, хотя Michael Stenberg и числится автором десяти из одиннадцати композиций альбома, в том числе автором лирики и даже вокальных мелодий. А вот гостевая скрипачка появляется на альбоме нечасто. Впрочем, триумф одной из двух инструментальных композиций, что вне основной стилистики альбома и состоящей только из текстур, «сотканных» партиями виолончели и пианино, во многом обеспечен благодаря ей. Последняя стилистически нетипичная композиция включает в себя только партии фортепьяно и, как и предыдущая, напоминает пьеску классической академической музыки, хотя и короткую.

На сегодняшний день мною отрецензированы все альбомы, выпущенные голландской DVS Records. (И все они были переизданы российской компанией CD-Maximum.) Пожалуй, я не совру, если скажу что два последних из этих альбомов — лучшие среди них. Впрочем, «Cardinal VII» by Ashes To Ashes я считаю «вторым» лучшим после «Primal Power Addiction» канадцев Heaven’s Cry.

Ashes You Leave — Fire (2002)

Дата публикации: 13.07.2003

Хорватская группа Ashes You Leave исполняет прогрессивный дум-метал с большим количеством элементов симфонического арт-рока и готики и небольшим — death metal (только в нескольких вокальных партиях, исполняемых мужчиной). Соло-вокал здесь снова за женщиной, которая поет как обычным, так и оперным голосом.

Альбом «Огонь» — продукт единой стилистической концепции, и все восемь песен здесь одинаково добротны. Тексты примитивные, но очень красивые, тщательно продуманные вокальные партии позволят большинству просто не обращать внимания на этот недостаток или не замечать его. Музыка умеренной сложности и умеренной прогрессивности. В отличие от лирики, она оригинальна, выразительна и проникнута вдохновением. Пассажи акустической гитары и скрипки, когда они в игре (а они в игре часто, особенно скрипка), придают звучанию группы яркость и большое разнообразие. В композиционном, да и исполнительском, отношении Ashes You Leave практически не уступают Naamah, и все же — прежде всего, из-за безликой лирики — я им пятерки не поставлю. Что, как вы понимаете, ни в коем случае не является противопоказанием к приобретению «Огня» — особенно тем, кто любит музыку таких групп, как The Gathering (кроме первых их двух альбомов, само собой), Dark Moor и т. д.

Asia Minor — Between Flesh And Divine (1980)
!
Дата публикации: 04.03.2006
При участии Ашота Хуршудова

Два турецких музыканта-эмигранта Setrak Bakirel и Eril Tekeli основали группу Asia Minor («Малая Азия») во Франции. Они же являются авторами всего материала группы, в том числе лирики (на английском языке). Уникальны оба альбома группы, «Crossing The Line» (1979) и «Between Flesh And Divine», а представленному в них классическому арт-року особый шарм придает восточный колорит и то, что мы просто называем магией. Несмотря на достаточно высокий уровень сложности, в целом музыка группы имеет драматический и порой даже несколько лирический характер. Особенно отчетливы мотивы грусти в партиях вокала. Это, видимо, связано с печалью по родине, ибо один из эмигрантов вскоре после выхода второго альбома вернулся в Турцию (развалив тем самым уникальную группу).

Bторой диск Asia Minor, музыка которого восхитительна от первой до последней ноты, является не только шедевром классического арт-рока, но также признан одним из редчайших по красоте и мощи альбомов жанра из числа выпущенных в течение «мрачной декады» восьмидесятых. Абсолютный музыкальный восторг — поверьте! Ни в коем случае не упустите; это не тот случай, чтобы можно было пройти мимо.

Aside Beside — Tadj Mahall Gates (2002)

Дата публикации: 22.05.2005

«Tadj Mahall Gates» — пока единственный альбом французской группы Aside Beside. Его релиз был анонсирован Musea как одно из самых знаменательных событий в истории прогрессивного рока. На деле же оказалось, что это всего лишь последователи Genesis, хотя, надо отметить, интеллигентные последователи (впрочем, до уровня Citizen Cain они не дотягивают).

Сколько раз вам, дорогие читатели, доводилось испытывать дежа вю, словно вы слышите очередной альбом Genesis периода 1975–1977, неведомо каким образом «избежавший» релиза в свое время? Здесь та же история, но надо сказать: материал подан великолепно. Aside Beside творчески подошли к наследию самой влиятельной арт-рок-группы «всех времен». Музыка отнюдь не лишена вкуса и порой даже проявляет феномен, который мы привыкли называть «магией». Что также важно, здесь нет ощущения, скажем, неприкрытой вторичности, и только одна из песен (десятая) слишком проста для опытного слушателя, причем вокал здесь почти неотличим от гэбриэлского. Как ни странно (а может, вполне логично), самыми оригинальными композициями оказались самые короткие по звучанию — три, предшествующие названной, то есть десятой. Причем две из них обладают очень богатой голосовой палитрой, временами напоминающей экстракты из оперы, благодаря участию гостевых певцов «обоего полу». В любом случае, это один из очень немногих вторичных музыкальных продуктов, слушать которые мне отнюдь не претит. Тот же довольно высокий уровень рекомендации, как и в случае с дебютом Blezqi Zatsaz.

Aurora — Dead Electric Nightmares (2002)

Дата публикации: 08.02.2003

Не ожидал я подобного от скандинавов. Thrash/электронный рок в инструментальном спектре и помесь гранджа с брит-попом и даже рэпом в вокальном — вот, что представляет собой первый залп датской «Авроры»! Блин это, а не залп, в конце концов! И хотя музыка в целом ничего себе — тяжелая, хотя и весьма однообразная, — в сопровождении таких вокалов все это просто невозможно слушать. Прогрессивом же здесь вообще не пахнет. Больше сказать нечего.

Axenstar — Perpetual Twilight (2002)

Дата публикации: 08.02.2003

Еще одни «скорострелы» (смотрите также Wuthering Heights), проникшиеся ностальгией по «Железной деве». Только эти намного примитивнее команды указанной в скобках: их альбом — сказка в сравнении с этим. Была б моя воля, я бы лично не только никогда не взялся выпускать подобных мутантов — жалких имитаторов своих кумиров, — а взял бы да «определил» их на пару часов в настоящих железных дев. Не знаю, какими такими идеями руководствуются компании, выпускающие подобный хлам, но именно подражатели, которым, к тому же никогда не удастся стать даже клонами тех, во имя кого они весь этот бред затевают, сегодня являются троянскими конями как для метала, так и для любой живой музыки вообще. О «Кнопочной кислоте» я вообще молчу. Кислота, она и есть кислота и скоро окончательно разложит мозги земных гуманоидов, особенно те ореховые головы, кто привык заряжать их исключительно рекламой и хип-топ-парадами. Возвращаясь к нашим баранам, коням то бишь, кони эти — истинно троянские — табунами ведь нынче топчут священные ареалы музыки!

Azazello — Seventh Heaven (2004)
!
Дата публикации: 05.12.2004

Оглядываясь назад на историю Azazello, чтобы понять, почему группа до сих пор не получила того высокого уровня признания, которого она, несомненно, заслуживает, я нахожу несколько причин. «Black Day» можно не принимать в расчет: в нем все же много чего не достает, чтобы поразить публику с «первого выстрела» (поскольку это дебют). Однако два последующих альбома великолепны во всех отношениях — но! «Upstairs» был недооценен прежде всего из-за довольно посредственного качества звука, что помешало многим рецензентам услышать то, что они, несомненно, услышали бы, уделив альбому больше внимания. Но ни для кого не секрет, что большинство рецензентов делают свои выводы об альбомах, прослушав их всего лишь раз, что в случае с такой сложной музыкой, как у наших героев, как правило, дает неполную, а часто и искаженную картину.

На «The Wings» очевидно значительное улучшение качество звука, но, к сожалению, альбом не получил ни должной рекламы, ни должного распространения за рубежом. Мауро мне друг, но истина дороже. Да, марка попала в полосу кризиса, но такого невнимания, мягко говоря, как «Крылья», пожалуй, не удостоился ни один из прочих релизов Mellow Records. Но вот, наконец, «Seventh Heaven», альбом, который содержит в себе все необходимое, чтобы в корне изменить ситуацию, при правильном подходе. Он был сведен и доведен до ума (корявая интерпретация слова mastered, но иной сейчас нет) в «Тонстудии», принадлежащей Мосфильму, и имеет разве что не аудиофильское звучание. Вообще, весь продукт, включая буклет и бокс, сделан по высочайшим стандартам. Все же главным аргументом в пользу более чем вероятного, на мой взгляд, успеха «Седьмого неба» является музыка, как тому и должно быть.

Альбом продолжает развитие уникального стиля группы, заложенного на «Upstairs», и я по-прежнему воспринимаю его как проявление классической музыки в роке или (как я мыслил ранее, сейчас эта формулировка кажется мне менее подходящей) как классическую музыку, исполненную посредством прогрессивного рока, в данном случае прог-метала и арт-рока. На сей раз, однако, группе удалось найти тот идеальный баланс между сложностью и мелодикой, который достигается после многих лет работы и обычно всегда приводит к успеху. Построение альбома тоже примечательно и являет собой в некотором роде триумф симметрии. Пять длинных (от девяти до двенадцати минут) песен находятся в «обрамлении» двух инструментальных симфонических пьесок, стоящих в альбоме по разные полюса. Четыре песни выдержаны в русле базовой стилистики, которая, как вы помните, состоит из двух очень контрастных направлений. Посему будьте готовы к неожиданным экскурсам в измерения, родственные обоим жанрам, такие как техно-метал и… вальс! Они прекрасно там уживаются, как бы странно это не казалось. Песня, расположенная прямо в центре альбома, отличается от прочих. Это свободный союз классического арт-рока и русской народной музыки (свободной от «тяжести», например), с флейтой, акустической гитарой и «струнными» на переднем плане аранжировок и исконно русскими традициями песнопения. Кстати, нет места мрачности на «Седьмом небе». Музыка остается светлой и вдохновенной даже при самых громких и самых сложных своих проявлениях. А на весьма незамысловатую песенку, каким-то образом оказавшуюся на том же седьмой, последней дорожке, вслед за «Благом», не обращайте внимания. Великая группа (никакой иронии!) может себе позволить и пошутить. Впрочем, я бы ее ни за что не включил.

Aztec Jade — Concrete Eden (2002)

Дата публикации: 29.03.2003

Итак, «Настоящий рай» «Ведьмы ацтеков» (а это весьма широко известная группа).

Едва ли их музыку можно характеризовать как метал. Это не что иное, как оригинальный, но тем не менее классический хард-рок, инструментальные партии в котором исключительно и потрясающе прогрессивны, тогда как вокальные представляют собой чередование куплетов и рефренов, что, собственно, очень характерно для этого любимого многими жанра. Хороший вкус, изысканность аранжировок, драматизм и отсутствие «фишек» нео характерны для большинства песен на альбоме (инструментальных композиций здесь нет). В «оформлении» прочих слабее выглядят только четвертая и восьмая песни (типичный AOR* и баллада соответственно), а наиболее разнообразны (с элементами «чистого» симфонического арт-рока) — пятая и последняя (11), исполненная магнетизмом музыки Востока. *Кстати, AOR нынче трактуется как «альбом, ориентированный на (широкую раскрутку по) радио», а не как «рок для (чопорных) взрослых», что, впрочем, одно и то же.

Bachdenkel — Lemmings (1973)

Дата публикации: 29.01.2005

Участники английской группы Bachdenkel записали десять вещей с общим звучанием около часа за триста часов, то есть тридцать часов студийного времени было затрачено на каждую песню в среднем. Долго работали, особенно учитывая специфику того времени, а дело было в 1970-м. Отсюда скорее закономерно, нежели наоборот, потребовалось три года, чтобы альбом вышел, хотя составитель краткой истории группы в буклете недоумевает по этому поводу. В общем, «Lemmings» появился в 1973-м и был издан как двойной LP, сторона D которого осталась пустой. Редкий случай, но не единственный.

Первые три песни — проще последующих, но, как и весь альбом в целом, исключительно оригинальны и исполнены очарования. Помимо традиционных электрических инструментов, а также ударных и вокала группа активно использует акустическую гитару, пианино и «струнные» — продукт синтезатора ARP. Пролонгированные композиции, такие, как одиннадцатиминутная «The Settlement Song», девятиминутная «Come All Ye Faceless» и семиминутные «Stragerstill» и «The Slightest Distance» содержат широкомасштабные инструментальные маневры. Хотя с прогрессивной точки зрения они являются наиболее развернутыми, прочие песни берут свое «магией» и воспринимаются с не меньшим энтузиазмом. Не берусь точно определить стилистику альбома. В целом это вроде арт-рок, местами утяжеленный, местами психоделический, но всегда необычный. Группа определила новое направление в развитии жанра, но вектор задан не был, поскольку Bachdenkel, к сожалению, никогда не имели хотя бы более или менее широкой известности. Иначе у них было бы немало последователей, несомненно. Рекомендации.

Believe — Hope To See Another Day (2006)
!
Дата публикации: 02.07.2006
При участии Ашота Хуршудова

Believe — новая группа известного польского гитариста и композитора Марека Гиля (ex-Collage) представляет альбом «Hope To See Another Day». Уже после нескольких первых переходов, становится ясно, что Марек под вывеской Believe намеревается покорить новые, ранее неизведанные музыкальные пространства.

Первая песня «What Is Love» — мощное произведение в стиле тяжелого симфонического прогрессива с очень энергичным драйвом. Основу составляет мощная ритм-секция и тяжелые гитарные риффы, часто в комбинации с яркими аккордами синтезатора. Солирующие роли равно распределяются между электрогитарой, скрипкой и фортепиано, следующими друг за другом или, что чаще, соединяющимися в один исступленный танец, что делает звучание еще более мощным и величественным. Следующие две песни, «Needles In My Brain» и «Liar», а также «Seven Days» и «Hope To See Another Day» немного медленнее, мрачнее и тяжелее предыдущих. Тяжелые гитарные текстуры становятся превалирующими, хотя симфонический компонент от этих изменений отнюдь не страдает. Таинственная атмосфера все более проявляет себя, взаимодействуя то со скрытой агрессией, то с меланхолией. Я считаю, что эта музыка — уникально модифицированный симфонический doom metal. Хотя он менее депрессивный с одной стороны и намного более прогрессивный с другой, нежели классика группы My Dying Bride «Turn Loose The Swans», некоторые сходства между альбомами очевидны, особенно в инструментальных вещах «Needles In My Brain», «Liar» и «Seven Days». Две последние песни, «Coming Down» и «Don’t Tell Me», объединяют тенденции, типичные для основного стиля альбома (Landberk со скрипками плюс doom metal), но так же для них характерны местами более светлые мотивы с акустической гитарой, скрипкой, фортепиано и мощными струнными аранжировками.

«Hope To See Another Day» группы Believe с удивительно свежим звучанием найдет свое место в сердцах многих любителей прогрессивной музыки. Те, кто ожидал традиционного арт-рока от этого проекта, ошиблись, но это не важно. Большинство из них этот диск так же не разочарует.

Berry Robert — Pilgrimage To A Point (1993)

Дата публикации: 30.03.2000

В первый соло-альбом замечательного композитора и лирициста, гитариста, басиста и вокалиста в одном лице Роберта Берри большей частью вошли композиции, сочиненные им (или в соавторстве) для коллективов, принесших ему мировую известность. Это, конечно же, реинкарнация ELP в образе «Тройки» Эмерсон — Берри — Палмер, а также GTR, где сразу после дебюта Берри сменил Стива Хэкетта (к сожалению, записанный второй альбом этой супергруппы до сих пор не издан). Лишь около трети этой почти часовой программы составляют песни специально сочиненные Робертом для ее «укомплектации».

Смешение двух столь знакомых стилистик тут было неизбежно, но в целом диск слушается с интересом. Если в целом уровень «прогрессивности» этого альбома вполне соответствует «качеству» восьмидесятых годов вообще, то около трети композиций выглядят весьма впечатляюще и по сей день.

Насколько мне известно, сейчас Роберт занят активной деятельностью в рамках калифорнийской прог-марки Magna Carta (Magellan и другие).

Bi Kyo Ran — A Violent Music (1998)

Дата публикации: 02.07.2006
При участии Ашота Хуршудова

Bi Kyo Ran — японская группа, чью музыку можно смело отнести к разряду тяжелого симфонического арт-рока, открытого группой King Crimson, на их альбомах «Starless And Bible Black» и «Red» в частности. Гитарист, чья виртуозная игра является школой Роберта Фриппа, а также вокал, в котором трудно не заметить сильного влияния Белью, неустанно свидетельствуют об этом. Некоторые композиции навеивают воспоминания о ранних альбомах King Crimson, где часто использовался меллотрон. Работы скрипача также имеют сходство с игрой Дэвида Кросса; впечатляют пронзительные скрипичные соло в переходах от тяжелой к симфонической прогрессии. Но, несмотря на очевидное влияние, музыка исполнена чего-то магического и уникального, что делает ее во многом независимой от наследия прошлого.

Этот диск — бесподобное произведение тяжелого прогрессивного рока для всех, понимающих это направление. Особенно понравится тем, кому по душе середина творчества King Crimson, в семидесятые — восьмидесятые годы.

The Black Noodle Project — And Life Goes On… (2004)

Дата публикации: 10.05.2006
При участии Ашота Хуршудова

Группа The Black Noodle Project была образована всего четыре года назад в окрестностях французской столицы Парижа. Именно поэтому их дебютный альбом «And Life Goes On…» довольно быстро появился на музыкальном рынке (релиз Musea). Да, конечно, фраза звучит довольно странно, поскольку «рынок» и «прог» сейчас должно рассматривать скорее как противоположности. Тем не менее давайте будем надеяться, что любимый нами жанр когда-нибудь снова станет основополагающим.

Очень редко случается так, чтобы мне понравилась переигранная музыка, но это тот самый случай. В этом альбоме ощущается прямое влияние Pink Floyd. Нельзя не заметить то, что сразу же всплывает на поверхность, хотя не могу сказать, что это влияние ощущается на протяжении всего альбома. Говоря точнее, больше оно ощущается на первой половине диска, где музыка более всего насыщена артефактами наследия наиболее успешной прогрессивной команды всех времен и народов. Единственная инструментальная композиция, верно названная «Interlude», так же исполнена в духе Pink Floyd, несмотря на то, что здесь не использовались ударные. Группа хотела воспроизвести дух классической эры Pink Floyd, сделав для этого все возможное, но как я уже сказал, они не ставили перед собой задачу распространить это влияние на весь альбом. Песня «Where Everything Is Dark» — одна из наиболее оригинальных композиций альбома, она выполнена в стиле space metal. Ведущие инструменты здесь — фортепиано и электрогитара. Лидерство Jeremie Grima и Matthieu Jaubert в группе несомненно, но также скажу, что участники должны гордиться своим барабанщиком. Его вклад в прогрессивность этого альбома огромен, и я уверен, в том, что этот факт не останется без внимания со стороны слушателей. Четыре оставшиеся композиции — почти все как одна песня, вдохновленная Eloy, — также являются смесью симфонического space rock и metal. Последняя и самая продолжительная композиция альбома — «She Prefers Her Dreams» — по большей степени является инструментальной. Она напоминает Pink Floyd, но только местами и в меньшей степени, чем вещи, названные выше. В общем, последние композиции, просто великолепны, они показывают, что группа способна писать оригинальную музыку и имеет огромный потенциал. И тем не менее: поклонники Pink Floyd — на вашей улице праздник!

The Black Noodle Project — Play Again (2006)

Дата публикации: 23.02.2007

Второй диск французской команды The Black Noodle Project, изданный два года спустя их дебюта.

На «Play Again» единственный новичок — это барабанщик Franck Girault. К сожалению, он не показал себя адекватной заменой бывшему «управляющему кухни» Arnaud Rousset, который сыпал своими сложными ударами так часто (и всегда к месту), что стал, пожалуй, главным генератором прогрессивного звучания на предыдущем альбоме группы. Я не хочу сказать, что новичок слабо владеет инструментом — просто он слишком дисциплинирован, что ли, никогда не переходит границ того необходимого минимума, которого требует от него та или иная (каждая, в общем) музыкальная ситуация.

На альбоме одиннадцать дорожек (восемь содержат вокал), и большинство из них по-прежнему представляют собой симфонический арт- и space rock, позаимствованный у поздних Pink Floyd, если так можно выразиться. На сей раз, впрочем, музыка довольно проста, предсказуема, подчас имеет выраженный привкус mainstream, в чем не последнюю роль играют прямолинейные партии ударных. Тяжелые гитарные риффы попадаются нередко, как и прежде, но это не тот случай, чтобы говорить о space metal. Это скорее просто флирт с «тяжестью», поскольку риффы не развиты, часто применяются лишь для того, чтобы подчеркнуть смену аккордов. Весьма раздражают повторения одних и тех же куплетов и рефренов, что характерно для многих вокальных секций. Тогда как события, разворачивающиеся на инструментальном плане, вполне сопоставимы с таковыми на среднестатистических песнях с программ «A Momentary Lapse Of Reason» и «The Division Bell» Pink Floyd. Впрочем, одна вещь, «Wave On A Soul», напоминает The Alan Parsons Project, невзирая на факт, что те никогда не использовали металические структуры. По крайней мере, стилистически и композиционно оба диска «Проекта» очень схожи между собой. Таким образом, те, кому понравился первый диск проекта (прежде всего, позднего Pink Floyd и/или «пинкфлойдовского» звучания вообще), не разочаруются в его последователе. Любители же более сложной и оригинальной музыки здесь таковой не встретят.

Blazing Eternity — A World To Drown In (2003)

Дата публикации: 14.12.2003

Компания CD-Maximum нынче стала нередко обращаться к альтернативе, не нашедшей приюта под крышей mainstream (читай: отклика у «мажоров») по тем или иным причинам.

На «A World To Drown In» представлена такая пестрая смесь стилей (все из которых, впрочем, вписываются в альтернативу), что сразу становится ясно, что Blazing Eternity — это еще неоперившаяся команда ребят, а альбом, безусловно, дебютный (иначе, нет им вообще никаких оправданий).

Традиционный мягкий альтернативный рок в «чистом виде» представлен на двух дорожках, а еще на двух — его синтез с современным альт-металом (ню- или зю-металом: все одно). Эти вещи звучат чуть более интересно, возможны некоторые аналогии с Nine Inch Nails и т. д., хотя в отношении качества сравнивать тут нечего. Все это перемешано как попало с тремя вялыми балладами: в общем, продюсера гнать надо. Более или менее достойная дорожка на альбоме — единственная здесь инструментальная композиция, сочиненная, кстати, барабанщиком. Она представляет собой легкую, но драматическую и выразительную классическую музыку с прекрасными пассажами пианино во главе аранжемента, в самом конце (и всего на полминуты) неожиданно переходящую в русло, близкое к prog-metal. Одна вещь, однако, эту посредственность не спасает.

Даешь барабанщика в лидеры (!), или закрывайте контору, ребята.

Blezqi Zatsaz — Rise And Fall Of Passional Sanity (1991)

Дата публикации: 22.05.2005

Инструментальная бразильская группа Blezqi Zatsas была основана композитором, автором практически всех композиций Fabio Ribeiro в 1990 году. У них два альбома на сегодняшний день: «Rise And Fall Of Passional Sanity» (1991) и «The Tides Turn» (2002), но только дебютный был издан Musea Records, а нынче переиздан MALS.

Диск содержит весьма интересный и умеренно сложный инструментальный симфонический арт-рок с изобилием клавишных и так называемых оркестровых аранжировок. Однако лидер группы использует только синтезаторы. На альбоме нет столь любимых всеми аналоговых клавишных (таких, к примеру, как орган Хаммонда, Wurlitzer Piano, Mellotron), не говоря уже об акустическом пианино. Нет также и акустической гитары. В результате исключительно электрический инструментарий ансамбля придает их весьма добротной музыке некоторый синтетический привкус. В композиционном отношении музыка достаточно оригинальна, и большинство пьес звучит весьма независимо от наследий прошлого. Только в быстрых сольных проходах Фабио просматривается влияние легендарного виртуоза Rick Wakeman. При всем сказанном я очень сомневаюсь, что среди любителей арт-рока, где клавишные инструменты играют ведущую роль, как, к примеру, в творчестве ELP или того же Wakeman, найдутся такие, кому альбом не понравится.

Blue Drift — Cobalt Coast (2003)
!
Дата публикации: 01.10.2006

Английская группа Blue Drift включает в себя братьев Lodder (Джона и Дейва, последний из которых был активным участником The Morrigan с 1995 до 2002 годы) и постоянного барабанщика тех же The Morrigan — Arch. «Cobalt Coast» является дебютным альбомом трио. Англия — родина прогрессивного рока — нынче не изобилует яркими талантами, по крайней мере, в сравнении с США и многими странами континентальной Европы. Тем приятнее каждый новый факт появления там команды, исполняющей высококачественную прогрессивную музыку.

Если настойчивая повторяемость тем (фактор, обуславливающий широкий успех нео) делает соответствующий альбом привлекательным уже после первого прослушивания, то здесь несколько иная история. Однако любой, кто разбирается в серьезной музыке, знает, что постоянное развитие событий — подобно нити Ариадны: достаточно ухватиться за нее, следовать ей, и рано или поздно сокровища будут достигнуты. Преобладающая стилистика альбома — классический арт-рок с элементами прог-метала, хотя некоторые композиции имеют так же квазиимпровизации и вариации на музыку Среднего Востока.

Сегодня очень трудно создать что-то действительно новое в рамках симфонического арт-рока, но Blue Drift преуспели в этом начинании. Их «Cobalt Coast» — альбом, которого я ждал. Это абсолютный шедевр и один из двадцати лучших альбомов, выпущенных в Великобритании в новом тысячелетии.

Blue Drift — Mariner (2005)
!
Дата публикации: 20.11.2006

Альбом «Mariner» разнообразнее своего предшественника, да и не очень-то на него похож, налицо значительное отклонение от звука, характерного для начала деятельности Blue Drift. Стилистический паллет группы становится шире, появляется больше жанров, к которым они обращаются для получения остроты форм.

Первые две композиции — «Flight Of Doom» и «Nuclear Train» — самое явное подтверждение сказанному. Здесь определенно тяжелая и насыщенная музыка представляет собой невероятно изобретательный прог-метал практически в чистом виде, где клавишные используются редко, разве что для создания фона. «Flight Of Doom» — подходящее название для этой песни, так как, несмотря на все ее многообразие, основу определенно составляет дум-метал. Вторая дорожка возможно, самая замысловатая: содержит в себе постоянно изменяющиеся аранжировки со множеством уникальных и хорошо запоминающихся гитарных соло. Дэйв Лоддер оказывает значительное влияние на композиции, а также на общее звучание и стиль большинства из них; этому способствует его подход к игре на гитаре и клавишных, который, в свою очередь, зависит от выбора тональности и т. д. Единственным заметным исключением из этого правила является «Deep Space» Джона Лоддера с пульсирующими соло на бас-гитаре, задающими тон на протяжении всей дорожки, а гитара и синтезаторы обвивают их плавными рисунками, что на самом деле напоминает углубленную исследовательскую деятельность в области space rock. Наполненная подвохами и непредсказуемостью «Digging For Chance» сильно выделяется среди первых пяти композиций. Она также была написана Джоном, и здесь его страсть к космологии можно легко проследить уже в первой половине композиции, но даже здесь не обошлось без подавляющих риффов Дэйва. Где-то в середине трио неожиданно вторгается в территории джаз-фьюжн; Дэйв чаще переключается на фортепиано, а Арч выдает сложные и ломаные партии ударных, что эффективно сочетается с импровизациями братьев. И чем дальше развивается композиция, тем больше новых неожиданных событий ожидают слушателя. В заключительной части группа покоряет высоты прог-метала, но вскоре возвращается к своей уникальной формуле квазиджаз-фьюжн, которая будет лежать и в основе следующей дорожки, «Half Light». Заглавная дорожка длится немного более двадцати минут, и ее в полном смысле слова можно назвать сюитой, содержащей множество тематических секций с помпезными, тихими и смешанными аранжировками, тщательно проработанными и отлично исполненными. В музыкальном плане это нечто вроде собрания всех стилей, к которым группа обращалась до этого: гитарный арт-рок, прог-метал, space rock и джаз-фьюжн, хотя также присутствуют элементы симфонического прогрессива, впервые сыгранного здесь в чистом виде. Несколько намеков на Rush заметны в «Mariner», но, в общем, это достаточно оригинальная, не лишенная смысла вещь.

Вся прелесть альбома «Mariner» в том, что при заметном разнообразии стилей из дорожки в дорожку качество музыки на протяжении всех шести остается неизменно высоким. Это многогранный материал, затрагивающий несколько различных жанров. Так что любителям арт-рока в чистом его проявлении стоит учесть это перед покупкой альбома. Но в любом случае очень рекомендую.

Blue Shift — Not The Future I Ordered (1997)

Дата публикации: 27.02.2005

«Not The Future I Ordered», переизданный Musea Records в 1998-м, — это единственный альбом американского студийного проекта Blue Shift.

Повсюду вокалист старательно, до нюансов копирует голос и манеру исполнения Jon Anderson, тогда как инструментальные аранжировки, как правило, не подлежат сравнениям, по крайней мере, прямым. Иными словами, там, где есть вокал, сходство с Yes (периода 1977–1978) едва ли не полное. К счастью, инструментальные полотна, развивающиеся отдельно от вокала, занимают в среднем до половины пространства. Особенно широки, разнообразны и оригинальны они в заглавной, самой продолжительной композиции альбома «Wide Awake And Dreaming» (около девяти минут), где они выдержаны в русле симфонического прог-метала. В результате всего сказанного мини-эпик остается непревзойденным. Последующие песни интересны композиционно и по исполнению, где особенно выделяются гитарист и клавишник, однако звуки системных барабанов (семплы которого заложены во многих синтезаторах) несколько портят впечатление, равно как и «клонированный» вокал. Предпоследним номером в альбом для чего-то включена кавер-версия хард-роковой «Immigrant Song» (от Led Zeppelin), а замыкает программу «Flintridge», самая перегруженная вокалом вещь, вследствие чего она тоже звучит как «версия», воссоздавая атмосферу почти неотличимую от йесовской.

Неплохой альбом, но далеко не шедевр, прежде всего из-за его ярко выраженной вторичности, конечно. Тем не менее я знаю, что альбом понравится очень многим, всем, кто менее, чем я, привередлив в отношении оригинальности. На альбоме есть две-три несложные вещи, но в целом он едва ли относится к категории нео.

Boffo Jean Pascal — Parfum D’Étoiles (2000)

Дата публикации: 31.01.2001

Не самый сногсшибательный из последних релизов компании в конце прошлого года, но один из категории очень хороших. Вообще, Musea начинала именно с Боффо, и это уже восьмой студийный альбом музыканта, давно уже ставшего всемирно признанным практически наравне со Steve Hackett, Anthony Phillips и еще весьма немногими исполнителями, чья как бы исключительно сольная карьера по качеству материалов сопоставима с творчеством групп. Действительно, качество композиции и исполнения всех без исключения альбомов Жана-Паскаля соответствуют уровню большинства титанов соло, хотя главное их достоинство — это постоянный поиск новых форм. Тем самым каждый новый альбом Боффо был приятной неожиданностью для огромного числа его поклонников. От классического арт-рока ведущий соло-пилот Франции вдруг шагает в сторону симфонического джаз-фьюжн, затем поражает программой, целиком созданной на базисе самых разнообразных «музык» Востока и т. д. Впрочем, в отличие от большинства других известных сегодня соло-пилотов — таких, как Fonya, Chance, Bill Lasswell (выпущен в России «по лицензии»: любители мрачного ambient — «ловите») и др., Боффо работает с мощным составом аккомпаниаторов, так что его сольные альбомы имеют звучание, характерное для «нормальных» групп. К очень нынче модному так называемому подлинно акустическому прогрессиву (наиболее известный пример — Steve Hackett's «Momentum» 1988 года, тогда как Ian Anderson's «The Secret Language Of Birds» можно назвать не более чем полуакустическим альбомом и то весьма условно, поскольку в целом он имеет характерный «групповой» звук), Боффо относится… фактически никак. Вот и последний его опус «Perfume d'Etoile» — один из весьма немногих «полнокровных» сольников, тогда как в целом движение «сольного акустического прогрессива» в прошлом году приняло прямо-таки массовый характер. Ничего не имея против этого, сам я всегда предпочитал и предпочитаю богатое, сочное звучание (ансамбля). Повторю: невзирая на богатое стилистическое разнообразие в рамках дискографии (по-моему, это более чем положительный фактор — отсутствие стагнации), каждому альбому Боффо, взятому отдельно, оценки менее чем четыре с плюсом поставить просто невозможно.

Значительная часть проГдукции замечательного француза — это полностью инструментальные альбомы. В «Perfume d'Etoile» вокальные номера есть, но во-первых, их всего четыре (почти сорок девять минут альбома «принадлежат» инструменталам). Во-вторых, песни сами по себе высокого качества, и вокалистка знает толк в своем деле (одну вещь она поет по-английски, а местами ее манера пения напоминает Sally Oldfield в хэкеттовском альбоме «Voyage Of The Acolyte»). В-третьих, благодаря великолепному продюсерингу вокальные дорожки на альбоме были распределены среди инструменталов «широко», напоминая тем самым как бы вокальные островки в инструментальном море. И если талант Боффо как композитора очевиден всюду (начиная уже с его дебютного альбома), то как уникальный музыкант (и прежде всего гитарист) он, конечно, именно в инструментальных пьесах имеет достойный его гения простор. Не могу выделить в качестве лучшего ни единого инструментального номера — все без исключения поражают воображение удивительно «вкусными» темами и разнообразными, порой просто волшебными аранжировками.

Многие из «старожилов» нашей «прогрессивной психологической ниши» хорошо помнят, что большинство лучших работ жанра в семидесятые годы, помимо собственно «прогрессивности», несли в себе какую-то магию. Я вспоминаю сейчас уникальные, загадочные, очень «душевные» синтезаторные соло Манфреда Манна времен 1973–1978 гг., и нечто подобное я слышу сейчас в некоторых пассажах Боффо. Трудно объяснить словами эту магию звучания, но это именно то, чего сегодня не достает многим и многим, даже «жутко» прогрессивным современным командам.

Bog-Morok — Azoic (2003)

Дата публикации: 14.12.2003

Весьма оригинальный и сильный прогрессивный дум-метал с периодическими экскурсами в атмосферно-симфоническое звучание и элементами классического прог-метала (на половине дорожек) представляет трио современных русских «язычников» Bog Morok на своем «безжизненном» альбоме. (Зря так назвали: вся эта ребяческая шелуха — псевдопсевдонимы и утрированное отношение, скажем, к мистике только помешает потенциальному покупателю из числа, скажем, взрослых.)

Особенно хороши песни под номерами 4, 6, 7 и 8 (как раз «та» половина дорожек, sorry за косноязычие) с внедрением в текстуры партий пианино, органа и иногда классической акустической гитары. Вокальный диапазон — от «сурового», но «чистого», до рыка, что лично мне — при качественном материале — особо не мешает. Музыка достаточно сложная — как композиционно, так и технически, — на всех восьми (первых) дорожках альбома. А вот последний меня откровенно разочаровал. Чего ради стоило ломать стилистически монолитный альбом включением в него электронно-калошного, простите, дума? Времени звучания и так было бы достаточно. В общем, ползвезды у отличного альбома как ни бывало.

Тем не менее: хотя я слышал, наверное, не все альбомы команд из России и СНГ, изданных на CD-Maximum, мне все же представляется, что это их лучшая экспортная продукция.

Braindance — Redemption (1999)

Дата публикации: 01.06.2000

Честно говоря, я получил эту демокассету звучанием всего около сорока минут давным-давно. Причем только сторона «А» (двадцать минут) содержит одно-полутораминутные семплы из грядущего (второго) альбома этой группы — вероятно, поэтому я и позабыл о ней, т. к. трудновато иметь законченное мнение, «собирая его по кусочкам». И тем не менее я должен признать, что стиль дуэта (мужчина и женщина) очень оригинален, хотя структуры не очень сложные. Это весьма мрачный прогрессив, аналогов которому я подыскать просто не могу. Верится, что подобная музыка может легко стать более или менее массовой, невзирая на то, что в любом случае, чтобы нормально «въехать» в Braindance, необходимо несколько прослушиваний.

Многообещающая единица жанра — это в качестве резюме.

Brainstorm — Smile A While (1972)
!
Дата публикации: 11.06.2005

Brainstorm — несомненно, одна из лучших германских групп (и самая нестандартная) из числа появившихся в первой половине семидесятых, да и не только. Имеет три альбома в своем активе: «Smile A While» (1972), «Second Smile» (1973) и «Last Smile» (2001), и первые два мне знакомы.

Уже в самом начале деятельности коллектив предстает настолько серьезным и виртуозным, что с трудом верится, что «Smile A While» является их первым студийным опытом. Музыка динамичная, сложная, необычайно захватывающая и представляет собой сплав джаз-фьюжн и симфонических текстур (проводимых партиями флейты), в том числе имеющих отношение к классической музыке, но с множеством очень необычных гармоний, характерных скорее для RIO, который в то время еще, собственно, не народился. Некоторые параллели можно было бы провести с ярчайшими представителями родственного RIO направления zeuhl: французскими командами Zao и Moving Gelatine Plates, если бы они не стартовали в том же 1972-м. В общем, исключительно новаторская программа, а глубина музыки такова, что я не припомню какой-либо еще немецкой группы, работавшей в те годы столь же мощно и выразительно; их вообще немного таковых, которых можно было бы поставить в один ряд с Brainstorm. Три из десяти композиций содержат вокал (лирика на английском языке), но, по большому счету, это инструментальный альбом. Пятнадцатиминутный заглавный номер настолько же умопомрачителен, как и прочие вещи (или наоборот, если хотите), включая три дополнения. Необходимо заметить, что во главе угла здесь стоит композиция, а не импровизация. В отличие от весьма какофоничных классических альбомов Soft Machine («IV», «V») и наоборот, несколько более прямолинейного джаз-рока (Mahavishnu Orchestra и т. д.), дебют Brainstorm исключительно гармоничен и должен быть восторженно принят всеми любителями сложного прогрессивного рока. В любом случае, самые искренние, настоятельные рекомендации. Более часа превосходной музыки, абсолютный шедевр!

Cafeine — Nouveaux Mondes (2000)

Дата публикации: 27.02.2005

Спустя шесть лет после релиза своего первого альбома французская группа Cafeine издала «Nouveaux Mondes». В отличие от своего предшественника, этот диск почти целиком состоит из вокальных номеров, но с интересным подходом, причем собственно музыка в основном остается весьма типично «кофеиновой». Трое из участников основного состава группы отлично работают также на подпевках, хором, но все партии лид вокала исполнены гостями, и некоторые из них более чем известны. Это Christian Decamps из Ange, Sonia Nedelec из Minimum Vital и Julie Vander, которая хотя и не Stella, но также имеет отношение к семейству Magma. Еще несколько гостей украшают базовые арт-роковые текстуры камерными: виолончель, флейта, гобой и фагот. Вещь «L’or Des Indes» начинается с мелодической вокальной темы, которая, я бы сказал, недоразвита, но вскоре сменяется полноценной новой и, в конце концов, расцветает как бутон розы. Восточная поэтика здесь, возможно, не к месту, но вокалисты, нередко прибегающие к типично французской цветистости песенного слога, видимо, способствуют появлению схожих настроений. Инструментальные партии, вне зависимости, сопровождают ли они вокал или развиваются независимо от него, остаются истинно прогрессивными. Иными словами, большое количество вокальных партий отнюдь не говорит в данном случае о том, что музыка проста для восприятия. Тем не менее единственная инструментальная композиция «Hubble» с ее очень сложной ритмикой и бесконечной сменой рисунков, на мой взгляд, лучшая вещь альбома. Она же наиболее сопоставима с материалом первого альбома группы, который, к сожалению, был издан не на Musea Records.

Хотя не шедевр, как его предшественник, «Nouveaux Mondes» — очень хороший продукт симфонического арт-рока. Показан к применению прогловерам обеих школ, старой и новой. Честно. Никто не разочаруется, если вслушается.

Camel — Rajaz (1999)

Дата публикации: 06.01.2000

Уж как минимум лучшая работа Латимера и Ко со времен «Stationary Traveller» (1984). В целом весьма спокойный, он однако наполнен истинно «кэмеловским» духом. Я ощущаю этот альбом как бы проекцией стилистики группы второй половины семидесятых в настоящее время. И музыканты все собрались хорошие и знакомые, истинные «кэмеловцы»: Andrew Latimer — вокал, гитары, флейта; Colin Bass — бас, вокал; Ton Scherpenzeel — клавишные; Barry Phillips — виолончель; Dave Stewart — ударные. Просто отличный диск.

Campo Di Marte — Campo Di Marte (1973)
!
Дата публикации: 23.02.2007

Одноименный альбом Campo Di Marte — это, несомненно, их первенец, записанный и выпущенный в далеком 1973 году, но уже неоднократно переизданный на CD, потому как классика. Стиль — симфонический арт-рок с ярко выраженным (как нынче стало модно говорить) «винтажным» антуражем, который обусловливается не только духом эпохи, но и спецификой звучания широко применяемых в те годы клавишных инструментов: меллотрон, орган Хаммонда, The Wurlitzer electric piano, ARP string ensemble и др. Здесь таковых изобилие, равно как и акустических инструментов, впрочем, с флейтой и пианино «во главе». Очень хорошо сбалансированное акустически электрическое звучание характерно для всего материала. Среди нескольких незначительных исключений на стилистическом уровне надо, пожалуй, специально выделить лишь первую композицию «Primo Tempo», которая немного ассоциируется с заглавной вещью King Crimson’s «Red». Въехать в этот альбом с первого раза невозможно, но зато несть числа приятным минутам, которые он будет приносить внимательному слушателю в дальнейшем. Шедевр.

Candlemass — Epicus Doomicus Metallicus (1986)

Дата публикации: 15.08.2003

Хотя факт влияния Black Sabbath на Candlemass неоспорим, шведские герои соборного метала звучат весьма оригинально уже на первом своем альбоме. В первую очередь, это произошло благодаря искреннему желанию музыкантов не стать пародией на своих кумиров, несомненному таланту Leif Edling как композитора, а также оригинальному подходу к аранжировкам, особенно в отношении гитарных соло и вокальных партий (кстати, манеры пения и порой даже голоса Langquist и Marcolin весьма похожи). В общем, Candlemass стали «мостом» между ранним творчеством Black Sabbath и периодом «развитого» дум-метала, расцвет которого пришелся на девяностые, а отголоски «Epicus Doomicus Metallicus» можно услышать на многих и многих альбомах жанра, выпущенных позднее, включая такие шедевры, как Tiamat’s «Clouds».

Основное отличие «EDM» от прочих альбомов группы (кроме «Abstract Algebra») заключается в наличии пассажей акустической гитары и клавишных, которые играют не последнюю роль в звучании большинства (!) представленных здесь песен, хотя эти инструменты и не заявлены в списке инструментов.

Альбом исполнен высококачественного соборного метала (или прогрессивного дум-метала) порой с ярко выраженными элементами «гитарного» и симфонического арт-рока и как минимум ни в чем не уступает другим классическим работам группы, выпущенным во второй половине восьмидесятых (хотя «Nightfall» мне даже нравится чуть меньше). В отношении же насыщенности звучания и по уровню «прогрессивности» диск совсем немного не дотягивает до «Abstract Algebra». Так что, если кому-то, как мне, случайно не довелось ранее услышать дебютный альбом Candlemass — даже не сомневайтесь! «Epicus Doomicus Metallicus» — одна из лучших работ соборного метала и великолепный экскурс в историю развития жанра.

Candlemass — Live In Birmingham (1988)

Дата публикации: 15.08.2003

Большинство вещей, вошедших в этот концертник, было взято с первого альбома Candlemass, отрецензированного мной выше. Короче, здесь дебютный материал представляет классический состав группы с Messiah Marcolin на вокале. Само собой, в исполнении Мессии вокальные партии ранних вещей приобретают несколько иное звучание, но в этом собственно и вся разница.

«Live In Birmingham, March 1988» — это бонус-диск, который идет в комплекте с «Epicus Doomicus Metallicus», и я выделил этот материал в отдельную рецензию лишь потому, что у меня нынче девять, а не десять альбомов от CD-Maximum, один из которых, к счастью, двойной. В целом студийный мне нравится на порядок больше: там шедевр, а здесь просто отличный альбом, не более. И слишком часто Мессия, подражая Оззи, выдает мгновенно узнаваемое «yeah».

Candlemass — Tales Of Creation (1989)

Дата публикации: 09.03.2003

Leif Edling был прав, однако, утверждая, что «Tales Of Creation» является наиболее сильным альбомом Candlemass (если, конечно, исключить Abstract Algebra; впрочем, «Ancient Dreams», 1988, — тоже шедевр). Диск 1989 года представляет, однако, не просто магический дум-метал с элементами прогрессива, как в случае с «Ancient Dreams»: он исключительно прогрессивен и во всех отношениях (как опять-таки «Abstract Algebra», 1995). Особенно впечатляет концептуальность альбома, а факт, что многие песни здесь слиты в единые сюиты, делает его, однако, особенно привлекательным: такие истинно эпические формы не часто встречаются в прог-метале, однако.

Хотя корни музыки Candlemass очевидны, ни единой ноты у Black Sabbath не было, однако, позаимствовано. Что бы кто ни говорил, стилистика этой группы, однако, исключительно оригинальна. Это тем более очевидно, как говорится, с высоты сегодняшнего дня, и особенно — в случае с «Tales Of Creation» — наиболее разнообразным и в целом «скоростным» альбомом группы.

Великолепный (я бы сказал — великий!) вокал Мессии — столь же редкое и неповторимое, однако, явление, как вокалы Ozzy, King Diamond, Ian Gillan. (Роберта Планта, как ни странно, многим удается копировать.)

Лично для меня Candlemass в целом являются самой успешной группой прогрессивного дум-метала после Black Sabbath, хотя на «Tales Of Creation» они продвинулись далеко вглубь территории безусловного прог-метала, как собственно и сами отцы жанра на альбомах 1973, 1975, 1976 и (особенно) 1978 годов. «Tales Of Creation», однако, альбом универсально прогрессивного характера и должeн, однако, нравиться многим любителям прогрессивного рока, исключая лишь замкнутых на свой жанр (или на своем жанре?) джазистов и академистов.

Candlemass — Doomed For Live — Reunion (2002)

Дата публикации: 11.05.2003

Однажды я рецензировал в «Вестнике» последний пока студийный альбом Candlemass «Dactylis Glomerata» (1998), который в оригинале задумывался как второй альбом Abstract Algebra. Ввиду ухода из группы гитариста Mike Wead и вокалиста Mats Leven все тогда вышло иначе, но я еще вернусь здесь к самому прогрессивному проекту Эдлинга — Abstract Algebra. А в прошлом году Edling и Candlemass отпраздновали реформацию классического состава группы (образца 1987 года) концертами, один из которых был записан для данного альбома.

Материал, представленный здесь, конечно же знаком всем фанам группы и собственно соборного метала, но как здорово слышать все это «живьем»! (Термином «cathedral metal» я привык характеризовать прогрессивный дум-метал, созданный Black Sabbath и получивший дальнейшее развитие благодаря Mercyful Fate — King Diamond — Candlemass, но отнюдь не такими тупиковыми актами, как Paradise Lost и My Dying Bride, к примеру.) Candlemass отнеслись к тем знаменательным концертам с позиции серьезных исполнителей (каковыми они собственно и является) и, таким образом, все представленные на двойнике песни — разных лет, с разных альбомов, в оригинале разные даже в темповом отношении — выдержаны здесь в рамках абсолютно монолитной стилистики. Иначе говоря, многие песни здесь звучат свежо и ново, а собственно альбом воспринимается как глубоко концептуальный.

Candlemass — воистину замечательная группа, возглавляемая выдающимся композитором, и имеющая в своем составе одного из уникальнейших вокалистов мира. Мгновенно узнаваемого Messiah Marcolin, как и Ozzy, не спутаешь ни с кем, и я до сих пор недоумеваю, почему Black Sabbath призывали под свои знамена кого угодно, кроме него. Теперь же остается надеяться, что данный Reunion не заглохнет после сбора «урожая», как это оказалось в случае с Black Sabbath. Неоднократные демарши Эдика-Мессии (а это касается как Candlemass, так и Memento Mori) говорят лишь о том, что от него всего можно ожидать, равно как и от Ozzy. По поводу же альбома — самые настоятельные рекомендации для всех, кто знает, о ком я говорю, а также тем, чье понимание хорошей музыки не ограничиваются какими-то специфическими жанровыми рамками.

Carpe Diem — Cueille Le Jour (1977)
!
Дата публикации: 27.09.2005

Carpe Diem выпустили только два альбома, но зато каких! Только UK, пожалуй, можно поставить на одну планку с этими французами в этом отношении. Хотите — верьте, хотите — нет, но любой из их дисков мне нравится даже чуть больше, нежели самый мощный проект Gong, «You». Здесь музыка в целом также лежит в плоскости space fusion (space rock + jazz fusion), но порой отличается более глубокими исследованиями этой сферы плюс с сохранением красот, характерных для симфонического арт-рока семидесятых. От большинства композиций неизменно захватывает дух, когда бы я к ним не возвращался. Доходит до того, что я слушаю диск, когда времени попросту нет. Какие сравнения, тем более с Camel (это я вспоминаю рецензии на других ресурсах)! Музыка исключительно оригинальна и намного более сложна, нежели любая продукция Andy Latimer & Co. Шедевр, который потрясет любого, чей горизонт не ограничен рамками нео.

Cast — Imaginary Window (1999)

Дата публикации: 25.11.1999

Самая известная из «неизвестных живых легенд» классического арт-рока. Выпускает свои альбомы за собственный счет. Существует более пятнадцати лет. Удивительно плодовита как в отношении количества музыкального материала (плюс каждый альбом звучит больше часа, как минимум), так и в отношении качества. Ребята, те кто любит ранний Genesis, Marillion-1994 и Xitizen Cain 1994–1997, ищите этот «кастовый» состав всеми возможными способами! Это высшая «каста» арт-рока! Впрочем, в целом это просто еще одна (в данном случае — мексиканская) клон-группа (не жалкая копия!) Genesis. Отличие лишь в том, что они, в отличие от «некогда великой группы», близко не выдохлись и за полтора десятилетия.

Cast — Legacy (2000)

Дата публикации: 13.07.2000

Мексиканский Genesis (а многие из вас знают, что я люблю достойных подражателей титанам, а наоборот — в отношении других) уже двадцать один год остается абсолютным лидером в «этой» стилистике, хотя альбом номер один здесь для меня «Raising The Stones» by Citizen Cain. Знаю, многие не будут согласны ни в первом, ни во втором случае: ну что ж, тем и интереснее. Я бы поставил «Завет», пожалуй, на четвертое место в их 10-дисковой обойме.

Catley Bob — When Empires Burn (2003)

Дата публикации: 15.08.2003

Как известно, Bob Catley не является композитором — он просто хороший певец, получивший широкую известность как фронтмен группы Magnum задолго до начала сольной деятельности. Хотя какая это «сольная деятельность», если всю музыку и все тексты песен для альбомов Боба пишут другие люди? В данном случае это клавишник и продюсер Пол Ходсон — он из хард-роковой команды Ten, равно как и его предшественник Гэри Хьюз. В общем, люди работают по схеме «громкое имя плюс хорошие деньги», ну да и ладно, а «When Empire Burn» — это уже четвертый альбом, изданный в рамках проекта Bob Catley.

Посмотрим, чего же тут нового в сравнении с предыдущими? Выраженные клавишные аранжировки вообще и пассажи пианино и string ensemble в частности привносят в музыку элементы симфонического арт-рока, но в целом это по-прежнему традиционный, весьма слащавый (я бы сказал, нео) хард-рок американской школы. Действительно, «вкусных», выразительных, исполненных энергетики тем здесь очень немного, в чем собственно и заключается отличие настоящих легенд хард-рока (нет нужды перечислять их здесь) от Bob Catley, Magnum, Ten, Riot и т. п., которые, сколь не называй их «легендами», таковыми отнюдь не являются.

Вокал Боба Кэтли как всегда неплох, но большое количество модных «накладных» подпевок вокалов меня раздражает так же, как неумеренное использование накладных ресниц женщинами.

Из тринадцати дорожек альбома мне более или менее понравились единственная здесь симфоническая инструментальная пьеска, открывающая альбом, и три весьма «тяжелые» песни драматического характера (4, 10 и 11), хотя базовая тема последней из них была, не мудрствуя лукаво, позаимствована с Camel’s «Harbour Of Tears»: особенно это очевидно в начале вещи. Есть еще на альбоме «так себе» баллада, поставленная в самый конец его. В общем, «When Empire Burns» — это еще один добротно сделанный середнячок, очень типичный как для Bob Catley, так и для итальянской конторы Frontiers Records.

Chain Paul — Park Of Reason (2002)

Дата публикации: 15.08.2003

Paul Chain — один из наиболее талантливых и оригинальных последователей раннего творчества Black Sabbath, настоящий мультиинструменталист, владеющий всеми основными рок-инструментами. Он является очень известным соло-пилотом в «потусторонние сферы» музыки, и его творчеством вдохновлены многие современные исполнители дум-метала.

На новом альбоме Пола «Park Of Reason» двенадцать композиций, семь из которых с вокалом (на английском языке). Ввиду того, что две из них (обе — одиннадцатая и двенадцатая) размещены на последней дорожке диска в моно-режиме, альбом имеет общее звучание протяженностью в девяносто минут. Эти композиции можно слушать как вместе (звучат поразительно гармонично), так и отдельно, по очереди, для чего необходимо приводить ручку баланса в крайние положения.

Название альбома («Тайна разума») в данном конкретном случае следует, видимо, трактовать как «Сон разума», а сон разума, как известно, порождает чудовищ. Именно в этом и заключается концепция нового альбома Paul Chain. Однако не стоит искать здесь какой-то знаковости, посыла, поскольку целью этого артиста является не предупреждение человека (общества) об опасности, исходящей собственно из него самого (сколько подобных «предупреждений» было и есть, а что толку?), но лишь констатация фактов.

Что касается музыки на альбоме, то на всех семи песнях, где, впрочем, больше «чисто» инструментальных аранжировок, представлен классический, мистически-гипнотический, прогрессивный симфонический дум-метал «в сопровождении» церковного органа и пианино. В этой же стилистике выдержана и последняя инструментальная пьеса на альбоме. На других инструментальных композициях Пол далеко выходит за рамки превалирующей стилистики альбома, и тогда понимаешь, насколько широки его музыкальные горизонты. Здесь представлен весьма необычный, но очень убедительный симфонический арт-дум-рок с безраздельной властью органов, пианино и синтезаторов (гитары лишь однажды) и без каких-либо «металлических примесей». Единственным небольшим минусом данного альбома в частности и творчества этого артиста в целом является факт того, что Пол обладает не слишком сильным голосом (хотя вокал у него высокий). Ему определенно необходимо слегка поступиться своей творческой замкнутостью и пригласить наконец «свободного» певца.

Chance — Escape To Horizon (2000)

Дата публикации: 18.07.2000

Сольный проект прог-пилота из Франции Laurent Simonnent (кто-то знает уже прославленных «одиночек» — Apogee (Arne Schäfer), Fonya (Chris Fournier), Jeremy (J. Morris), Rick Ray, да и Rodger Hodgson записал свой дебютный соло в 1984-м с откровенно формальными именами — «гостями липовыми»).

Четыре балла из шести для одиночки с дебютным (инструментальным) альбомом — неплохо, правда? Действительно, темы и аранжировки ничего себе для новичка. Арт-рок лишь иногда впадает в меланхолию «атмосферной» музыки, а барабаны хоть и программные, но бил музыкант по клавишам инструмента с хорошей драмовой программой, впрочем, отнюдь не так виртуозно, как это делает Fonya (подскажу — блестяще). Хватает и успешных гитарных соло, хотя клавишных больше. В общем, предостерегу: любители Jarre, если таковые есть среди проговерных (а что, у нас же свобода мнений, в конце концов!), не ходите «туда», даже если попадется. Хотя, вдруг это вам послужит ступенькой вверх? Если есть такой настрой, тогда попробуйте «сходить» — видите, в заглавии «Шанс» написано.

Chiave Di Volta — Ritratto Libero (2004)

Дата публикации: 10.05.2006
При участии Ашота Хуршудова

Группа Chiave Di Volta была основана в 2001 году клавишником Gabriele Pasquali, вокалистом-флейтистом Vieri Villi и басистом Donato Masci, изначально игравшими в группе под названием Campanile-18. С момента своего появления группа активно гастролировала по всей Италии.

«Ritratto Libero» — их дебютный альбом. Начинается он с короткой композиции «Il Viaggo», которая содержит примерно равное количество вокальных и инструментальных аранжировок. Следующие композиции больше захватывают дух, в них присутствуют неожиданные остановки и возобновления игры с мощно звучащими и в то же время достаточно сложными аранжировками. В «OniricaMente» и «Dietro Le Mura» группа следует романтическим традициям итальянского арт-рока, заложенного Le Orme, Banco и PFM в начале семидесятых, но без заимствований у основателей жанра. Теплая и душевная, временами просто магическая музыка представляет идеальный баланс между мелодикой и сложностью, она настолько неотразима, что становится трудно поверить, что играет ее такая молодая группа. Несколько просто великолепных секций с фортепиано и флейтой на переднем плане своей красотой и выразительностью напоминают мне произведения Genesis «Firth Of Fifth», «Lamia» и подобные. Три прочие композиции по большей части инструментальные. Пятнадцатиминутная заглавная дорожка располагается в самой середине альбома. Сохраняя достаточно свойств, присущих классическому арт-року, для того, что бы привлечь фанатов традиционного направления, здесь так же очень много новых идей, частые импровизационные соло, а так же местами проглядывающиеся авангардные оттенки. Две последние дорожки, «Involuzioni Rapide» и «Ballo Al Molino», содержат мало вокала и имеют некоторое сходство с английским арт-роком.

«Ritratto Libero» — восхитительный дебютный релиз от одной из наиболее многообещающих итальянских групп, который автоматически продвигает Chiavo Di Volta в высший эшелон современной прогрессивной рок-музыки. Искренне рекомендую.

Circle II Circle — Watching In Silence (2003)

Дата публикации: 13.07.2003

Имя Zack Stevens знакомо многим любителям прогрессивного рока благодаря пребыванию этого вокалиста «в стенах» знаменитой американской группы Savatage. И хотя Zack ушел из группы, чтобы создать свой проект, не кто иной, как его старый товарищ, неутомимый лидер Savatage и просто неиссякаемый источник идей, Jon Oliva сочинил большинство музыкального материала для первого альбома Circle II Circle. Часть песен написал еще один Savatager Chris Caffery, а сам Захария везде фигурирует лишь как соавтор, что, скорее всего, касается лишь текстов и вокальных мелодий.

Как бы то ни было, материал, представленный на альбоме «Бдение в тишине», в целом великолепен. Почему «в целом»? Да странным образом единственная на альбоме баллада (8) оказалась единственной же здесь дорожкой, чья оптимистическая сущность идет вразрез с единой драматической концепцией программы и полностью выпадает из нее. Зато прочие девять песен — просто superb, как говорят дяди и тети из англоязычных стран межгалактического «желтого дома», освещаемого желтым карликом.

Как я уже сказал, альбом стилистически, композиционно и качественно в целом монолитен, и музыка на superb девяти песнях представляет собой цельный и очень добротный классический соборный метал с элементами симфонического арт-рока и разнообразными, но исключительно выразительными темами, богатыми инструментальными аранжировками и одним из лучших вокалов в тяжелой музыке. Сравнения? Мысленно вспомните альбомы Black Sabbath «The Eternal Idol», «Headless Cross» и «Dehumanizer», а также «Strange Highways» (1993) и «Angry Machines» (1996) Dio — и вы у «цели»! Хотя некоторое количество мотивов Savatage здесь тоже в наличии, Oliva определенно постарался, чтобы Circle II Circle звучали более тяжело и мощно и таким образом не стали бы «дочерним предприятием» его основной группы. Но если у Circle II Circle своих идей пока не хватает, чтобы работать вне руководства «папы Ионы», «папа Иона» тоже ведь не святой, чтобы черпать новые идеи исключительно из небес. В любом случае, тот, кто все понял и любит музыку этого жанра, сомневаться в приобретении этого альбома не должен ни в коей мере. Сделано очень солидно — во всех отношениях.

Cliffhanger — Not To Be Or Not To Be (1996)
!
Дата публикации: 27.02.2005

Хотя ваш проигрыватель покажет общее время звучания этого альбома семьдесят три минуты, последние десять минут содержат записанную тишину, лишь время от времени нарушаемую спонтанными звуками инструментов. Но это мелочи. «Not To Be Or Not To Be» — один из тех замечательных продуктов современного прогрессива, который воспринимается как случайно утраченный, но, к счастью, найденный шедевр жанра времен его расцвета, семидесятых. Одним из особо привлекательных аспектов программы является факт, что группе удалось почти полностью отстраниться от вездесущих влияний классического английского арт-рока вообще и его ярчайших представителей: Genesis, Yes, Jethro Tull, King Crimson, ELP и так далее. Хотя о беспримесном арт-роке тут говорить не приходится. Звучание порой весьма тяжелое, граничащее с прог-металом, а вдумчивый слушатель найдет здесь даже элементы RIO, которых, впрочем, не столь много, чтобы спугнуть широкого слушателя (с вашего позволения). Пролонгированные композиции «Sewers», «Ragnarök» и т. д. поражают своей грандиозностью, но даже короткий инструментал «Moon» — это полноценная глубокая композиция, а не довесок.

Один из самых мощных альбомов, изданных в девяностые; не пожалейте на него ни денег, ни времени. Окупится с лихвой. Читайте, пожалуйста, также материал, посвященный творчеству Cliffhanger в целом.

Closterkeller — Graphite (1999)

Дата публикации: 13.07.2003

Только первая песня на «Графите» является чем-то вроде хита-открывашки в русле утяжеленного брит-попа, тогда как все дальнейшие музыкальные события на альбоме отмечены печатью весьма высокого качества.

Стилистика подавляющего большинства из четырнадцати представленных здесь песен мне видится как арт-рок с элементами хард- и готик-рока. Хотя музыка отнюдь не сложная, она оригинальна и определенно прогрессивна. Впрочем, многие песни альбома могут показаться простыми только при поверхностном прослушивании, потому как инструментальные аранжировки в них почти всегда насыщены и интенсивны. Особенно впечатляюще изобретательны и виртуозны партии пианино, и весьма замысловатая «паутина», которую они «плетут» почти беспрестанно, за вокалом и базовыми темами заметна не сразу. Три песни альбома характеризуются весьма тяжелым звучанием и представляют собой, пожалуй, не что иное, как современный прог-метал, а две драматические баллады, исполненные «ортодоксальной» Аней преимущественно под аккомпанемент пассажей и соло акустической гитары, столь же великолепны, как в целом и весь альбом. Единственно, я бы исключил из этой 65-минутной программы первую дорожку и — пущей стилистической гармонии ради — поменял местами несколько песен на второй половине диска.

Главное же качество музыки «Графита» в том, что она, что называется, пропитана магией, и данный факт делает альбом привлекательным для всех категорий любителей прогрессива. Даже те, кто предпочитает наиболее сложные формы жанра, едва ли устоят против умных, завораживающих, волшебных мелодий и исключительно красивого и выразительного вокала. Очень хороший альбом, по меньшей мере.

Contrappunto Project — Elegie d’Inverno (2004)
!
Дата публикации: 04.03.2006
При участии Василия Заворочаева и Ашота Хуршудова

Contrappunto — одна из групп, основанных в ядре современного итальянского движения прогрессивного рока. «Elegie d’Inverno» — их третий альбом. Андреа Кавалло почему-то выпустил его под названием Contrappunto Project. Создание обоих предыдущих альбомов так же его заслуга, это альбомы «Subsidea» и «Lilith».

В большинстве своем музыка драматического, а не романтического характера, но в ней нет ничего мрачного. Кроме пары синтезаторов, все остальные используемые здесь инструменты камерные: классическое акустическое фортепиано «Петроф», флейта, кларнет, виброфон, ксилофон, маримба, тромбон, труба и виолончель. Альбом состоит из инструментальных композиций. Первая дорожка, «Oltre La Luce», представляет из себя взаимодействующие переходы между фортепиано и синтезатором, а также соло на флейте и на кларнете, исполненные в русле классической академической музыки. Две самые длинные дорожки: «Profondità Ossessive» и «La Nebbia», а так же «Vivaci Acrobazie» характеризуются вовлечением всего состава музыкантов и использованием полного комплекта музыкальных инструментов, имеющихся в этом альбоме. Композиционная концепция, которую Андреа вкладывает в эти работы, впечатляет меня своей грандиозностью и уникальностью. Здесь я слышу серьезную классическую музыку с некоторыми авангардными тенденциями, которую, однако, я не отношу к академической авангардной музыке. Несмотря на краткость и отсутствие виолончели тромбона и трубы, «Attraverso La Luce» можно отнести к описанным выше композициям, по крайней мере в общих чертах. Три остальные дорожки — это что-то вроде бенефиса в исполнении Андреа. Дитя современных синтезаторов, коротенькая «Laggiù, Lontano, Luce», — симфоническая музыка, в то время как «Luci Chiaroscurate» и «Nevermind» вряд ли можно определить иначе, как небольшие концерты классической музыки для фортепиано. Следуя романтическим традициям жанра, последняя дорожка создает легкое настроение, которое отличается от остальных композиций, эмоциональный спектр которых широк и насыщен.

Исходя из рецензии ясно, что я признаю «Elegie d’Inverno» великолепнейшим альбомом. И если вы любите прогрессивную музыку вообще, то есть не только прог-рок, вы, несомненно, придете к такому же заключению.

Cooper Alice — Brutal Planet (2000)

Дата публикации: 22.06.2004

Когда Купер выпустил альбом под названием «Последнее искушение» (1994), многие, в том числе и я, решили, что таким образом маэстро дает понять об окончании своей музыкальной активности. (Музыкальная деятельность чаще всего продолжается и после прекращения музыкальной активности, что выражается в переиздании альбомов, выпуске сборников и так далее.) Вполне вероятно, первоначально так все и планировалось. Тем не менее спустя шесть лет Купер не только издал новый альбом, но и резко активизировал свое творчество. В общем, историями о прощаниях с неизбежными возвращениями нас не удивить. Более того, мы в целом приветствуем такие обратные процессы.

Архетипом для Купера является ритм-н-блюз середины шестидесятых, хотя позднее в его творчестве появились, говоря обобщенно, сопутствующие факторы — иного, хотя и родственного происхождения: прежде всего, относящиеся к хард-року. Бенефактор, а возможно и не один, определенно имеется, но так как для меня рок-музыка шестидесятых не является «открытой книгой», я даже не берусь его определять. Здесь и в большинстве случаев далее: существует, однако, еще один важный, возможно, наиболее важный аспект исторического, социального, а также многих иных характеров развития общества. Исполнителям и группам, образовавшимся в эпоху широкого распространения мистики (в ее истинной сущности и значении) и ее влияния на умы, включая посредством мистических средств, неизбежно открывались такие новые горизонты, что следы бенефактора порой растворялись в них до степени, при которой невозможно их идентифицировать. Поэтому полагаю, что даже те, для кого рок-музыка шестидесятых является «открытой книгой», не смогут выявить «прямых» архетипов подавляющего большинства так называемых титанов, коих, больших и малых, в эпоху возрождения двадцатого века было воистину необходимое количество.

Я очень хорошо знаком с музыкальным наследием Купера и нахожу у него несколько творческих пиков (коммерческие, само собой, тут вообще ни при чем): в 1971, 1975–1976, 1987 и 2000 годах. Иначе говоря, я считаю «Brutal Planet» одним из самых лучших альбомов в дискографии артиста. Невероятно «тяжелый», мрачный и гипнотический, он тем не менее должным образом воспринят всеми ценителями творчества Купера, которых я знаю. Позитивно модернизированный классический дум-метал, представленный на альбоме, в музыкальном (но не вокальном) отношении имеет немало общего с Geezer’s «Plastic Planet», но звучит много более цельно и убедительно, чем любой из двух сольных альбомов басиста Black Sabbath.

Country Lane — Substratum (1973)

Дата публикации: 06.07.2005

Швейцария не слишком богата достижениями в прогрессивном роке, и «Substratum», единственный альбом тамошней группы Country Lane, является одной из очень немногих заслуживающих внимания работ, выданных представителями конфедерации во времена расцвета жанра, да и не только.

Диск содержит девять номеров, все с вокалом (причем на отличном английском), но и с большим количеством развернутых инструментальных полотен. Последние четыре объединены под названием «The Disgusting Story Of The Captain Bloom» и имеют общую фабулу в текстах. В музыкальном и стилевом отношении «Substratum» также весьма монолитен, и только одноименная с альбом песня, занимающая позицию прямо посередине его, выпадает из концепции. Это рок, стилизованный под старомодную эстрадную музыку тридцатых, с характерными «игривыми» переливами пианино и соло гитары, исполненный в очень схожем ключе с такими вещами Queen, как «Seaside Rendezvous», «Lazy On A Sunday Afternoon» и многими другими «из той же оперы». Хотя надо обратить внимание, что «Substratum» вышел примерно в то же время, что и дебют Queen, так что ни о каком плагиате речи быть не может. Все остальные композиции выдержаны в более чем традиционном в те годы стиле, который с некоторых пор называют классическим симфоническим арт-роком. При всей сложности и оригинальности музыки порой можно заметить, что группа хорошо послушала Uriah Heep и успела проникнуться уважением к ним еще до начала работы над собственным диском. Однако сходство весьма мимолетное — в том смысле, что появляется неожиданно и быстро исчезает. Возможно, Uriah Heep пришли бы когда-нибудь к такому уровню прогрессивности, развивай они в дальнейшем идеи, послужившие основой «Salisbury», но это уже иная история. Что же касается «Substratum», прогловер, испытывающий ностальгию по волшебному звучанию арт-рока семидесятых, с неизменно чарующими органом Хаммонда и пианино Wurlitzer, найдет здесь массу интересного для себя.

Cymoril — Strange Evocation (2003)

Дата публикации: 27.02.2005

«Strange Evocation» является дебютным альбомом французской группы Cymoryl.

Весьма приятный и разнообразный материал, с множеством «необходимых особенностей», характерных для жанров, которые легли в его основу, а именно: арт-рок и прог-метал. В элементарных таблицах трех «пограничных» вещей «Futile Things», «Eternal Being» и «Soldier Of Shame» тяжелые «металлы» доминируют, но незначительно, тогда как симфоническое начало берет верх на всех прочих композициях, а именно со второй по шестую. Более того, эти пять песен содержат либо легкие, либо прямые указания на еще один источник вдохновения этих парней — ориентальную музыку. Конечно, ориентиром здесь являются мелодии народов Среднего Востока, в более или менее широком понимании. Если быть более точным — арабская и турецкая музыка, но не тюркская, как бы странно это для кого-то ни звучало. (Восток, как известно до оскомины, дело тонкое, и уже индийская музыка называется на западе не как ориентальная, а как она есть, не говоря уже о музыке дальневосточных азиатских регионов.) Активное использование группой нечетных ритмических размеров, сочетание интенсивных и мягких аранжировок с романтическими пассажами пианино и акустической гитары делают их музыку интересной для всех категорий любителей арт-рока и прог-метала. Действительно, многие неоголовые стали проявлять интерес и к классическим направлениям после знакомства с этим материалом. Сильный, оригинальный и очень полезный альбом, помогающий людям легче раскрывать новые горизонты. Как сказал бы средневековый восточный владыка, «выражаем наше большое удовлетворение, набить им рот халвой!»

Dario Mollo & Tony Martin — The Cage II (2002)

Дата публикации: 09.03.2003

Само собой, «The Cage II» — это вторая плита итальянского клана Dario Mollo, прикрывающегося именем известного англичанина Tony Martin, а может, наоборот — дающая крышу ему. Первая их плита была заложена в 1999-м. Было дело: болгарские пираты выкрали ее, сделали с нее копию и до того нюх потеряли, что толкали ее как новую плиту Black Sabbath. В игре «Клеть № 2» держит прямую связь с первой, которая, само собой, была найдена на базе у паханов Black Sabbath после их наиболее успешных ставок, сделанных с «Крестовыми интересами» после пальбы в «Тире» (в «Тира» скорее). Иначе говоря, здесь мы имеем не классический прогрессивный дум-метал и тем более не прог-метал, а весьма в целом темповый хард-рок с элементами прог-метала. Тем не менее несмотря на то, что лирика альбома почти исключительно на любовную тему, а Мартину сорок пять, его вокальные партии на «The Cage II» впечатляют разнообразием. Нынче он превратился в настоящего хамелеона, способного петь и высоко, как Robert Plant, к примеру, и весьма низким и грубым голосом, которого, впрочем, на альбоме немного. На самом деле, здорово он Планта и Дио копирует здесь, кстати: один в один, но, к счастью, нечасто. Однако в некоторых песнях немного раздражает большое количество подпевок, наложенных самим Мартином поверх собственного же первого голоса. А может, его заставили наложить? Контора-то чисто итальянская, и здесь, на сапоге, крутых тоже хватает.

В композиционном отношении новый диск интереснее дебюта. Более солидно звучит гитара Молло, хорош клавишник, но особенно впечатляет мощная и очень разнообразная деятельность ритм-секции. Пятая песня — настоящий шедевр прогрессивного хард-рока: мощные, медленные риффы гитар, оркестровые аранжировки, пряный аромат Востока, драматизм и магия. Инструментал, идущий следом, десятая и последняя песни также великолепны во всех отношениях.

Безусловно, еще во второй половине 1980-х и даже в начале 1990-х этот проект имел бы контракт с мажором. Урезать бы эту плиту до законных рамок…

Dark Moor — Between Light And Darkness (2003)

Дата публикации: 11.05.2003

Весьма оригинальный и отнюдь не мрачный камерно-симфонический прогрессив с элементами легкой классической музыки, фолка и готического метала с большим количеством акустических структур, где соло классической гитары часто на «передовой» аранжировок вместе с партиями либо скрипичного квартета, либо флейты, арфы и пианино.

Хотя первые две песни проще остальных (типичный тактический прием), альбом в целом от этого нисколько не пострадал. Впрочем, лучшей дорожкой, — а их здесь восемь, — безусловно, является единственная инструментальная композиция «Эхо морей» (4), исполненная скрипичным квартетом безо всякого дополнительного сопровождения и представляющая собой настоящую классическую академическую музыку. Вторая половина диска характерна более тяжелым, плотным и разнообразным звучанием, и потому лично мне чуть более интересна, нежели первая (исключая выше названную инструментальную пьесу, конечно).

Тембр голоса вокалистки Элизы, собственно, ее пение и партии хора великолепны, но с таким ужасным произношением английского, лучше бы все они и особенно Элиза пели на родном языке. В англоязычных странах, на которые альбом определенно ориентирован, этот номер как раз не пройдет, но поскольку прогрессив нынче распространен по всему свету, успех диску все равно гарантирован — и однозначно, как сказал бы известный политический деятель. В композиционном же отношении альбом железно тянет на шедевр.

Самые настоятельные рекомендации для всех категорий «классических» ценителей прогрессивного рока, то есть кроме тех, кто ограничивает себя авангардными или джазовыми направлениями.

Dawn Of Relic — Lovecraftian Dark (2002)

Дата публикации: 29.03.2003

Этим горячим финским парням (простите за банальность, но она так просилась сюда) надо было остудить свои головы и хотя бы более-менее определиться, прежде чем браться за этот альбом. Потому как в музыкальном отношении «Лавкрафтова мрачность» (выражение сродни дантовскому «Аду»), пожалуй, наиболее пестрый альбом, который я когда-либо слышал. А Лавкрафту было бы определенно не по нраву, что музыка, которую связали с его именем, в целом куда более мелодична, нежели страшна.

Единственная здесь инструментальная пьеска состоит из медленных пассажей синтезатора и, собственно, является лишь вступлением к альбому, поскольку открывает его. Далее идут тринадцать песен, которые хотя и крайне не однородны по своему содержанию, несут в себе все же и элементы типичности. Все эти песни — даже самые тяжелые и мрачные — в той или иной степени мелодичны и все — исключительно протопрогрессивного характера. (Таким образом, теперь можно определять стилистику различных «частей» альбома без использования этого громоздкого термина.)

На первой песне представлен традиционный хеви-метал с элементами черного метала (хотя прежде всего это относится к вокалу) и симфонического арт-рока. Пожалуй, это единственная композиция альбома, где пассажи акустической гитары играют заметную и очень выразительную роль. Такое же стилистическое определение только за вычетом симфонических элементов (не считать же таковыми «поддерживающие» аккорды синтезатора?) применимо и к последующим двум песням. Настоящий, почти не разбавленный «традицией», но порой обильно сдобренный симфонизмом, черный метал представлен на четырех песнях в середине альбома (5, 6, 7 и 9). Несомненно, эти свободные от слащавости, но исполненные разнообразием песни — лучшие на альбоме. Возврат к структурам, характерным для традиционного хеви-метал, только более мягкого характера (чем в начале диска), определился на восьмой песне, но окончательно состоялся лишь на одиннадцатой, где и воцарился — до конца альбома. Но если восьмая еще содержит следы черного метала (опять-таки, прежде всего, в вокале, хотя именно здесь певец и раздвоился, впервые устроив путаницу с использованием натурального и black-вокала), то в дальнейшем натуральный вокал и лирика одержали верх. Более того, вдруг, откуда ни возьмись, на восьмой появляется девица с альтом (что твой кольт под мышкой: а это не скрипка!), а далее — с одиннадцатой — начинает вести борьбу за место у микрофонной стойки. В конце концов, ей это удается, и на двенадцатой дорожке девица поет уже одна. В дальнейшем бывший хозяин стойки все же был допущен к совместному пению — дуэтом-дуплетом, — но рычать он с тех пор стал лишь изредка и как бы исподтишка. Впрочем, не что иное, как именно появление девицы, и вдохновило бывшего горлопана на лирику, так что итог весьма логичен. Наконец, десятая — единственная здесь песня, стилистика которой скорее дум-метал с элементами черного метала, нежели наоборот.

Определившиеся сторонники метала обычно очень конкретны в своих пристрастиях, и особенно — в отношении так называемой чистоты жанра (внешние проявления «борьбы за чистоту» — лишь следствие внутренней убежденности). Едва ли такой «компот» им придется по вкусу. Хотя в музыкальном отношении (вообще) диск очень даже неплохой.

Delight — Eternity (2002)

Дата публикации: 09.03.2003

Надо сказать, многие польские исполнители обладают данными, необходимыми для создания добротных произведений в рамках метала (вообще). Хотя некоторое сходство между Delight и The Gathering имеет место быть — в основном в отношении (женского) вокала — инструментальные аранжировки здесь весьма оригинальны.

Стилистически музыка альбома «Вечность» представляет собой конгломерат структур, типичных для нескольких жанров и стилей: прог-метал, дум-метал, хард- и готик-рок. Все это подается в обрамлении сочных симфонических пассажей синтезаторов, включая так называемый струнный ансамбль, который, впрочем, запрограммирован в любом из современных синтезаторов. За исключением гитарных риффов все прочие партии (или партии всех прочих инструментов) здесь — выраженного драматического характера, а особенно вокальные. Полина Масляник поет не просто нежно и жалобно, но с искренним вдохновением. Произношение английского у нее также хорошее, так что я не удивился бы, узнав, что альбом имеет определенную популярность и в англоязычных странах. Почему только определенную? Да время нынче такое — неопределенное, — в том числе и в отношении любой некоммерческой музыки, не говоря уже о прогрессиве.

Возвращаясь к «Вечности», продвигаемся к резюме. Хотя я лично не любитель пения, легко способного вызвать слезу у романтических натур, этот фактор не мешает мне оценить несомненный талант всех создателей альбома без исключения. Написав хорошую характеристику для этого альбома, передаю ее вышестоящей инстанции, то есть вам, читатели. Вам же и решать, честна данная характеристика или субъективна (я прекрасно знаю, сколь много русскоязычных любителей музыки, считающих этих два понятия почему-то несовместными, как гений и злодейство, и разводящих их по разным полюсам). Но сначала вам надо послушать альбом, как всегда.

Deyss — The Dragonfly From The Sun (2000)

Дата публикации: 18.07.2000

Даже «нормальные» студийные альбомы этих бессовестных извращенцев дела Marillion (ох, сколько болванов породило творчество этой великолепной группы, нет покоя сотням, если не тысячам несчастным, пытающимися стать «вторыми Marillion» — ну, ошщен хощится!), причем с полным дураком-роботом вместо барабанов — и то даром не хочу. Зачем же было издавать этот бред «неизданных вещей»? Я очень уважаю Бернара Гофье — президента фирмы, но мне кажется, здесь он потратился понапрасну. Знаком я со всякими фанами, но тут я уверен, что даже самый яростный die-hard этой группишки не станет прислушиваться (очень тихий уровень самопальной записи, в основном «живьем») как лидер (хм!) и гитарист пытается неумело водить одним пальцем по грифу, фальшивя на каждом шагу, а басист с ударником где-то вдалеке «работают», поддерживая его, старающегося изо всех пионерских сил дотянуть свое однообразно-нудное пиликанье (до конца вещи, я вовсе не имею в виду ни гитарных подтяжек, ни тех, что в тот момент, возможно, поддерживали штаны самого «лидера». Натурально — первая репетиция некой «новой» школьной рок-группы. Зато буклетище — аж в тридцать две страницы, с редкими фото, полной историей и прочей полной чепухой.

Я искренне считаю Musea ведущей («чистой») прог-маркой в истории рока, и моя статья о фирме была написана, как многие из вас помнят, задолго до того, как я очутился в семье Musea в качестве представителя в СНГ (не распространителя, нет — избави Бог!). Конечно, я лично уверен, этот релиз не принесет ни прибыли, ни… чего. Но — все мы просто люди, ошибаемся часто. Ну а если вдруг Deyss сами нашли себе спонсора на родине, чтобы он забашлял за этот «релиз», будет пылиться на складах Базеля.

DGM — Hidden Place (2003)

Дата публикации: 22.06.2004

Судя по всему, «Укромное место» является дебютным альбомом этих тружеников итальянского «направления прогрессивного фронта», подлинное имя коллектива которых скрыто под аббревиатурой DGM.

Архетип — прог-метал. Бенефакторов двое: Dream Theater и Adagio. (Увы, хотя у французской группы несколько «явных» собственных бенефакторов и всего лишь два альбома в активе, которые не отличаются особой глубиной и новизной, к ней уже тоже кое-кто обращается как к бенефактору. Время нынче летит особенно быстро!) К счастью, свои идеи у группы тоже имеются, равно как и необходимая душевность исполнения. Успешно и очень эффективно применяются нечетные такты, придающие выраженные «классические черты» музыке и увлекательность музыкальным событиям. Хотя в целом это, конечно же, неопрог-метал — добротного качества, но не классика. Кто не согласен, что самая влиятельная из современных групп жанра — Dream Theater — является если и не носителем нео, то его распространителем, пусть сначала поспорят с теми, кто сегодня применяет этот термин даже к классическому периоду творчества самой влиятельной арт-рок-группы — причем «всех времен» — Genesis!

Возвращаясь к альбому группы, вольно или невольно использующей аббревиатуру фрипповской марки Discipline Global Mobile, материал прежде всего приведет в восторг многочисленных фанов Dream Theater и, что называется, схожих направлений. В любом случае, альбом весьма крепкий.

Dio — Magica (2000)

Дата публикации: 22.06.2004

Архетип — классический дум-метал/соборный метал. Бенефактор — Black Sabbath.

Подразумевая оба новейших студийных альбома нестареющего менестреля, мне говорили, мол, «новый» Dio ударился в ностальгию «по себе» в восьмидесятых, «где также немало хард-рока и Rainbow». Я пока не слышал «Killing The Dragon», но концептуальная «Magica» выдержана в духе двух его лучших программ, которые, в моем искреннем разумении, вышли в середине девяностых.

Также состоящий из умеренно медленных но одновременно выраженно «тяжелых» композиций, этот альбом тем не менее богаче расписан симфоническими и эпическими красками, нежели его предшественник, определенно несколько суховатый «Angry Machines» (1996). Конечно, чувствуется, что за барабанами, увы, не Vinnie Appice, не говоря уже о том, что невозможно сравнивать мастерство Tracy G, особенно его умение мыслить, с соответствующими качествами Craig Goldie. Тем не менее, по крайней мере, в композиционном отношении и в общих аранжировках, «Magica» не уступает альбому 1996 года, хотя гениальный «Strange Highways» (1994) так наверняка и останется единственным безусловным его шедевром. Впрочем, не секрет, что успехом этот проект во многом обязан также таланту неразлучного тандема Tracy Grijalva и Jeff Pilson.

Альбом длинный, но поразительно цельный, без единой проходной вещи. Ни один ценитель «тяжелой» музыки не устоит перед магией Dio. Если вам нравится творчество певца вообще (особенно в девяностые), а также такие альбомы Black Sabbath, как «Mob Rules» и «Dehumanizer», и вы до сих пор не слышали «Magica», приобретайте смело. Понятно, что последнее предложение звучит довольно наивно, но тем не менее потенциально заинтересованных лиц, не услышавших альбом «вовремя» (как и я), наверно, не так уж мало.

Discus — 1st (1999)

Дата публикации: 01.10.2006

Это первый альбом уже широко известного индонезийского ансамбля Discus. Очень приятно осознавать, что география прогрессивной музыки невероятно расширила свои границы за прошедшие десять-пятнадцать лет. Несколько замечательных единиц жанра успели появиться в Южной Америке и Азии, а в данном случае индонезийцы дают нам один из самых ярких примеров действительно инновационного подхода к жанру, история которого насчитывает уже четыре десятилетия.

Основной стиль альбома может быть представлен как невероятно прогрессивное и уникальное проявление джаз-фьюжн в комбинации с RIO и индонезийской этнической музыкой. Открывает альбом песня «Lamentation & Fantasia Gamelantronique», представляющая собой союз всех перечисленных стилей, но с добавлением метала. Калейдоскоп тем и аранжировок изумителен; соло партии очень выразительны, а вокализ исполнен эмоций. Это настоящий шедевр, сложный, хотя и атмосферный. Следующая дорожка, «For This Love», впечатляет так же сильно. Женский вокал и инструментальная часть явно джазовые; виртуозному соло на гитаре и кларнете могут позавидовать многие знаменитые музыканты. Третья композиция, «Doc’s Tune», инструментальная; ее гармоничная тематика кажется чуть-чуть незаконченной, но от великолепных импровизаций гитары, духовых, клавишных инструментов и скрипки впечатление остается хорошее. Следующая инструментальная дорожка, «Condissonance», — просто чудо по сравнению с предыдущей. Здесь очень велико влияние RIO, так же, как и на первой дорожке, но ритм-секция отсутствует. Этот номер уникален и оригинален, неотразим на всем своем протяжении, не вызывает никаких аналогий и несомненно является одной из самых мощных композиций этого диска. Три вокальные вещи, «Dua Cermin», «Wujudkan!» и «Anugerah», на фоне прочих выглядят несколько простовато. Мелодичность очень даже выразительна, но броские джазовые аранжировки имеют только одно достоинство с классически прогрессивной точки зрения: виртуозность исполнения. Композиция «Violin Metaphysics» атмосферная, создает особое настроение, чего наверняка и хотели добиться музыканты. Это медитативная, исполненная чистой энергии музыка. Содержание завершающего опуса «Contrasts» полностью соответствует своему названию. Здесь присутствует богатая и многоцветная оркестровка, а развитие тематики очень интересно и непредсказуемо.

Дебют Discus — несомненно, один из самых необычных и новаторских альбомов прогрессивной музыки, когда-либо слышанных мной. Для ценителей RIO, прежде всего.

Dismal — Rubino Liquido — Three Scarlet Drops… (2003)

Дата публикации: 30.11.2003

Программу открывает единственная здесь инструментальная пьеса, исполненная симфоническим оркестром с партиями альтовой скрипки и арфы «во главе» аранжировок. Драматическая классическая музыка во всей ее красоте. Глядя на название этой итальянской группы, я, само собой, предполагал, что музыка их также мрачная. Оказалось, что нет. Драматическая, иногда печальная — да, но только не мрачная.

Все последующие дорожки представлены группой вместе с оркестром и имеют очень богатое, колоритное звучание. «Ангелический» женский вокал доминирует над мужским (все — на английском), который по большей части также мягок, высок и прочувствован. Но вообще, вокала на альбоме, пожалуй, меньше, чем «чисто» инструментальных аранжировок, которые просто поражают своей красотой и разнообразием. Здесь заглавные сольные партии ведут в основном партии пианино и скрипок, в базисе которых — мгновенно узнаваемая классическая академическая музыка.

Стилистика большинства песен на альбоме представляет собой умеренно сложный, но истинно прогрессивный симфоническо-соборный арт-рок (точнее, мне кажется, не скажешь) с выраженным «присутствием» классики и небольшим количеством элементов дум-метала. Две же песни (6 и 7) вообще свободны от гитарных риффов и какой-либо тяжести (впрочем, ее на альбоме и так не очень много) и в музыкальном отношении представляют собой синтез симфоническо-соборного арт-рока и классической музыки.

Нынче я стал чаще оглядываться на подлинные, известные всем шедевры прогрессива, а потому перестал «сыпать шестерками» направо и налево. Но если и не на шестибалльный шедевр, на отличную оценку «Три алые капли» тянет во всех отношениях. Рекомендую.

Dominium — Psycho Path Fever (2002)

Дата публикации: 08.02.2003

Великолепная первая песня альбома, — а это фантастически красивая драматическая баллада, спетая под аккомпанемент сложных пассажей и соло акустической гитары, — дает понять безотлагательно, что музыкальные амбиции польских парней Dominum неотделимы от прогрессивной музыки. И это, конечно, невзирая на то, что большая часть дальнейших музыкальных событий на альбоме представляет собой не что иное, как черный метал с элементами смертельного. И все это прежде всего потому, что Dominum исполняют истинно прогрессивный черный метал, который, кстати, нынче является одним из наиболее передовых направлений тяжелой музыки (хотите — верьте, хотите — нет, а лучше — проверьте). Многие структуры здесь «ломаные», алогичные даже с точки зрения опытных меломанов. А я настолько же охотно общаюсь с ведущими нашей самой «экстремальной» программы на радио «Тяжелые будни» (выходит по будням, что, согласитесь, немало), насколько признаю возможность пересечения параллелей, что возможно лишь в геометрии Лобачевского (и иже) и в музыке, особенно в двенадцатитонной додекафонии Шенберга (и иже). Стремительным, тяжелым и одновременно «навороченным» партиям электрогитар и ритм-секции просто изумительно подыгрывают симфонические пассажи клавишных, столь же виртуозные и продуманные, как и все на альбоме вообще. А неожиданные оркестрово-симфонические и джазовые (на саксофоне) вкрапления в металлические структуры многих песен альбома вызывают настоящий восторг и отнюдь не только по поводу их высокой инновации (что, по-моему, много актуальнее «высокой моды»). Вокалист, прозвавший себя Гефсиманским Садом, — настоящий хамелеон и с одинаковым успехом хватается как за black-интонации, так и за «нормальный» вокал, который — драматического характера.

Музыка не просто сложна как композиционно, так и технически, но и потрясающе интересна. Само собой, те, кто придерживается каких-то рамок в прогрессиве, едва ли воспримут этот альбом в целом. Разве что «акустические» и «оркестровые» эпизоды, которых здесь масса, впрочем. Однако в моем искреннем понимании прогрессивная музыка просто не может быть ограничена рамками — никакими, ибо нет предела прогрессу, тем более для такой неземной сущности, как музыка. В общем, позвольте мне позволить себе рекомендовать данный музыкальный опознанный объект всем тем, кто признает за прогрессивной музыкой право существовать без границ и тем более приветствует все это.

Dragon — Dragon (1976)

Дата публикации: 11.06.2005

Бельгийская группа из середины семидесятых с двумя альбомами в кредите: «Dragon» (1976) и «Kalahen» (1986), каждый из которых в оригинале (на LP) был выпущен в количестве всего полторы тысячи экземпляров. Второй и сегодня очень редкий, я его не слышал. Что же касается дебюта, можно смело сказать, что это один из самых оригинальных и интересных альбомов арт-рока, когда-либо изданных бельгийцами (которые, как известно, в большинстве являются приверженцами и законодателями RIO).

За исключением первой дорожки, которая имеет умиротворенное, спокойное звучание с флейтой «на передовой», альбом изобилует развернутыми инструментальными полотнами со сложными, увлекательными аранжировками и полностью соответствует канонам классического арт-рока. Впрочем, о беспримесном арт-роке здесь говорить не приходится, поскольку музыка порой отчетливо тяжелая, есть квазиимпровизации, хотя симфонические структуры превалируют. В общих чертах альбом можно представить как синтез Van Der Graaf Generator, Iron Butterfly и Uriah Heep («Salisbury»). Но, прошу заметить, поскольку материал исключительно оригинален, примеры, которые я привел, имеют условный характер. Кроме красивой, но несколько однообразной первой, все композиции отличного качества, но особенно самые продолжительные: вторая («Lucifer») и последняя («Crystal Ball»). Вокал, на мой взгляд, не слишком выразителен, но его немного.

Если альбом слегка не дотягивает до статуса шедевра, то только с оглядкой на классику жанра, прежде всего английскую. Хотя будь он издан в наши дни, я наверняка бы пел ему исключительно дифирамбы. Так или иначе, это очень увлекательное ностальгическое путешествие в сказочный мир прогрессивной музыки семидесятых.

Dragonfly — Dragonfly (1981)

Дата публикации: 28.08.2005

Единственный (одноименный) альбом швейцарской группы Dragonfly является одной из самых серьезных работ симфонического арт-рока, изданных в начале восьмидесятых. Большинство композиций обладает всеми достоинствами жанра: сложными аранжировками, захватывающим сюжетом, театральностью (в хорошем смысле) и так далее. Лидер группы René Bühler поет со вкусом, на очень добротном английском. Если его соло на органе вызывают ассоциации с эмерсоновскими, то на пиано René играет исключительно оригинально. И поскольку именно партии пиано преобладают в клавишной палитре альбома, сходство с ELP воспринимается как нечто мимолетное. Более того, местами музыка достаточно жесткая, обрамленная тяжелыми гитарными риффами, и вообще, в целом стиль Dragonfly обладает выраженным своеобразием. Из семи дорожек, изданных на LP, несколько скучновата лишь короткая баллада «You Know My Ways (I Belong To You)» (на любовную тему, в музыке только пассажи пианино и вокал), тогда как 18-минутная заглавная композиция представляет группу в апогее их прогрессивных изысканий. Очень интересными оказались и оба бонуса, особенно 15-минутная сюита «The Riddle Princess».

Резюме: самые искренние рекомендации, особенно тем, кто скучает по классическому, но тем не менее оригинальному звучанию в добрых традициях арт-рока семидесятых.

Dragonland — The Battle Of The Ivory Plains (2001)

Дата публикации: 15.08.2003

Шведская группа под греческой этикеткой, а продюсером у них Andy La Rocque (of King Diamond fame).

Короткие драматически-симфонические инструментальные intro и outro, один Моцарт в рок-обработке, семь песен в скоростном ключе NWBHM (в целом в русле Iron Maiden/Helloween, но с элементами типа классической музыки), одна «тяжелая» баллада плюс сплошь претензии на эпическое звучание. Но претензии, которые не выходят за рамки самих себя, неизбежно трансформируются в тщетные притязания, которые у любого более или менее разборчивого слушателя порождают сначала скуку, а потом неприязнь.

Все песни — с самым обыкновенным вокалом и более чем знакомыми (затасканными, пожалуй) структурами, сдобренными хотя и «обильными», но далеко не выдающимися клавишными партиями. Ни тени оригинальности, ни особого вкуса. Понахватали идей у кого ни попадя, смешали в кучу и выдают за свое. Дань моде, понятно, но кого они рассчитывают «обуть», кроме как слепых упертых фанов стиля? А к сожалению, это все, на что способны ребята из Dragonland.

«The Battle Of The Ivory Plains», конечно, лучше, чем самая опосредованная посредственность (что, в свою очередь, даже звучит как-то нехорошо), но я ума не приложу, зачем La Rocque с ними связался?

Dreadnaught — Musica En Flagrante (2004)

Дата публикации: 20.11.2006

Американская прог-группа Dreadnaught была основана в 1996 году, а альбом «Musica En Flagrante» — их четвертая студийная работа. Несмотря на то, что основной состав группы все еще представляет собой трио, здесь появился новичок — Тим Хэни. Он занимает место за барабанной установкой вместо Ричарда Хэбиба, который до сего момента являлся постоянным участником Dreadnaught и был в ней не только ударником, но и певцом. Количество приглашенных музыкантов здесь меньше, чем в альбоме «The American Standard», да и вклад их в эту запись не так велик. Более того, в четырех композициях Боб Лорд самостоятельно играет на всех инструментах.

Продолжительность этого альбома пятьдесят четыре минуты, и состоит он из девятнадцати исключительно инструментальных дорожек. Хотя не настолько динамичен и энергичен как «The American Standard», «Musica En Flagrante» имеет не меньше чрезвычайно интригующих музыкальных событий и сияет оригинальностью и свежестью, а также смелыми и неожиданными идеями. Партии реальной скрипки можно услышать только в «R. Daneel Olivaw» и «The Sirens Of Titan», а настоящий саксофон — только в «One Trick Pony» и «Threnody For The Victims Of Brother Theodore», в основном же группа активно использует семплы духовых и струнных инструментов. Музыка по большей части настолько новаторская, что я не нахожу каких либо других терминов, которые бы описывали ее лучше, чем новый прогрессив (основанный на симфонической и джазовой текстурах, местами с добавлением авангарда и RIO).

Будучи группой-хамелеоном с самого своего основания, Dreadnaught продолжают изменять композиционные и стилистические аспекты своей музыки и делают это с умом, очень успешно. В результате «Musica En Flagrante» получилась не похожей на альбом «The American Standard». Хотя я бы не стал утверждать, что этот альбом оказался лучше предшествующего, но я рад, что творчество Боба и его коллег до сих пор не подвергалось застою. Очень рекомендую всем без исключения. Такая музыка может приносить удовольствие каждый раз, когда вы захотите ее послушать, независимо от того, как часто вы это делаете.

Dream Theater — Metropolis Pt. 2: Scenes From A Memory (1999)

Дата публикации: 06.01.2000

По всей видимости коммерческое барахло 1997 года «Falling Into Infinity» было просто ошибкой группы, да и как было «наворотить» под откровенно слабого клавишника Derek Sherinian, который сейчас считает себя уже звездой поп-музыки, этого бывшего «фонаря» (держателя клавишной фоновой «подсветки») Элиса Купера. Последним альбомом группа полностью восстановила свое реноме. Что касается меня, то вместе с «Images And Words» и «Awaken» новый альбом — один из сильнейших в дискографии «Театра грез».

Dudin Sergey — Eternal Call (2000)

Дата публикации: 31.12.2002

«Вечный зов» — дебют мультиинструменталиста из Филадельфии Сергея Дудина — представляет собой не столько соло-альбом (как все его прочие работы), а нечто вроде совместного проекта с участием членов его семьи и близких друзей из русскоязычной диаспоры.

В стилистическом отношении «Вечный зов» отнюдь не самый оригинальный диск Сергея, поскольку интонации Pink Floyd («Obscured By Clouds» с современным звучанием) здесь повсюду. Влияние этой группы вообще и David Gilmour в частности особенно очевидны в гитарных соло Сергея. Также в отличие от других «Вечный зов» — песенный альбом с лирикой на русском языке. Однако копирование Pink Floyd отнюдь не являлось целью музыканта при создании дебютного альбома (что, впрочем, естественно). Наряду с откровенными клише, материал тем не менее содержит немало оригинальных идей, которые, будучи помножены на профессионализм Сергея и его аккомпаниаторов, дали в итоге один из наиболее цельных альбомов из числа тех прямых и косвенных последователей Pink Floyd, что я слышал. Поклонникам творчества этой группы, от которой так давно не было ничего нового (и будет ли?), «Вечный зов» понравится в первую очередь. Хотя, конечно, отнюдь не только им.

Dudin Sergey — Mirage (2001)

Дата публикации: 31.12.2002

А вот второй диск Сергея — «Мираж» — это на сегодняшний день единственная его программа, которая не только весьма оригинальна в целом, но и полностью отвечает канонам классического арт-рока. Примерно половина всех гитарных соло на альбоме жесткого, чисто рокового характера. Другая половина — те, что «флюидные», — в целом много оригинальнее тех, что на дебютном альбоме, хотя «заочная школа Гилмора» иногда проявляется среди них и здесь. (Иными словами, никакого влияния Camel/Andy Latimer в «Мираже» Дудина нет.)

«Мираж» содержит двенадцать инструментальных композиций и одну песню (она последняя на альбоме), исполненную гостевым вокалистом на английском языке.

И хотя наиболее виртуозными и изобретательными на «Мираже» являются гитарные соло, инструментальные аранжировки здесь богаты и звучанием и так называемыми прогрессивными ингредиентами. Этот альбом я могу смело рекомендовать всем любителям симфонического прогрессивного рока без исключения.

Dudin Sergey — Guitar Ballads (2002)

Дата публикации: 31.12.2002

Больше всего я опасался, что третий диск Сергея Дудина действительно представляет собой не что иное, как комплект рок-баллад. К моему удивлению, рок-баллад как таковых в нашем традиционном понимании их как мелодичных, слащавых, предельно простых песен здесь нет вообще, хотя в целом этот альбом проще, чем любой из двух предыдущих, — не стану отрицать. Мне он напоминает несколько упрощенную модель «Миража». «Guitar Ballads» также содержит всего одну песню: тоже на последней дорожке альбома и тоже на английском языке.

При всем при том, что подавляющее большинство композиций на альбоме являются несложными, все из них тем не менее прогрессивны. Более того, «Guitar Ballads» — самый оригинальный из трех альбомов, изданных до сих пор Сергеем. Уже многие любители нео и просто красивого гитарного арт-рока в восторге от этого диска. Однако мне бы хотелось, чтобы при сохранении окончательно обретенной на этом диске стилистической независимости Сергей при сочинении музыки для очередного альбома вернулся к развернутым прогрессивным формам — как на «Мираже», к примеру.

Все компакт-диски Сергея изданы в Соединенных Штатах и соответственно качественны во всех отношениях.


Дата публикации: 02.07.2006

Честно говоря, я боялся, что «новый» альбом Сергея Дудина будет исполнен в стиле рок-баллад. Однако, к моему удивлению, состав этого альбома оказался довольно многообразным, и даже наиболее доступные дорожки представлены в стиле симфонических арт-рок-баллад драматического характера, не похожими на те слащавые и монотонные песенки, которые обычно относят к рок-балладам.

Только три из двенадцати композиций содержат аранжировки, которые хоть и звучат насыщенно, все же не отличаются большим разнообразием. Все они располагаются не далеко друг от друга в начале альбома и, судя по названиям, относятся к одной концепции, не только стилистически. Это «Sunrise», «Morning Day» и «Sunset». Я полагаю, что «Sunrise» и «Morning Day» на самом деле являются частями одной композиции. В «Sunrise» так же можно услышать очень интересное взаимодействие между синтезатором и соло на акустической и электрогитарах. Следующие три композиции — «Blue Diamond», «Deep» и «Tears» — содержат не только балладоподобные музыкальные текстуры, но так же аранжировки с очень разнообразными, контрастными взаимодействиями между быстрыми и жесткими соло на электрогитаре, бас-гитарой и медленными проигрышами на синтезаторе. Последняя из них исполнена без ритм-секции. У меня сложилось четкое впечатление, что в «Guitar Ballads» присутствуют четыре различные категории композиций, различающиеся степенью прогрессивности. И мне, естественно, следовало бы сказать об этом в начале. Однако первые две категории уже описаны. Так что двинемся дальше: «Intro», «Cassiopea» и «Come Back» — очень сильные инструментальные композиции. Хотя «Intro» очень коротка, гитарные переходы здесь так же присутствуют и даже развиваются на протяжении всей дорожки. «Cassiopea» представляет собой классический арт-рок традиционного европейского происхождения. «Come Back», по большому счету, выполнена в том же жанре, но с добавлением очень необычного ритма плюс в ней так же заметны оттенки латиноамериканской музыки. Все три заключительные композиции — «100% Nylon», «Nostalgia» и «Destiny» — интересны во всех отношениях, и я считаю их лучшими на альбоме. «100% Nylon» состоит исключительно из игры на классической гитаре, а в «Nostalgia» переплетаются игра на синтезаторе, напоминающая струнный ансамбль, и соло на акустической гитаре. И, наконец, «Destiny» — единственная вещь с вокалом, которая, кроме того, является так же единственной, сочетающей в себе симфонический арт-рок и прог-метал.

Хотя этот альбом и претендует на место самого оригинального в творчестве Сергея Дудина, он в то же время является и самым доступным. Для кого-то это плюс, для кого-то минус. Тем не менее все описанное выше рассматривалось, конечно же, исключительно с прогрессивной точки зрения. Что касается моего личного отношения к творчеству Сергея Дудина в целом, то я отмечаю альбомы «Mirage» и «Вечный зов», которые, несомненно, стали его триумфом как прогрессивного композитора и музыканта.

Dulcimer — And I Turned As I Had Turned As A Boy… (1971)

Дата публикации: 29.01.2005

Номинально дискография Dulcimer включает первый и третий альбомы. Второй альбом был ими полностью подготовлен в 1973-м, но так и не был издан.

Едва ли можно назвать музыку этой группы истинно прогрессивной, но она прекрасна! Композиции можно рассматривать как усложненные акустические арт-рок-баллады, причем исполненные не только традиционно медленно, но также и в среднем темпе, и быстро. И хотя в восьми из двенадцати «случаев» здесь нет или очень мало партий иных инструментов, кроме пересекающихся соло и пассажей двух акустических гитар и вокала, многие из этих гитарных партий звучат классически и волшебно одновременно.

В целом музыка трио, представленная здесь, для меня если не более разнообразна, то более привлекательна, нежели большинство гитарных акустических альбомов, что я слышал. Эта музыка обладает такой притягательной силой, что устоять против ее очарования невозможно. Рекомендации.

Dyonisos — Dyonisos (2006)

Дата публикации: 02.07.2006
При участии Ашота Хуршудова

Dyonisos — это виртуальный ансамбль, созданный одним человеком — американским музыкантом Дэном Коуаном, написавшим и исполнившим все дорожки для своего дебютного альбома (единственное исключение — «Sunset On The Ridge», которую Дэн исполнил с Линдой Миллер). Это полноценный, хорошо проработанный концептуальный альбом, где вся музыка и тексты относятся к единой теме — рассказу фантастической истории о космических путешествиях.

Хотя пять из семнадцати дорожек не содержат вокала, основной сюжет, типичный для всего альбома, сохраняется в них в полной мере. Основные инструменты здесь — электрогитара и современный синтезатор, а остальные — бас-гитара, ударные, акустическая гитара и голос Дэна — дополняют картинку множеством различных эффектов на всем протяжении альбома. Откровенно говоря, я так и не разобрался, что именно было использовано: акустическая барабанная установка или программа. В любом случае, партии ударных интересны и очень хорошо подходят к специфике этой музыки, которая наводит на размышления. Стиль можно охарактеризовать как neo space rock, содержащий множество продолжительных соло на гитаре и синтезаторе, вызывающих ассоциации с Pink Floyd и Camel, а иногда и с Eloy и The Alan Parsons Project, местами даже с Ozric Tentacles и Tangerine Dream. Но влияние Pink Floyd здесь бесспорно доминирует. Тексты где-то поются, где-то повествуются; вокал очень приятный, хотя он достаточно часто обрабатывается специальными модулями.

«Dyonisos» не блещет инновациями, но и не лишен оригинальности. Должен заметить, что я не нахожу негативных последствий влияния других групп на музыку, тем более что в сумме оно не превосходит оригинальность и собственные идеи Dyonisos. Думаю, что очень многим любителям прога этот диск покажется привлекательным, однако первыми в этом списке будут фаны музыки а-ля Pink Floyd.

Eclat — II (1992)

Дата публикации: 20.03.2005

Музыку Eclat можно смело характеризовать как классический арт-рок. Структуры, свойственные этому жанру, действительно доминируют здесь, однако уникальный подход группы к своему творчеству позволяет им привлекать также «тяжелые» элементы, восточные и европейские средневековые мотивы. Певец-хамелеон (он же ударник группы) Fabrice Di Mondo поет просто волшебно — неважно, что непонятно, поскольку делает это на своем родном языке. Сочетание музыки и вокала в музыке Eclat более чем восхитительно, а уровень мастерства музыкантов очень высок. Первый альбом ансамбля создан словно специально для того, чтобы послужить слушателю ступенью от нео к классическому арт-року. «Eclat II» намного сложнее, но шанс понять эту группу начинающие прогловеры имеют и в данном случае. Тогда осмысление ими новой ступени сложности (а переиздание альбома «Volume 3» грядет) станет неотвратимым. Eclat открывают перед нами новые горизонты арт-рока, успешно избегая чужих идей и смело внедряя собственные, как, к примеру, и их соотечественники Halloween, о которых ниже.

E-Force — Evil Forces (2003)

Дата публикации: 04.04.2004

Это первый альбом бывшего вокалиста и басиста Voivod Eric Foster, при котором (1995–2000) знаменитая канадская прог-метал-группа вернулась к своим предельно жестким корням времен «Rrroooaaarrr!» и «Killing Technology» (1986 и 1987 гг.). Если вы имеете представление о «Negatron» и «Fobos», то, считайте, вы уже знаете, что за музыка в целом представлена на данном диске. Жесткий, порой граничащий с брутальным техно-метал с очень сложными ритмическими рисунками, но не сказать, чтобы истинно прогрессивный, как, например, все альбомы Voivod с 1988 по 1993 годы. Что примечательно, кстати, здесь Eric Foster поет не только в рамках своего традиционно «чернушного» вокала, но порой он просто неотличим от Denis Belanger, который, как известно, никогда не признавал «экстремального» пения. Да, годы, проведенные в составе воспевателей боевой славы космического «Воеводы», не прошли для Эрика бесследно, отнюдь, и нетленная сага нашла свое продолжение в рамках еще одной, его собственной команды (хотя и не в лирике, то, по крайней мере, в музыке).

Edhels — Universal (1998)

Дата публикации: 27.09.2005

Утраченный было шедевр Edhels «Universal» наконец-то издан официально и не где-то, а в России, с последующим распространением повсеместно (прежде всего, через Musea).

На диске представлено десять композиций (семь — «живьем»), которые группа собирала на протяжении середины девяностых специально, чтобы создать альбом, который бы включал в себя исключительно новый материал и одновременно передал бы атмосферу, царящую во время концертов группы, и показал мастерство музыкантов вне студии. В отличие от «Angel’s Promise» (1997), выдержанном ближе к нео и насчитывающем не менее трех различных вокалистов, «Universal» — это классический арт-рок, и поет здесь один человек, причем голос Jean-Marc Bastianelly на редкость удачно подходит к музыке (все остальные — неуказанные альбомы Edhels — инструментальные). Эта программа также выделяется удивительно гармоничным сочетанием симфонизма и жесткости в звучании, высоким уровнем позитивной энергии. По уровню сложности «Universal» немного уступает «Astro Logical» (вот где все глубоко «спрятано», и надо иметь терпение, чтобы это понять), но сложность как таковая, само собой, не является определяющим фактором «успеха», достаточно вспомнить Манфреда Манна и его «землян». Я до сих пор не разобрался, который их трех альбомов Edhels — «Astro Logical», «Still Dream» или «Universal» — является моим любимым. Главное, в дискографии группы нет работ, которые были бы похожи между собой. Очень редкое качество. Искренние рекомендации. Еще об Edhels (также дискографии) можно прочитать здесь.

Edition Spéciale — Aliquante (1978)

Дата публикации: 07.03.2006
При участии Ашота Хуршудова

Edition Speciale — одна из наиболее примечательных групп, созданных во второй половине семидесятых, хотя мы только сейчас начинаем по достоинству оценивать это наследие и постигать его значимость как в истории французского прогрессивного рока, так и рок музыки в целом.

Существует огромная разница между первыми двумя альбомами Edition Speciale; хотя второй не кажется столь же оригинальным как его предшественник, мне он понравился больше. В музыке ощущается влияние Brand X и Manfred Mann’s Earth Band, но оно слышится довольно редко, чтобы говорить о подражании. Что касается композиции, а особенно мастерства исполнения, группа вообще превзошла саму себя. В "Aliquante" они переходят границы арт-рока и начинают играть классический джаз-фьюжн, в результате чего получается довольно интересное слияние этих двух жанров с небольшим доминированием последнего. На протяжении всех девяти дорожек проходит одна композиционная стилистическая концепция, тем не менее большинство песен все-таки имеют небольшие различия и не только из-за наличия вокала. Ann Ballester поет в «So Deep Inside», но только одно четверостишье в самом начале, что находится за рамками основного развития музыкальных событий. За исключением «Aurore», заканчивающей альбом, инструментальные композиции примечательны частыми аранжировками с большим количеством акустических текстур. Акустическая гитара играет особо важную роль в каждой композиции, особенно в «À La Source Du Rêve», в которой даже нет электрогитары. Но хотя Brand X и Manfred Mann’s Earth Band не уделяли особого внимания соло на акустической гитаре, количество артефактов их влияния намного больше именно в инструментальных композициях.

В заключении хочу сказать, что группа идет вровень с большинством их представителей джаз-фьюжн своего времени и, вероятно, лучшая группа «всех времен» с лидером-женщиной. Альбом «Aliquante» не так уж и просто прочувствовать, но сделать это стоит, мне он преподносил новые сюрпризы с каждым прослушиванием, а это для меня главное. Так что если вы большой поклонник европейского джаз-фьюжн, смело вступайте в ряды слушателей.

Edling Leif — Demos & Outtakes (2002)

Дата публикации: 11.05.2003

Уже релиз данного альбома более чем актуален. Подавляющее большинство песен, представленных на этом двойном альбоме, отнюдь не перекликается с записанными для «Reunion». Иначе говоря, на сольнике Эдлинга нет песен, когда-либо исполненных классическим составом Candlemass. Более того, большая часть песен этого альбома вообще появляется впервые. (А я натурально заслушался демоверсиями даже знакомых мне песен, хотя таковых тут раз два и обчелся.) Если быть более точным, на первом диске расположены демоверсии и ранее неопубликованные песни первой группы Эдлинга Nemesis и самой ранней инкарнации Candlemass (до 1985 года). На втором — шесть песен Abstract Algebra (!) и пять — записанных Candlemass в период с 1998 по 2001 год. И хотя из шести песен Abstract Algebra, представленных здесь, четыре не были включены в одноименный альбом 1995 года, не упустите возможности познакомиться с самым прогрессивным периодом творчества Эдлинга! Во-первых, четверка «отбракованных» мало в чем уступает базовому материалу, и я бы, будь моя воля, издал бы «Abstract Algebra» двойником. А во-вторых, я очень сомневаюсь, что CD-Maximum лицензируют «Abstract Algebra» (возможно, крошечный Megarock Records, издавший альбом, уже принадлежит истории, да мало ли может быть причин!). Те, кто хорошо знаком с творчеством Black Sabbath, представьте, какое бы вы испытали впечатление, услышав после первых трех альбомов группы сразу «Technical Ecstasy». Кстати, сравнение отнюдь не от фонаря, а «Abstract Algebra» — единственный альбом Эдлинга, на котором есть клавишные. И не просто «есть», а на уровне Geoff Woodroffe, отработавшем на «Technical Ecstasy» и даже Don Airey («Never Say Die»). Партии Carl Westholm на пианино также явственно «тяготеют» к джаз-фьюжн и просто потрясающе виртуозны. Впрочем, все на этом двойном альбоме замечательно и исключительно интересно: исключительный шедевр для коллекции каждого мыслящего любителя прогрессивного рока!

Egoband — Fingerprint (1993)

Дата публикации: 20.11.2006

Это уже второй диск итальянского неопрогрессивного квартета Egoband: Алессандро Аккордино (вокал и клавишные), Фабио Сиони (ударные), Массимо Фава (гитары) и Альфонсо Капассо (бас).

Услышав их впервые, я был немного удивлен. Egoband — прогрессивная группа, а первые две минуты вступительной дорожки — не что иное, как «нью-эйдж электроника». Не пугайтесь, с появлением ударных музыка восходит на должный уровень! То, что мы здесь имеем, — это очень энергичный прогрессивный рок, практически переходящий в метал. И эта высокая энергия сочетается с оригинальной концепцией. Хотя звучание вокала Аккордино немного «намекает» на Marillion, музыка в целом исключительно оригинальна: синтез симфонического арт-рока и прогрессивного хард-рока. И я уверен, что «Fingerprint» будет интересен очень многим — пожалуй, всем, кому посчастливится альбом услышать.

Elegant Simplicity — Reversal Of Time (1997)

Дата публикации: 02.05.2000

«Элегантная простота» привыкла работать в рамках «элегантной сложности». Это одна из трех лучших работ Стивена МакКейба (Steven McCabe — лидер группы, автор всего музыкального материала, мультиинструменталист; пишу последнее слово, а на ум вдруг приходит не имеющий к музыке никакого отношения неологизм — мультигамия: покруче полигамии, наверное!), причем оба «других лучших» альбома — целиком инструментальные. Здесь состав весьма крутой: помимо «традиционного набора» музыкантов вовсю стараются флейтист, скрипач и т. п. Что касается постоянного певца для «Элегантной сложности» Кена Сениора (Ken Senior — один из близких друзей Стивена; пишу последнюю фразу и думаю: а нужна ли она здесь вообще? Ладно, дело уже прошлое…), так здесь вокальные темы наиболее разнообразны и выразительны (а слышал я все официальные альбомы группы). Я уже не поражаюсь тому, что МакКейбу удивительным образом удается соединить в своем творчестве две весьма полярные противоположности (пишу и думаю: а правильно ли фразу вообще составил? Кто сомневается — слова «весьма полярные» просто пропускайте: не о медведях речь, в конце концов): очевидную мелодичность и хитро спрятанную необычность аранжировок (да я прямо акробатикой словесной тут занимаюсь!). По моим «подсчетам» — музыка, которая должна удовлетворить любителей как доступного, так и «продвинутого» прогрессива (хотя дело, конечно, в том, какого именно и те и другие ждут удовлетворения в данную конкретную единицу времени, скажем, в данном тысячелетии?).

Не знаю, есть ли ES на горбухе (эх, давненько я там не был!), но имейте в виду, если что (очень часто, кстати, в русском языке такие явно незаконченные фразы вполне сходят за законченные). Да, иногда вредно писать экспромтом — вот сейчас, к примеру, так и хочется покуражиться над словом «писать». Слава Богу, хорошую музыку этим не испортишь (ну тут уж и барану будет ясно, чью музыку я имею в виду в данный конкретный отрезок времени (не время, а прямо колбаса какая-то!), потому что пространство, исписанное (о, Господи!) в этом отрезке принадлежит конкретным исполнителям (ну все, хватит…)

Elegant Simplicity — Purity And Despair (1998)

Дата публикации: 30.03.2000

Постараюсь почаще знакомить вас с именами, до сих пор малоизвестными у нас. Я бы лично переименовал «Элегантную простоту» в Elegant Complexity. Действительно, эта английская группа, возглавляемая мультиинструменталистом Steven McCabe (а на их счету уже около десятка альбомов), удивительным образом сочетает в своей музыке мелодизм и крепкие продуманные аранжировки, таким образом направляя слушателя к еще более сложным формам прогрессива, в отличие от так называемых нео-групп, зацикленных как на выраженном мелодизме, так и на стремлении быть похожими на ту или иную величину в прог-роке.

Альбом 1998 года — один из самых мощных в творчестве Elegant Simplicity. При всей очевидной стилистической оригинальности, эта семидесятиминутная инструментальная работа более всего мне напоминает об удивительном единении красоты музыки и глубины ее изложения, как это было, к примеру, в «The Snow Goose» Camel-75.

Elegant Simplicity — The Story Of Our Lives (2000)

Дата публикации: 02.05.2000

До сих пор больше всего у МакКейба мне нравился альбом «Purity And Despair» (1998). В английской рецензии я даже назвал его «второй частью „Снежного гуся”» (Camel такой диск нарисовали в 1975-м), правда, оговорив, что обе эти вещи композиционно «сугубо оригинальные» (но… разве можно вообще усугубить оригинальность? Больше не буду!..). Теперь вот новый альбом, пожалуй, даже «перевешивает».

Как и подавляющее большинство творений Стивена вообще, концептуальная вещь, хоть и без лирики. Пятьдесят минут монолитной музыки — мелодичной и одновременно удивительно разнообразной «по всей временной долготе» альбома. Симпатизирую я этой команде, чего скрывать-то… А вот повторюшек-хрюшек не люблю. В первую очередь имею в виду тех, кто берет за основу чью-то стилистику и, всюду повторяясь, выхолащивает ее до уровня «хитовости». Так, в одной из английских рецензий я называю дебютный альбом Grey Lady Down (Англия, однако) не иначе как… геморроем (простите, дамы) на заднице прогрессива. Тем самым, я у них «там» уже имею репутацию ругателя «неоцистов», хотя в целом это неверно. Ничего я против нео (очень доступный прог) не имею, если он оригинален…

Elend — Winds Devouring Men (2003)

Дата публикации: 13.07.2003

Очень оригинальную и впечатляющую программу выдал студийный проект Elend.

«Ветры, уносящие мужчин» — всецело концептуальный альбом, то есть произведение, выдержанное в рамках единой стилистики как в отношении композиции, так и в отношении текстов, объединенных общей смысловой идеей. Факт того, что на одной из десяти дорожек альбома — на шестой, если точнее, — разместилась инструментальная пьеса, не вступает в какое-либо противоречие с вышесказанным. Медленный, печальный симфонический арт-рок (я бы назвал его «реквиемным» арт-роком) с элементами классической и электронной музыки, а также оперы, пронизанный атмосферой готики и истинным вдохновением, — таковым является мое понимание или видение музыки Elend.

Ритм-секция здесь отсутствует вообще, и только иногда «глухой» барабан потревожит мрачно-величественное симфоническое море, раскинувшееся от края до края альбома, временная протяженность которого — один час — значение в данном случае символическое. Все голоса «чистые» — как мужские, так и женские, последние из которых вдобавок оперные. Интересная, достаточно глубокая лирика, которая к тому же исполнена на приличном английском. Великолепные инструментальные аранжировки, которые тем более занимают более половины альбома. «Живые» скрипки звучат на большинстве композиций, причем звучат как скрипичный квартет, по меньшей мере, что, несомненно, является результатом наложений, поскольку собственно скрипачей на альбоме двое.

«Winds Devouring Men» — это монументальная, практически во всех отношениях выдающаяся работа плюс, наверное, самый оригинальный и самый симфонический альбом из тех, что я слышал за последние месяцы.

Er J Orchestra — Gabrielius (1998)

Дата публикации: 25.03.2001

Продолжая разговор о псевдоджазовых (а также современных) коллективах «Богемы», начатый с разбором второго альбома группы «Оркестр Вермишель», приходится продолжить жанровые «разборки» и в отношении другого «оркестра» компании. И хотя здесь мне непонятно, в отличие от случая, что был давеча, какому такому Эр-джи посвящается (или принадлежит) «оркестр с берегов» Украины (иначе, что в тамошних степях делать подводной лодке?), впечатлению от музыки, им исполняемой, это не мешает.

«Габриэлиус», я думаю, следует воспринимать как дебютный альбом этого коллектива, так как, в отличие от буклета «ОВ», в буклете «ЭЖО» о других их работах упоминаний нет. Жанровая этикетка на «заднике» представляет стилистику музыки на данном альбоме не как Jazz + Creative Music (творческая — из предыдущей рецензии), но как Jazz + Contemporary Music (т. е. современная). Как и в случае, что давеча, жанровый «довесок» ко «всему этому джазу» снова бессмыслен, что и слону понятно, а собственно джаза здесь, хоть и при более определенном «фьюжновом привкусе», но опять-таки кот наплакал.

Изготовленный где-то в Объединенной Европе (но не в Австрии), «Габриэлиус» и звучит отлично, что бы не говорили аудиофилы «от хай-энда», и оформлен потрясающе (как и подавляющее большинство «богемной» продукции вообще, впрочем). И снова, как и в случае с «ОВ» (С. Шураков), «ЭЖО» ведом одним безусловным лидером — автором всех композиций альбома Алексеем Александровым. Однако если в «ОВ» шестеро «штатных» музыкантов, и для того чтобы слово «оркестр» в названии группы звучало более или менее убедительно, у них «открыта и гостевая книга», то «ЭЖО» с составом в девять человек в некотором роде отвечает понятию маленького оркестра и без привлечения гостей. Впрочем, плотность звучания музыки «ЭЖО» в целом не сравнима с «ОВ» и еще более характерна для «объема обычной группы».

При определенном стилистическом (только!) сходстве между «ОВ» и «ЭЖО» (именно здесь я снова настаиваю на понятии «славянская школа»), «настроение» «Габриэлуса» далеко не столь ровное и жизнерадостное, как в целом на «Византии» «ОВ». Даже в композициях с более или менее «массовыми» аранжировками — в темповом и где-то даже оптимистическом ключе, — особенно в «Чайной церемонии Киев — Париж», а также в «Храме бамбукового леса» и «Сиринге», — «философски отвлеченным» эпизодам, иногда сменяющимся откровенно «меланхолическими», также отводится немало места. Впрочем, в оставшейся половине вещей с доминирующими «медитативными» и «ностальгическими» настроениями разнообразия тем и аранжировок (вообще) более чем достаточно, чтобы альбому в целом иметь все качества, присущие «качественным» работам жанра, достаточно сложным, чтобы «въехать в них сразу».

И снова, как в случае с «ОВ», гармонь (в «Габриэлусе» это баян) «берет свое» на первой дорожке, но далее в лидерах соло ей уже не бывать. Много более стабильно, но часто сменяя друг друга, в аранжементе ведут соло скрипки, саксофоны и рояль Александрова (не путать с маркой — типа Петрофф и т. п.). Весьма заметные роли в музыке «Габриэлуса» играют также пассажи от замечательного («акустического») гитариста, виброфониста и разнообразные перкуссии вообще, чаще поддерживающие те или иные аранжировки, но однажды вдруг вылившиеся в продолжительное сольное соло, то есть без какого-либо участия со стороны прочего инструментария.

«Габриэлус» более отвечает широко нынче распространенному понятию «прогрессивный фьюжн», где фьюжн упоминается отнюдь не в «джазовом контексте», а истинно как сплав, синтез классических «прогрессивных» структур, в базисе которых лежит именно европейская симфоническая школа, с элементами, к примеру, джаз-рока. То есть музыка, о которой идет речь, это далеко и отнюдь даже не джаз-рок, а уже ставший, пожалуй, тоже классическим вышеупомянутый прогрессив-фьюжн. Да, отдельные соло рояля (в частности эпизод с перекрестными соло рояля и бас-гитары в «Храме…»; там же, кстати, и перкуссионное соло), но чаще всего саксофонов, могут напомнить импровизации а-ля джаз, тем самым делая альбом привлекательным как для любителей классического прогрессива, так и для части поклонников джаз-рока. Однако «опытное ухо» быстро уловит, что все эти «импровизации» здесь были тщательно сочинены, согласно законам той самой европейской классической школы, а потом отыграны, и не были «импровизированы» в момент записи альбома (согласно американской джазовой школе). Большей же частью рояль работает в «симфоническом ключе», не говоря уже о флейтах и баяне. Также едва ли кто спутает классические, восточные, иногда испанские мотивы в блестящих пассажах и соло акустической гитары с джазовыми. Заглавная композиция «Письмо для Яны» и «Сиринга» не содержат «массированных» аранжировок практически вообще. Смены меланхолических (грусть чаще светлая, впрочем), медитативно-философских и как бы полностью «умиротворенных» тем и аранжировок при выраженном влиянии восточной музыки (хотя судя по концепции этого инструментального альбома, изложенной в поэтической прозе Александрова в буклете, «Габриэлиус» да и все «сопутствующие идеи» плотно «увязаны» с Прибалтикой) и сохраняющейся умеренной композиционной сложности характерны для них. «Габриэлиус» все же имеет более других имеет выраженные перепады настроений. Под весьма грустные классические пассажи акустической гитары скрипка выводит быстрые, изумительно виртуозные пассажи, полные, между тем, тревоги. Присоединяясь к этому акустическому дуэту, флейта еще более нагнетает грусть, перемежающуюся с тревогой, и даже саксофон порой «печален» здесь тоже. Вокализ использован во всех более «игровых» пьесах (плюс в «Сиринге»), и когда он перекликается с саксом, это тоже навевает легкие воспоминания о джазе. Тут все также сделано со вкусом и весьма убедительно, но только в «игровых» вещах. Но в «Сиринге», по-моему, всем этим «эй-агей-о-авей-о-ананейя-алалейя-оооууу» вовсе не место, так как на сей раз они были «вставлены» в структуры «чистейшего» симфонического арт-рока, выступая здесь в образе некоего «беса противоречия». Уж больно «другая» здесь музыка и очень красивая, так что приходится искусственно отключать от сознания эти «шаманские дела».

Уровень сложности «Габриэлиуса» в целом одинаков с «Византией», и не скажу, что ввиду плавного общего течения музыки нюансы здесь угадываются быстрее — лишь чуточку, может быть, и лишь иногда. Обращая взор «к миру» и сравнивая эту, равно как и недавно рассмотренную «Византию», с известными и неизвестными инструментальными работами «образца нео» (любые работы направлений ambient и new age, также инструментальные вещи Алана Парсонса), а затем со сложнейшими работами, к примеру, RIO, обе работы, безусловно, следует относить к классическому симфоническому прогрессиву (умеренной сложности) с соответствующими стилистическими «довесками» к основе. И если о «довесках» к стилю «ОВ» вы уже знаете, то формулировка музыки «ЭЖО» будет следующей: классический прогрессив-фьюжн (с оглядкой на определение последнего в рамках «нашего» жанра).

Следует лишь добавить, что «Габриэлиус» — произведение исключительно самобытное и оригинальное, особенно в отношении прогрессива вообще и «западного» (Япония же «не там», к примеру, потому и в кавычках) в частности. В рамках же СНГ, как уже ясно, нынче можно смело говорить об образовании настоящей, независимой от всяких там «инфлюэнций» новой «славянской школы» жанра.

Eris Pluvia — Ring Of Earthly Light (1991)

Дата публикации: 22.05.2005

Единственный продукт творчества итальянцев Eris Pluvia, «Rings Of Earthly Light», является, на мой взгляд, одним из самых ярких альбомов арт-рока, изданных в первой половине прошлого десятилетия. Группе удалось создать фантастически красивое и элегантное симфоническое звучание, исполненное неодолимого очарования. Оригинальность мышления, помноженная на яркость образов, в сочетании с изобилием «теплых» акустических текстур (здесь весьма важные роли играют классическая гитара, различные духовые инструменты и скрипка), страстный вокал являются определяющими факторами, благодаря которым альбом получил восторженный отзыв даже со стороны самых искушенных знатоков прогрессивной музыки.

Первая, одноименная с альбомом, композиция продолжительностью в семнадцать минут — пожалуй, одна из самых впечатляющих арт-рок-сюит (сюита — многочастное произведение, состоящее из нескольких различных тем), из числа созданных итальянскими мастерами жанра во времена ренессанса арт-рока в первой половине девяностых. Это нечто трансцендентное, поскольку хотя композиция не сложна, ее невозможно «заездить» при всем желании. Тем не менее, как бы странно это ни звучало, оставшиеся шесть песен местами превосходят заглавный номер. Исполненные без участия ритм-секции «In The Rising Mist» и «Glares Of Mind» — восхитительные усложненные баллады с вокальной полифонией под аккомпанемент акустической гитары, флейты и «струнного ансамбля», с некоторым влиянием кельтской музыки. Пронзительные соло саксофона придают легкий джазовый привкус «The Broken Path». «Pushing Together» и «You’ll Become Rain» — произведения полноценного игрового арт-рока — поражают драматизмом и интенсивностью событий. Альбому — знак качества, прогловерам — искренние рекомендации.

Even Song — Mysterium (2001)

Дата публикации: 15.08.2003

Последний на сегодняшний день альбом венгерской группы Even Song (по слухам, она распалась, но, как известно, восстановления — в наши дни дело более чем обычное) длится всего около тридцати шести минут (стандартные LP-рамки семидесятых). Но огромного количества разнообразных тем и аранжировок, представленных на «Mysterium», хватило бы на два-три двойника Dragonland, к примеру.

Все шесть песен альбома выдержаны в единой стилистике, представляющей собой (не поскуплюсь на эпитеты) очень оригинальный синтез великолепного симфонического арт-рока и отменного прогрессивного метала с выраженными элементами классической музыки и совсем небольшим количеством темного метала. Причем на первой и последней песнях альбома арт-роковые и симфонические структуры являются преобладающими.

Хотя «чисто» симфонических, одновременно сложных и красивых партий на альбоме немало, музыка в целом весьма темповая. Она предельно насыщена разнообразием, характерным для классических форм прогрессивного рока и плотно «упакована» всем необходимым на предмет прогрессивности как таковой. Пассажи пианино и string ensemble, исполняемые изумительной певицей Agnes Toth, играют даже более весомую роль в аранжировках, нежели соло гитар, которые, впрочем, также отличного качества.

Неоголовые и подавляющее большинство металлистов проходят мимо, поскольку, прежде всего, альбом предназначен прогловерам с развитым «прогрессивно-симфоническим» мышлением. И если вы себя таковым (таковой) считаете, не лишайте себя возможности услышать музыку, которая в равной степени оригинальна, сложна, и интересна. Сегодня это отнюдь не обыденное явление.

Ezra Winston — Ancient Afternoon (1990)

Дата публикации: 17.05.2001

Наконец-то этот шедевр (второй альбом ансамбля, а первый вышел в 1988-м и был издан на КД давным давно) издан на диске в масштабе, которого он достоин с момента его появления на свет божий — большим тиражом, сразу на двух марках (в том числе на бразильской Rock Symphony) и с соответствующим кругосветным распространением.

Новое издание «Древнего старца» содержит лишь одну дополнительную дорожку (под стать альбому в целом), записанную группой в 1992 году. Тогда как мне известно не понаслышке (то есть я слушал непосредственно), что в запасе у «Эзры винстон» есть еще несколько отличных вещей, записанных в течение первой половины и в середине девяностых, из которых двенадцатиминутная эпическая сюита 1996 года записи вообще, по-моему, лучшая отдельная композиция этой группы. Возможно, исключительно интересные поздние песни ансамбля войдут в их новый альбом, о записи которого, впрочем, они говорят с начала 1999 года с обещанием выдать сей новый продукт уж в нулевом году точно… Однако на дворе уже середина первого года нового тысячелетия, а на сайте «ЭВ», который в последний раз обновлялся в январе сего года, уже не было и нет никаких даже замечаний об их уже in advance столь нашумевшем новом опусе.

Невзирая на то, что многочисленные «исследователи» до сих пор называют «Древнего старца» одним из оригинальнейших и самых сильных произведений итальянского прога, вдохновителями создания (музыкантами группы) которого являются Genesis и целая вереница лучших итальянских групп семидесятых, я соглашусь лишь с определением данного диска как одного из сильнейших в итальянском прогрессиве вообще. Это действительно шедевр, но также один из редких истинно «клоновых» альбомов. Еще в 1998 году я в рецензии на «озриков» альбом 1991 года я поставил терминологию, использующуюся в прог-прессе, с ног на голову (в чем я искренне убежден) и тогда же назвал первый известный мне истинно клоновый альбом «Somewhere But Yesterday» (Citizen Cain) соответственно. Действительно, всем известно, что «клон» ничем не отличается от оригинала, тогда как это слово используется вдоль и поперек, характеризуя таких жалких пародистов, горе-имитаторов «Мариллион» (а их подражателей на свете больше всего) как Grey Lady Down, Galahad, Deyss и иже с ними. Так вот, Ezra Winston's «Ancient Afternoon» является гениальной, точной копией (то есть клоном) стилистики Genesis периода (прежде всего) 1975 и 1976 годов (как и «каинов» «Где-то, но вчера» является клоном «Дженезис» периода 1971–1974 гг.). Звучит «Древний старец» просто потрясающе, ибо вообще нет, пожалуй, сложнее задачи, нежели создание настоящего клон-альбома. Дух «Дженезис» времен квартета царит в музыке «Древнего старца» от первой до последней ноты. И жаль натурально глухих рецензентов, которые не могут отличить жалкой поделки от истинного клона-шедевра. Но особенно жаль их читателей, болтающимися в поисках клона типа Grey Lady Down лишь для того, чтобы в итоге получить геморрой — куда бы, блин, сплавить это дерьмо… Жаль и тех опытных слушателей, которые все же читают рецензии (особенно на современных титанов, чья музыка, будучи заведомо оригинальной, оказывает влияние на других, а не наоборот), видя, что начинаются они так: «Представьте себе (называется дюжина команд, большинство из которых тут близко «стоять» не должно ни с какого боку), «смешайте» их (!) и вы будете иметь ясное представление (о музыке героев данного материала — титанов типа French TV, Djam Karet, Isildurs Bane, Univers Zero, Kenso и т. п.!)». Они же (рецензенты такого сорта — вечные любители сравнений (потому что занимаются не своим делом), которым словно невдомек, что те, кто слушает современных титанов вообще не нуждается в их дешевых «подсказках»), «разнообразия ради», используют еще один прием: «Думай (!) о (снова перечисляется дюжина команд), вообрази нечто среднее, и ты уже имеешь ясное представление (!!!) о музыке, о которой я говорю».

Извиняюсь за отвлечение от темы (наболело) и перехожу к выводу относительно «Древнего старца» Ezra Winston. Главное достоинство истинного клон-альбома (в отличие от, собственно, клона) — это то, что рискнувшие посягнуть на, казалось бы, недостижимое, клонируют до нюансов только стилистику, интонации и т. п. своих героев, тогда как созданные «рискнувшими» альбомы не содержат ни единого «украденного» момента. Такие альбомы столь хороши, что хоть бери и вставляй их в дискографии (тех же «Дженезис») между самыми лучшими альбомами! Поверьте, создать истинный клон-альбом, пожалуй, даже труднее, нежели самим придумать и «внедрить» в прог-движение совершенно новый стиль. Вероятно, кто-то не согласится со мной (но согласных найдете навалом в той же Гибралтарской энциклопедии в материале на Citizen Cain, к примеру). И кстати, этих уникальных шотландских парней запарили донельзя невесть откуда берущиеся «сведения», что название их группы «позаимствовано» у одноименного фильма 1941 года выпуска (Орсона, а дальше не помню — мне-то это зачем? хотя, кажется, Уэллса или где-то рядом: только не шлите мне писем с воображаемым тыканьем меня носом в правильно звучание имен режиссера, пожалуйста, а то всегда хватало таких умников: мол, вот я его сейчас и укушу!). Сначала CC старательно объясняли: мол, Каин, убивший брата своего Авеля, и был согласно Библии первым гражданином Земли. Но «знатоков» не успокоить — факт. Еще не хватало им лезть за уточнениями на какой-то сайт группы. Еще делов… Тогда музыкантам не оставалось ничего иного, как слегка изменить название группы. На альбоме 1997 года они сделали «двойную версию» — со старым названием на обложке буклета и с новым — на его «заднике», — дабы сразу не сбить людей с толку… Ну уж а новый альбом «Playing Dead» скоро появится под единым именем с «Х» во главе названия.

Не вышло у меня разговора с участием «клона» об одних «Эзра винстон», извините. Мое мнение — их «Древний старец» — это такой же шестибалльный шедевр, как его вышеназванный прототип.

Fates Warning — Disconnection (2000)

Дата публикации: 08.02.2003

Последний пока альбом Fates Warning «Disconnection» был их единственным альбомом, что я не слышал раньше. Я никогда не получал диски для рецензирования с Massacre Records, а с Metal Blade я их начал получать лишь с прошлого года. Честно говоря, если бы не CD-Maximum, я едва ли бы узнал, что «Disconnection» выходил и на Massacre Records.

Те из вас, кто хорошо знаком с творчеством этой замечательной группы (мне Fates Warning нравились и нравятся много больше, чем Dream Theater), знают, что после серии шедевров во второй половине восьмидесятых они издали два весьма слабых альбома — «Parallels» и «Inside Out» (1991 и 1994 годы). Альбом 1997 года — «A Pleasant Shade Of Grey» — в значительной мере вернул группе утраченные позиции. Мне этот диск также понравился, хотя в целом я нашел его слишком мягким по звуку. А вот на «Disconnection» группе удалось восстановить все свои положительные качества, пиком которых в прогрессивном отношении до сих пор был, наверное, «Perfect Symmetry» 1989 года. На мой взгляд, последний пока альбом Fates Warning ничуть не слабее вышеназванного диска. Уровень «тяжести» на «Disconnection» примерно тот же, но гениальный клавишник и аранжировщик Kevin Moore, ставший «штатным» гостем команды с середины девяностых, здесь работает повсеместно, а не только на одной дорожке, как это было на «Perfect Symmetry». И, что самое главное, на мой взгляд, «Disconnection» — это «ровный» альбом, на котором нет никаких потенциальных хитов (вроде «Through Different Eyes» с того же «Perfect Symmetry» и т. д.).

Сердечно рекомендую этот диск всем, кто не ограничен рамками нео.

Flight 09 — Human Nature (2004)

Дата публикации: 05.12.2004

«Рейс 09», пожалуй, наиболее плодовитая ташкентская команда. С выходом на международного слушателя в 2002-м группа активна на пределе возможностей (все ведь работают помимо занятий творчеством), и выдает уже третий англоязычный альбом. Причем «Человеческая природа» содержит концептуальную лирику, в соответствии с названием. Если на втором диске группы «Запрещенные колыбельные», который сейчас в производстве (переиздание на Starless Records), прогрессивные тенденции свойственны примерно половине песен, то здесь синтез классического хард-рока и симфонического арт-рока является вообще преобладающим. Впрочем, музыка стала не только более прогрессивна, но и мощнее, а три композиции в середине альбома — это вообще прог-метал. Хотя в силу определенной мистической атмосферы и структурных особенностей, я называю такую и подобную музыку прогрессивно-соборным металом. Единственный номер, не вписывающийся в общую картину альбома, — это трехминутный «американский хит» «Watching Your Soul», занимающий восьмую позицию. В официальном релизе его не будет.

Дорогие читатели, поверьте, я не признаю никакого кумовства и панибратства, когда дело касается творчества. Не стал бы я поддерживать «Рейс 09», ни кого бы то ни было, если бы их творчество не было экстраординарным. Более того, это тот редкий случай, когда музыка пропитана магией, что отмечаю не только я, но и подавляющее большинство слышавших последние два альбома группы. Надеюсь, вы скоро сами сможете убедиться в искренности моих слов. «Рейс 09» создают фантастически впечатляющие музыкальные образы. Если бы они начали лет двенадцать-пятнадцать раньше, во времена подъема интереса к «тяжелой» прогрессивной музыке, я уверен: сегодня бы они были известны каждому любителю рок-музыки, а не только прогловерам. Впрочем, еще не вечер, как говорится. Альбом издает московская компания MALS (в январе), которая, кстати, уже в этом месяце выпустит первый десяток дисков по лицензии Musea Records. Скорее всего, данный релиз состоится в рамках СНГ, хотя не исключено, что диск будет иметь статус полноценного международного продукта, с распространением повсеместно. Этот вопрос решается в настоящее время.

Floating State — Thirteen Tolls At Noon (2003)
!
Дата публикации: 10.05.2006
При участии Ашота Хуршудова

Это дебют молодой итальянской группы Floating State, и я считаю, его можно рассматривать как двойной альбом. Этот 75-минутный CD состоит всего из пяти песен, одну из которых, длиннющую «Pilgrimage To Nowhere», я воспринимаю не иначе, как альбом внутри альбома. Перефразируя великого Эдгара По, я бы даже сказал, что это сон во сне, так как «Thirteen Tolls At Noon» — это альбом, о котором можно и должно мечтать! Почти все здесь — композиция, исполнение… — звучит так, будто это все было сделано непосредственно во времена расцвета британского прогрессива начала семидесятых. В то же время здесь есть и кое-что новое, что не могло иметь места тридцать лет назад. Вдохновленная в основном классическим английским симфоническим арт-роком эта итальянская группа умудрилась не только избежать малейших намеков на подражание (тут даже сложно пронаблюдать чье-либо влияние), но и вдохнуть новый дух в любимый нами жанр. Здесь в изобилии партий «золотого века» клавишных: орган Хаммонда, меллотрон и др., но, в отличие от многих остальных работ этого направления, здесь нет их нагромождения. Очевидно, что Floating State не ставили перед собой цели лишь восстановить прогрессивный звук семидесятых. В результате они поднялись на порядок выше многих «восстановителей». Я не помню ни одного настолько продолжительного арт-рок-альбома, который бы содержал столь много духовых инструментов, равноправно участвовавших в аранжировках, как это имеет место в «Thirteen Tolls At Noon». Другими словами, возможно, это единственный симфо-роковый альбом с большим разнообразием духовых инструментов, которые к тому же часто выходят на первый план в аранжировках. Конечно, духовые инструменты принесли в композиционную базу альбома элементы джаз-фьюжн, но они настолько изобретательно переплетаются с симфоническими, что практически не заметны.

В данный момент я склонен к мнению, что «Thirteen Tolls At Noon» — один из самых лучших, если не лучший, альбомов классического симфонического арт-рока, выпущенный после семидесятых. Я настолько им впечатлен, что предыдущие кандидаты на это звание оказались сброшенными с пьедестала. Floating State — группа, которая на самом деле оживила дух старого доброго арт-рока, который, как выдержанное вино, становится только лучше с годами. Постарайтесь не пропустить этот диск.

The Flock — The Flock (1969)

Дата публикации: 26.12.2004

Я слышал много добрых слов о первой группе знаменитого чикагского скрипача Jerry Goodman, увековечившего свое имя во время пребывания в Mahavishnu Orchestra, но то, что мне довелось услышать собственными ушами, звучит так сногсшибательно, что впору не верить этим самым собственным ушам.

Те, кто характеризует стиль The Flock как джаз-рок или джаз-фьюжн, просто не вдавались в детали, по меньшей мере, если не развивать тему дальше. На своем дебютном альбоме The Flock представили сверхноваторский, но, что главное, фантастически интересный материал. А скольких групп самых разных направлений вдохновила эта музыка, оставив свой след в их музыке? Это Zao, Uriah Heep (внимательно слушайте партии вокала), Colosseum II, Kansas, включая Proto-Kaw, тот же Mahavishnu Orchestra и множество других.

Первая композиция, «Introduction», отличается от прочих и представляет собой дуэт-дуэль между пассажами акустической гитары и партиями скрипки. Структура полиморфная, чего здесь только нет!.. Из числа довольно легко определяемых это арт-рок и джаз-фьюжн условно, и обе категории академической музыки — классическая и авангардная явственно. (Теперь мне понятно, где, по крайней мере, отчасти черпали свое вдохновение классики таких жанров, как RIO и zeuhl.) Но во многом эта композиция действительно является введением в альбом, поскольку на последующих пяти дорожках музыка, исполненная всеми участниками этого камерного рок-ансамбля (не иначе), еще более полиморфна и включает в себя, пожалуй, подавляющее большинство направлений прогрессивного рока, повсеместно признанных классическими, включая даже хеви-метал.

В отличие от многих шедевров джаз-рока и джаз-фьюжн, этот альбом признают «своим» самые разные категории любителей прогрессивной музыки, причем любителей джаза среди них будет намного меньше, чем прочих. Такие работы, как «The Flock», — а это один из наиболее сильных альбомов изданных в шестидесятые годы вообще, — невольно задают мне лишнюю работу: «перетряхивать» содержимое колонок с моими фаворитами и делать соответствующие дополнения в «Bandlists». Но именно в таких случаях я делаю все с удовольствием.

Frame — Frame Of Mind (1970)

Дата публикации: 26.12.2004

Нелегко поверить, что этот диск был записан и издан в 1970-м в Германии. Альбом имеет характерное, типично «английское» звучание (вокал на английском языке также великолепен), которое к тому же во многом является знаковым для развития прогрессивного рока вообще и особенно, конечно, на родине музыкантов. Если подразумевать, скажем, абсолютно полновесный арт-рок, то до 1970-го только одна команда представила таковой — King Crimson на своем дебютном альбоме. Как и «При дворе червонного короля», но в отличие от прочих шедевров жанра, появившихся в 1970-м, «Frame Of Mind» также местами характеризуется тяжелым звучанием, но никакой схожести между Frame и King Crimson, ни кем-то еще из самых первых героев жанра нет и в помине. Этот альбом имеет очень богатую звуковую палитру, и достаточно взглянуть на арсенал инструментов, использованных здесь, чтобы иметь о ней некоторое представление уже заочно. В музыкальном же отношении программа исполнена всего, чтобы радовать даже самого искушенного любителя арт-рока при каждом к ней обращении. Выделяющаяся своей продолжительностью (двенадцать минут) третья композиция — «All I Really Want» — гениальна, но едва ли выделяется среди прочих остротой сюжета, поскольку совершенны все вещи, без исключения, и альбом есть подлинное произведение искусства. Даже последняя, очень короткая «Trübsal», единственная здесь инструментальная пьеска, содержит музыку, а не является довеском-шуткой. Я только стал первоклассником в то далекое время. Но если бы все это происходило сегодня, я бы приложил все свои силы поддержать дебют Frame таким образом, чтобы группа не оказалась на задворках истории жанра. Жаль, что им не посчастливилось продолжить свои творческие изыскания.

Безусловный шедевр, один из самых мощных альбомов изданных в период становления прогрессива, «Frame Of Mind» прямым ходом «направляется» в двадцатку 1970 года. Заждались его там, однако!

French TV — After A Lengthy Silence (1987)

Дата публикации: 02.07.2006
При участии Ашота Хуршудова

Спустя три года после выхода дебютного диска French TV вышел (с очень подходящим названием) альбом «After A Lengthy Silence». Если первый альбом демонстрирует способности группы в различных областях музыки, второй оказывается более сфокусированным и монолитным. RIO-тенденции первого альбома здесь присутствуют, но они не превалируют. Направляющим стилем здесь является джаз-рок, более тяжелый и мрачный в сравнении с аналогичными вещами из первой программы. На нескольких дорожках, но в основном в «Friendly Enzymes», бас-гитара Sary уходит в zeuhl. Девятиминутная «Vacilando» — очередная импровизация группы, но она оказалась куда более содержательной, чем в первом альбоме. «…And The Dead Dog Leaped Up And Flew Around The Room!» напоминает «Earth, I Wait» с первого альбома. «Angry Hornets» с отличным гитарным соло напрашивается на место лучшей дорожки. Но эта честь будет отдана «Go Like This», который располагается во второй части альбома. Здесь много перемен настроения, темпа, также множество энергичных соло и эпизодов, располагающих к размышлению, которые свидетельствуют о некотором влиянии группы Van Der Graaf.

Альбом сильно отличается от предшественника, но однозначно, «был выпущен в эфир» все теми же French TV и, как и любой их диск, этот — отличный по качеству, по меньшей мере.

French TV — Virtue In Futility (1994)

Дата публикации: 23.02.2007

«Virtue In Futility», третий релиз French TV, является, на мой взгляд, транзитным альбомом, на котором они впервые попробовали создать синтез всех подвластных им стилей. Стили эти, в свою очередь, формируют большую часть собственно прогрессивного рока как жанра. Лучше всего, как и прежде, French TV удается здесь смешивать симфонические и джаз-фьюжные структуры, иногда в сочетании с тяжелой музыкой (говоря обобщенно). Но не всегда все проходит гладко, когда в общей картине появляются диссонансы, контрапункты и прочие авангардистские сущности. Иначе говоря, в данном случае элементы RIO в ряде случаев как бы просто соседствуют с другими компонентами, не так часто сливаясь с ними в единое целое как ну мне лично этого бы хотелось.

На мой взгляд, «Virtue in Futility» не шедевр, в отличие от большинства прочих программ группы. Тем не менее это много более чем просто хороший альбом (отсюда и рейтинг). По крайней мере, те, кому нравится творчество French TV в целом, ни в коем случае не должны оставить этот диск без внимания.

French TV — Pardon Our French! (2004)
!
Дата публикации: 02.07.2006
При участии Ашота Хуршудова

«Французское телевидение» продолжает свои «трансляции» из американского штата Кентукки. «Pardon Our French» — восьмой альбом этой замечательной группы.

Здесь группа снова предлагает нам стилистический синтез, демонстрируя удачное сочетание различных жанров. Однако здесь (так же как и в #7) баланс традиционной музыкальной формулы группы нарушается. Как и в предшествующем альбоме, аранжировки на «Pardon Our French» находятся в состоянии постоянного развития, они великолепно проработаны, очень интересно переплетены, содержательны и красивы. Музыка просто магическая, не что иное, как пятый элемент в наиболее ясной и действенной форме, с симфоническими и прогрессивными джаз-фьюжн-текстурами, доминирующими над классическим и джазовым RIO везде, кроме песни «Tears Of A Velvet Clown», к которой я вернусь позже. Что касается основных моментов, «Everything Works In Mexico» звучит как испанская, одновременно восточная и местами как бы универсальная народная мелодия. Далее следуют «Sekala Dan Niskala», благоухающая пикантными восточными ароматами практически на всем своем протяжении, «When The Ruff Tuff Creampuffs Take Over», содержащая элементы прог-метала, и «Pardon Our French» с примесями space rock. В отличии от других дорожек, этот впечатляющий коллаж песен из репертуара нескольких классических французских групп исполнен исключительно на традиционных рок-инструментах плюс немного женского вокала на французском языке. Отлично вписывается в общую картину альбома. Теперь вернемся к первым двум дорожкам. Вы когда-нибудь задавались вопросом, почему так много западных групп используют в своей музыке восточные мелодии? В мире нет ничего, что могло бы исчезнуть не оставив следа, так и музыка Среднего Востока просочилась в Европу благодаря крестоносцам. Возвращаясь к «Tears Of A Velvet Clown», должен сказать, что это классический RIO, который, что удивительно, намного сильнее пропитан французским духом, чем «Pardon Our French»: не только из-за наличия типичных мелодий французского шансона. Эта дорожка сочетает в себе оригинальность French TV с влиянием, оказанным на нее группой Etron Fou Leloublan.

Было бы несерьезно ожидать в последние годы (лет десять, пожалуй) чего-либо, кроме шедевра от этих ученых-натуралистов от музыки.

French TV — This Is What We Do (2006)
!
Дата публикации: 01.10.2006

«This Is What We Do» — девятый альбом группы French TV («Французского ТВ», «вещающего» из США). История группы начинается с 1981 года, а их дебют увидел свет только в 1984-м. И только с 1994 года они регулярно выпускают по альбому в среднем каждые два года.

На этот раз French TV представляют пятый элемент в чистом виде. Другими словами, музыка чрезвычайно инновационная и не поддается точной формулировке, но корнями явно уходит в классические прогрессивные жанры. Тенденция постоянно изменять основу своего стиля всегда была типичной для этой группы, так этот их очередной новый альбом также не напомнил мне ни одной их более ранней работы, да и вообще получился очень оригинальным. Вы можете вспомнить, как странно звучит «The Gates Of Delirium» группы Yes с альбома «Relayer» при первом прослушивании? Звучит ли это эпическое произведение для вас по-прежнему свежо и необычно? И зная это, вы на самом деле расцениваете эту работу как классический симфонический арт-рок? Если так, вы, вероятнее всего, воспримите «This Is What We Do» именно подобным образом, несмотря на факт, что прямых параллелей между этими примерами проведено быть не может. Поверьте мне, в моих утверждениях нет никакого умысла, и все перечисленные выше вопросы я задавал изначально самому себе. Много лет прошло, прежде чем я осознал, что в «The Gates Of Delirium» помимо симфонической, арт-роковой составляющей присутствуют еще и такие жанры, как: джаз-фьюжн, прог-метал и даже RIO. Вот и здесь складывается похожая картина основного стилистического направления, большая часть музыки вызывает явные ассоциации с неповторимым звучанием семидесятых и в то же время имеет футуристическую направленность. Скрипка и деревянные духовые инструменты придают альбому дух камерной музыки, в то время как другие духовые местами делают более выпуклым такой компонент, как джаз-фьюжн. В частности это видно в середине каждой из этих двух композиций — «Colorless Green Ideas Sleep Furiously» и «Ska Face», — возможно, потому, что в обеих, в отличие от других дорожек, принимает участие гостевой музыкант, играющий на тромбоне. В центральной композиции «My Little Cicada» выделяется длительный атмосферный эпизод, состоящий из аранжировок «нагруженных» скрипкой и акустической гитарой, что приблизительно можно отнести к симфоническому space rock. В самом начале «Look At The Bears!..» орган вызывает в сознании тему из «Pictures At An Exhibition», но не надолго, вскоре уступая дорогу кларнету и басу и собственно камерному звучанию. В «Theme From ESPN X…» можно легко отыскать ходы, напоминающие классику, хотя играют на неком экзотическом струнном инструменте (напомнившем мне турецкий саз), что можно назвать основным фактором, отличающим эту композицию от остальных. За исключением этих особенностей, композиции имеют довольно много общего между собой: в них отсутствуют тематические секции, но содержатся постоянно меняющиеся, одновременно эклектичные и цельные аранжировки. Со средней продолжительностью дорожки чуть более десяти минут времени более чем достаточно для развития тем и различных вариаций. Музыка изобилует всем, о чем мечтает продвинутый прогловер. Лучшими дорожками альбома являются все пять, без преувеличения, и каждый напоминает о том, что немного существует команд способных на равных с French TV конструировать длинные полиморфные композиции, которые были бы одновременно интеллектуальными и захватывающими. То, что делают эти прог-монстры, походит на чтение захватывающей научной фантастики, но слушателю не обязательно быть математиком или создателем ракет, что бы постичь этот альбом. Просто послушай его однажды, и с каждым последующим прослушиванием будет открываться все больше интересного. Музыка просто дышит жизненной энергией, что безошибочно указывает на истинное вдохновение.

Новичок? Просто запомни название: French TV. Оно всегда будет отражено в любой из написанных в будущем рок-энциклопедий.

Fuchsia — Fuchsia (1971)

Дата публикации: 26.12.2004

Очередной сверхгигант прогрессивного рока, затерявшийся было в недрах истории, но, к счастью, не для всех. Приятно сознавать себя одним из счастливцев, имеющих возможность слышать эту сказочно прекрасную музыку.

Согласно аннотации MALS Records, группа исполняла причудливую смесь прогрессивного рока и народной музыки с использованием сдвоенного, мужского и женского вокала, скрипок и виолончели. Женщины (безусловно, с образованием) больше «налегают» на свои чудесные инструменты, нежели поют, но делают это также со вкусом. Не уверен насчет «народной музыки». В общем контексте, конечно, истоки очевидны, но все же здесь представлен синтез арт-рока и классической музыки — местами «легкой», но в большей части глубокой, полностью отвечающей своим канонам. В этом отношении примечательны четыре пролонгированные композиции в середине альбома: «A Tiny Book», «Another Nail», «Shoes And Ships» и «The Nothing Song», звучащие от шести до восьми с половиной минут. Причем чаще всего создается впечатление, что группа играет в сопровождении симфонического оркестра, а не камерного трио.

Непохожесть музыки Fushia ни на что, слышанное мной до сих пор, захватывающие, продуманные до мелочей аранжировки плюс определенно волшебная аура, излучаемая ею и ощущаемая почти на физическом уровне, приводят меня в состояние необъяснимого возвышенного блаженства, которое, впрочем, знакомо каждому меломану. Давно я не был столь непосредствен и даже, наверное, несколько простодушен в своих рецензиях. Но искренние эмоции едва ли стоит скрывать.

Galadriel — Chasing The Dragon (1992)

Дата публикации: 20.06.2004

Это второй альбом испанского коллектива, названного в честь одного из ангелов смешанного раннехристианского и каббалистического «происхождения». Первым был «Muttered Promises From An Ageless Pond» (1988), он считается слабее. Кажется, был еще и третий альбом (где-то в 1998-м), но утверждать этого мне не стоит, поскольку, возможно, здесь я путаю с итальянцами Arkansiel, которые издают альбомы с огромными паузами, но до сих пор.

Музыка — не слишком сложный, но весьма оригинальный и интересный арт-рок с обилием партий испанской гитары и иногда с элементами прог-метала, а также арабской музыки, тогда как вокалист несколько смазывает впечатление. Большей частью голосом и интонациями он почти неотличим от Jon Anderson из Yes, хотя порой не брезгует и Рыбой (Fish, конечно). Словом, настоящий певец-хамелеон с огромными возможностями и очень широким голосовым диапазоном, которые, впрочем, достойны более оригинального применения. Для первых трех песен характерно достаточно мягкое и ровное звучание, без особых игровых и эмоциональных всплесков, тогда как все последующие (также три) и особенно последняя восемнадцатиминутная дорожка поражают воображение как разнообразием используемых инструментов, включая ситар и «ручную» перкуссию, так и изобилием тем и мелодий. Тем не менее должен сказать, что когда я впервые услышал этот альбом несколько лет назад, он произвел на меня большее впечатление, чем нынче. И если раньше я, вероятно, рекомендовал бы его всем любителям арт-рока без исключения, то теперь я, пожалуй, ограничусь такой ремаркой: отличный нео, но едва ли более того, по крайней мере, в целом.

Gap Party — Additives (2004)

Дата публикации: 02.07.2006
При участии Ашота Хуршудова

Молодая итальянская группа Gap Party, лидером которой является мультиинструменталист и композитор Alessandro Pierini, выпустила свой второй альбом «Additives». Первый полноценный CD — «Betwixt» — был выпущен в 2000 году. Краткий обзор группы Gap Party, имеющийся в обложке диска, говорит нам о том, что их музыка — нечто среднее между психоделическим роком семидесятых, Питером Хэммиллом и Radiohead, что частично соответствует действительности.

Все восемь композиций — песни с английскими текстами, и их можно разделить на две равные половины, очень сильно отличающиеся между собой в музыкальном плане. Первые три песни — «Walking on Alone», «Wyllie’s Ecstasies» и «My Colours», — а также последняя, давшая название альбому, исполняются в основном при помощи классических рок-инструментов, и даже партии вездесущей акустической гитары присутствуют здесь исключительно в форме ритма. Каждая обладает неким гипнотизмом, который, однако, вряд ли имеет психоделическую природу. Музыку можно охарактеризовать как современный романтический space rock, где собственные идеи группы удачно смешены с идеями Porcupine Tree, в частности на их альбоме «Signify». Однако подход Gap Party к аранжировкам более прямой, и на самом деле весьма типичен для Radiohead и других, похожих исполнителей так называемого альтернативного прогрессива. Начиная с четвертой дорожки, музыка становится заметно разнообразней и глубже с появлением новых инструментов: виолончели, акустической гитары, фортепиано и органа на переднем плане. Удивительно то, что «Afterwards» подписана как «Tribute To Van Der Graaf Generator», но она оказалась более оригинальной, чем следующие две песни: «Today» и «All Age». Музыка здесь того же толка, что «Fireships» или «X My Heart» Питера Хэммилла, причем и в вокальном и в инструментальном плане. «After The Meeting Call» — самая оригинальная композиция и, вероятно, лучшая на альбоме. Хаммонд-орган и виолончель все еще «у руля», но теперь с участием тромбона, в результате чего получается очень эффектная комбинация симфонического арт-рока и джаз-фьюжн.

В общем, «Additives» группы Gap Party — многообещающий и очень интересный альбом, несмотря на некоторую стилистическую разнобокость. Я бы посоветовал группе держаться направления, выбранного для второй половины альбома.

Geezer — Black Science (2003)

Дата публикации: 14.12.2003

Что тут особо нового скажешь? Альбом хорошо знаком тем, кто им действительно интересовался, и тем, кто пробовал заинтересоваться. Менее грубый, нежели первый сольник Гизера «Plastic Planet» (1995): иначе говоря, более мелодичный, хотя только в целом. В общем, если кто еще не знает, в отличие от дебюта второй альбом басиста и в некотором роде «главного мага» Black Sabbath много ближе к классическому соборному металу, который его основная группа играет в чистом виде с 1981-го, а в «протопрогрессивном» с 1990-го года. Хотя помимо классических номеров жанра есть здесь и слишком простые (первая), и такие, где «дух» Fear Factory все еще витает. Да и вокалист поет чисто по большей части, но не всегда: местами он орет по-настоящему надрывно (но не иначе, так как это, конечно, не growl).

В целом мне оба альбома Гизера нравятся (и не нравятся, с другой стороны) примерно одинаково. Что бы сам Butler ни говорил, как бы он ни упрекал Tony Iommi в недостатке «тяжести», любой из альбомов Black Sabbath, даже такие, как «Heaven & Hell» и «Tyr», все же интереснее. В общем, это хороший альбом, но отнюдь не более того.

Gelb Philip — Purple Wind (1995)

Дата публикации: 30.03.2000

Как сказано в буклете альбома, музыка представленная здесь целиком соткана только из спонтанных импровизаций. В это трудно поверить, я не слышу здесь ни единого отголоска джаза, ни собственно «натурального» авангарда. Полное впечатление, что слушаешь великую японскую средневековую классическую музыку — настолько гармонично беспрерывное развитие музыкального действа на «Пурпурном ветре». Сам Филип Гелб — признанный мастер игры на старинном японском струнном инструменте шакухачи, все прочие участники записи также мастера игры на японских инструментах (кото, перкуссия и т. д.).

При прослушивании возникают ассоциации с просмотром фильмов элитарного японского режиссера Акиро Куросава, снимавшего в основном исторические фильмы.

Ставлю пока четыре балла, в такую музыку нелегко «въехать» и со временем.

Gerard — The Ruins Of A Glass Fortress (2000)

Дата публикации: 14.05.2001

До сих пор я слышал лишь пару-другую вещей этой весьма знаменитой японской группы на специальных компиляциях Musea Records. Если мое воображение меня не подводит, то раньше эти парни из Страны восходящего солнца, столь богатой на «прогрессивные» таланты, играли куда более жесткую музыку, нежели нынче. Вероятно, в составе группы ранее был гитарист, а редкие в их альбомах (собственно) песни исполнялись девушкой на родном языке. Так или иначе, новый альбом группы, выпущенный Musea в самом конце прошлого года, значительно отличается от материала, слышанного мною ранее. «Руины стеклянной крепости» представляет собой как бы не совсем полноценный, но истинно концептуальный альбом (я ранее уже излагал свое мнение, что полностью инструментальные альбомы с сопровождающим их «концептуальным оформлением» в виде текста в буклетах являются лишь псевдоконцептуальными), поскольку обе песни здесь (как два острова в разливном море инструментальной музыки) подчинены единой теме. В обоих случаях это краткие философические* экскурсы в уже сформированное мировоззрение о хрупкой как стекло ирреальности физического мира и соответственно всех побуждений, надежд и прочая пребывающего здесь физического лица. (*Трудно назвать философскими интересные, но столь краткие откровения.) При всем том, что партии гостевого певца и автора этих сентенций очень выразительны и оригинальны, как собственно и его вокальные данные, некоторые неровности произношения им отдельных английских слов заметны даже мне, для кого этот язык не является «материнским». Что же касается конкретно англоязычных, то здесь его французское происхождение выдаст его с головой. Впрочем, право, не знаю, зачем я вообще веду речь об этом, когда благодаря вокальным талантам певца ни я сам, ни англоязычный прогловер не должны даже замечать столь пустяковые огрехи. Тем более что господа иноязычные с куда более откровенным акцентом «приходят и принимаются» достойно практически всюду, не говоря уже о том, что нынче мы все более и более начинаем привыкать к «оригинальному» — не англоязычному — пению. Хотя, что касается меня, альбомы с песнями, смысл которой мне непонятен, редко задерживаются в моей коллекции. Все же полякам, венесуэльцам и многим прочим, вливающимся в международное движение прогрессива, стоило бы думать и о «среднем» международном слушателе… Хотя бы просто потому, что только английский язык нынче можно считать международным.

В своих рецензиях я весьма часто отвлекаюсь на темы, относительно посторонние от музыки как таковой, но, читая письма, чаще всего я вижу, что люди поддерживают меня в этом. Потому, в общем, я и продолжаю в том же духе — согласно свойственному мне мировоззрению, невольно проецируемому на темы, о которых я рассуждаю. Теперь самое время обратиться к музыке альбома «Руины стеклянной крепости». Стилистически она лежит примерно в той же плоскости как и большинство ранних работ ELP. Однако, лично я не стал бы называть музыку Gerard как созданную под влиянием выше оговоренного трио, хотя, возможно, их музыка и послужила объектом вдохновения японцев в создании данного альбома. Не наблюдая в виртуозной игре всех трех участников группы никаких заимствований ни от господ Эмерсона, Лейка и Палмера, ни от каких либо иных известных мне музыкантов (каковых великое множество в моей памяти), я ответственно заявляю о композиционной и исполнительской оригинальности «Руин…» Впрочем, оригинальность, свежесть мышления, — пусть и на старом, хорошо знакомом стилистическом базисе, — это далеко не все достоинства альбома. Прежде всего, работа исключительно интересна вообще и владеет вниманием опытного слушателя от первой до последней ноты. Таким образом, говоря об опытном слушателе в контексте подхода к альбому и осмысления «Руин стеклянной крепости» я заведомо честно предупреждаю типичных неоголовых, что это вряд ли придется им по зубам. Однако те из них, кто уже шагнул выше поделок типа GLD (этим убогим я бы, прости меня, Господи, не рекомендовал даже LSD для вдохновения, так как даже с допингом не найти им его, ибо не дано, и ничего тут не поделаешь), Everon и пр. и понимают лучшие работы IQ (прежде всего за 1983, 1997 и 2001 годы), «Generation 13» Saga, не говоря уже о шедевре «Brave» Marillion, с завоеванием «Руин стеклянной крепости» должны после нескольких внимательных прослушиваний справиться тоже.

Gillan & Glover — Accidentally On Purpose (1988)

Дата публикации: 04.04.2004

Я все же склоняюсь к мысли, что помимо главных героев, записавших альбом «Намеренно случайно», здесь поработало и несколько сессионных музыкантов, но это не столь важно. Первые четыре песни (особенно четвертая) и еще две-три во второй части программы определенно навеяны невероятно популярным в то время альбомом Genesis «Invisible Touch». Хотя с таким сверхоригинальным вокалом, как у Яши, никакие сравнения не страшны. Причем, на мой взгляд, именно подобные поп-артовые песни, — а их здесь добрая половина, — являются лучшими. Нет, я вовсе не хочу сказать, что классические хард-роковые, блюзовые, хард-н-блюзовые и соул-номера, составляющие вторую половину программы, бледнее прочих — отнюдь. Однако песни этих четырех категорий оказались не только в меньшинстве, но и разбросаны по альбому, придав ему тем самым стилистическую пестроту, в ущерб последовательности таковой. В целом тем не менее альбом хороший и даже очень хороший, если сделать скидку на царившие в те времена вкусы и взгляды. Конечно, надо было бы учесть тот факт, что большинство из вас, дорогие читатели, с программой знакомы. Но, с другой стороны, можно было и не учитывать, поскольку вкусы у всех все равно разные, и кто бы что ни утверждал, даже обобщенно говоря и косноязычно выражаясь, как я нынче, оппозиция всегда начеку.

Gillan Ian — Naked Thunder (1990)

Дата публикации: 04.04.2004

В составе альбома сплошь знаменитые музыканты, кроме гитариста (по крайней мере, я о нем ничего не знаю).

В целом музыка более легковесна и менее экспрессивна, нежели та, что исполнялась «под шапками» Ian Gillan Band и Gillan. Тем не менее материал преимущественно очень добротный. Около половины песен представляет собой блюзовый хард-рок с блестящими соло гитары, пианино и органа в инструментальных партиях. Лишь три номера выдержаны в русле скоростного, очень энергетического хард-н-хеви, типичного для времен, когда группа называлась просто Gillan, все три «собраны» во второй части альбома. Последняя восьмиминутная дорожка — это замечательная классическая арт-роковая баллада с великолепными пассажами акустической гитары в инструментальной части композиции и мощным хором в исполнении самого Иэна (метод наложения), в котором есть что-то от английского фолка. Что касается достоинств вокала лидера коллектива, одного из лучших певцов в истории рок-музыки, говорить о них в каждой рецензии стоит едва ли.

«Naked Thunder» скорее просто хороший, нежели очень хороший альбом. Но все здесь исполнено с таким мастерством и, что главное, удовольствием, что полбалла, пожалуй, добавлю. Впрочем, сразу хочу заметить, что последующий диск «Toolbox» определенно лучше.

Gillan — Toolbox (1991)

Дата публикации: 22.06.2004

Архетип — хард-рок. Бенефактор — Deep Purple.

Оказалось, не зря на обложке «Toolbox» красуется классический «витиеватый» логотип Gillan из начала восьмидесятых, а не Ian Gillan, набранное обычным шрифтом, как в случае с предшественником этого альбома, «Naked Thunder», и еще парочки из его дискографии.

Альбом разительно отличается от всех прочих поздних, а также самых ранних работ — в пользу самого «забойного» и задорного периода творчества времен «Double Trouble». (Выпущенный в 1982 году «Magic» — все же другая история, равно как и «Clear Air Turbulence» 1977-го.) Как и в случае с Alice Copper’s «Brutal Planet», музыка «Toolbox» несложна, но чрезвычайно эффективна и впечатляюща, исполненная добротных риффов, настоящего хард-рокового драйва и энергетики, исходящей в первую очередь от самого Иэна, ибо он дерет глотку здесь просто потрясающе. Очень неожиданный для «позднего» Гиллана альбом. Рекомендую по меньшей мере как отменный аккумулятор для подзарядки энергией поутру. Конечно, это касается только истинных воспитанников рок-н-ролла.

Gillan Ian — Cherkazoo And Other Stories… (1998)

Дата публикации: 14.03.2004

Данный альбом состоит из двух самых первых сольных проектов Иэна Гиллана, в свое время так и не вышедших.

Первые восемь дорожек были написаны в соавторстве с Roger Glover после распада их первой группы Episode Six, незадолго до присоединения к Deep Purple, и должны были стать звуковой дорожкой к мультфильму, чего не произошло. Это весьма наивные, но в то же время очень искренние и мелодичные песни в стиле поп-бита, по звучанию напоминающие самых ранних The Beatles. Остальные одиннадцать песен Гиллан записал в 1974-м, вскоре после своего первого ухода из Deep Purple. Подавляющее большинство из них представляет собой несложный, но крепкий, «сочный» ритм-н-блюз, причем партии пианино определенно джазового происхождения.

Любителям хард-рока имя Mike Moran должно быть хорошо знакомо, хотя в известных группах, в которых он работал (включая Whitesnake и Ozzy Osbourne), он исполнял в основном «поддерживающие» партии. Здесь же он предстает как искушенный и очень виртуозный пианист.

Один единственный рок-н-ролльный «остров в море» ритм-н-блюза выглядит не совсем уместно, но это не беда. Но вот последняя вещь на диске, где нет ничего, кроме шутливых вокализов всех пятерых участников проекта, определенно выпадает из общего контекста, и я бы лично ее в альбом ни за что не включил, как, впрочем, и первый номер, где Гиллан смеется под спонтанные аккорды гитары. Нельзя же, в конце концов, вставлять в альбом что ни попадя. Тогда надо было записывать и человеческие шумы, производимые, пардон, в туалете. В общем, программируйте альбом до прослушивания, исключая обе пограничные дорожки.

Gnidrolog — Gnosis (1999)

Дата публикации: 13.07.2000

Gnidrolog кто-нибудь помнит? А ведь в 1971–1972 годах они издали два весьма солидных для тех времен альбома. Конечно, «мелюзгой» тогда «динозавры» и питались — при повальной-то тяге к жанру. Как мы видим, возобновление интереса — это тоже очень значимый фактор, раз двадцать лет спустя, как побросали «последние» гитары «гнидрологи» (я учился как-то на гидрологии суши — понимаете ассоциации?), они потянулись за ними опять (сами бы не позволили себе такого пророчества!), создали свою марку (мода пошла!) и в собственной студии насочиняли семьдесят четыре минуты того, что я бы смело назвал (ярким, мощным, энергетическим, впечатляюшим и т. д.) протопрогрессивом в лучшем качестве, но отнюдь не недонео. Ровно попалам инструменталов и песен.

Green — Life (2003)

Дата публикации: 13.07.2003

При всех очевидных положительных качествах альбом «Life» итальянской группы Green оставляет двойственное впечатление, что, прежде всего, связано с алогичностью его построения и отсутствием оригинальности в некоторых песнях. Если быть более точным, то три баллады, следующие друг за другом в самой «сердцевине» этого 13-дорожечного альбома (7, 8 и 9), содержат мелодичную музыку, которая отчетливо напоминает Pink Floyd, а точнее, его упрощенную версию. Им предшествуют две инструментальные пьески, также зачем-то размещенные рядом (5 и 6), обе из которых оригинальны, но интересна только вторая, состоящая преимущественно из великолепных «классических» соло и пассажей акустической гитары. И хотя все прочие семь песен более оригинальны, нежели три вышеназванные, дух некогда прославленной американской группы помп-рока Styx здесь несомненно присутствует. Если не считать симпатичного, но короткого, одноминутного, outro альбома, где совмещены романтический вокал и «сочные» пассажи string ensemble, то все песни, «обрамляющие» несимпатичную троицу, выдержаны в целом в единой стилистике. Это тот самый помп-рок в манере Styx (хотя, по крайней мере, ранний Styx много лучше) или, если использовать современную терминологию, классический американский хард-рок с элементами прогрессивного рока вообще и симфонического арт-рока в частности. Лучшим же — во всех отношениях — и единственно истинно прогрессивным номером альбома является «The Storm Inside»: инструментальная композиция, размещенная на десятой дорожке.

Если бы здесь не было трех баллад с крадеными структурами, я бы поставил (сорокапятиминутной) «Жизни» четверку, но поскольку остающиеся десять — это «бесцельно прожитые минуты», то на фиг такая продленная «Жизнь»? Три с плюсом, в общем.

Green Carnation — A Blessing In Disguise (2003)

Дата публикации: 15.08.2003

На трех из первых пяти песен альбома норвежской группы Green Carnation (похоже на нечто среднее между «Зеленой гвоздикой» и «Реинкарнацией») представлен мелодический хард-рок/соборный метал с элементами симфонического арт-рока, а на двух — наоборот: симфонический арт-рок с элементами хард-рока/соборного метала.

Все сделано весьма оригинально и со вкусом, но музыка, хотя и удерживается в рамках прогрессива (порой с трудом), все же очень доступная, если не сказать простая. Нет, это отнюдь не нео, но слишком много повторений одних и тех же тем в каждой вещи, инструментальные аранжировки бедноваты и не отличаются особым разнообразием. В общем, если Tchort и неплохой композитор, то хороших аранжировщиков рядом с ним ни черта нет. К счастью, все четыре песни, расположенные во второй части альбома, звучат на порядок интереснее. Стилистически, каждая из них представляет собой синтез всех выше названных жанров, и потому здесь больше смен тем, настроений и темпов, чем на любой их первых пяти. Итак, троечка с плюсом за первую половину альбома и четверка с плюсом за вторую. В общем, четверка — хотя бы за отсутствие каких-либо серьезных влияний «со стороны». Тем не менее любителей классических форм прогрессивного рока хочу предупредить, что когда при первом знакомстве это «хозяйство» будет радовать ваши уши, скука уже будет стучать в ваши двери.

Gromov Dmitry & Gorbov Alexey — Broken Circle (2004)

Дата публикации: 28.08.2005

Харьковский тандем поэта и писателя Дмитрия Громова и композитора и мультиинструменталиста Алексея Горбова представляет рок-оперу, в основе которой конфликт между диким животным и человеком, порождающий конфликт между животным и человеческим началами у человека. Сюжет насыщен драматизмом, трагедия проходит красной линией, но в конце мы имеем happy end (по крайней мере, с точки зрения традиционной морали), поскольку слепая жажда мести у человека в конце концов уступает место его прозрению, иначе — мудрости. Это подлинная рок-опера с изобилием великолепных певцов и певиц, многие из которых обладают настоящим оперным голосом и имеют отличное произношение английского. «Корни» некоторых вокальных тем можно легко отыскать в монументальной работе Andrew Lloyd Webber и Tim Rice «Jesus Christ Superstar», но в большинстве своем партии звучат свежо и независимо. В инструментальной палитре доминируют «струнные», оркестровые аранжировки, создавая гармонии и структуры типичные для легкой классической музыки. Компонент собственно рока выражен слабее и присутствует здесь в основном благодаря наличию ритм секции и электрогитары, причем гитара «работает» отнюдь не повсеместно. Вокальные и инструментальные партии (читай: элементы оперы и классической музыки) великолепно дополняют друг друга, но было бы много лучше, если бы последние были исполнены небольшим камерным ансамблем.

Хотя я понимаю, в какую сумму может вылиться проект, будь он исполнен исключительно «живьем», я бы рекомендовал авторам пойти на этот шаг, поскольку альбом хороший и имеет большие шансы быть изданным за рубежом и таким образом стать частью мировой культуры.

Grünberg Sven — Breath (1981)

Дата публикации: 09.02.2001

Свен Грюнберг — пожалуй, самый известный «соло-пилот» прогрессива в СССР — СНГ. «Обложенный» самыми модерновыми синтезаторами в любой «данный период» времени, этот «клавишный» композитор и музыкант, помимо рецензируемых здесь двух его дисков, выходивших ранее на единственном в СССР «монопольном мажоре» грамзаписи (с несколькими одноименными филиалами в разных городах, впрочем) «Мелодия», имеет несколько так называемых звуковых дорожек и других музыкальных произведений.

«Дыхание», первый альбом Грюнберга на «Мелодии», поражает богатством звуков, извлекаемых маэстро из «умных» (электрических!) клавишных инструментов, каждый из которых уже в начале восьмидесятых обладал некоторыми типично «компьютерными» данными. Все удобства, предлагаемые современными синтезаторами, Грюнберг успешно использовал для расширения собственной, мозговой «композиционной» базы. И, что касается «космической» тематики, получившей огромную популярность благодаря французской группе с незамысловатым названием Space (хотя Tangerine Dream, все оригинальные и новые участники этой группы, не говоря уже о многих других, преимущественно, впрочем, именно германских ансамблях — одних только производных от Ashra Temple было не менее полдюжины, — разрабатывали «космическую жилу» задолго до французов и на весьма более серьезном уровне), фантазию Грюнберга можно смело именовать безудержной, так как эстонский «соло-пилот» музыкальных космических далей опирался более на собственные оригинальные идеи, имея в виду «более серьезную германскую школу», нежели французскую. Таким образом, любители «вдумчивого», разнопланового, со множеством просто завораживающих тем при мощной поддержке со стороны великолепных эффектов космической электронной музыки не раз испытают блаженство, как бы растворяясь в бесконечных «космических сферах» альбома «Дыхание», особенно при прослушивании этого материала в наушниках.

Как истинно serious headphones album, «Дыхание» таит в себе множество «потайных уголков», свойственных подобной музыке, как и самой загадочной Вселенной. Так что «въехать» в него с первого раза не удастся даже самым опытным «вояжерам» музыкальных «космических далей».

Grünberg Sven — OM (1988)

Дата публикации: 09.02.2001

Если дебютный альбом Грюнберга на «Мелодии» тянет на «титул» псевдоконцептуального альбома , то его второй альбом-гигант уже нет. (Почему псевдо: невзирая на очевидную стилистическую целостность, характеристика любого подобного инструментального проекта всегда будет иметь приставку «псевдо» ввиду отсутствия лирики вообще и уж тем более концептуальной.) И хотя в самом начале здесь звучит как бы продолжение базовой темы предыдущего диска, все четыре инструментальные пьесы «ОМ», начиная уже с их названий, не имеют между собой ничего, что указывало бы на наличие какой-то концепции в рамках альбома. (Что касается меня лично, то я, как правило, тяготею к концептуальности в музыке: к примеру, такие шедевры, как «The Lamb Lies Down On Broadway» Genesis, 1974; «Apocalypse» Mahavishnu Orchestra, 1974; «Animals» и «The Wall» Pink Floyd; «Never Say Die» Black Sabbath, 1978; «The Graveyard» и «Them»/«Conspiracy» King Diamond; «Brave» Marillion, 1994 и т. д. воспринимаешь как увлекательные романы.) Действительно, уже первая дорожка, предложенная как финал «космической эпопеи» «Breath», начатой на предыдущем одноименном альбоме, резко отличается от остального материала. «Breath V», выдержанный как и все четыре предшествующие части в атмосфере, «богатой», прежде всего, полифоническим, насыщенным звучанием, сохраняет все «ингредиенты», составляющие весьма сложные и достаточно специфические spacey-структуры, характерные для дебюта Грюнберга в целом.

Начиная с «Reflections» слушатель, с «телефонами» на голове, более все же смахивающий на космонавта, чем на стрекозу или богомола, попадает в куда более разреженную атмосферу — словно из туманности в некоем неевклидовом пространстве выскочил в «обычную», более знакомую часть космоса — со скрещенными лучами звезд, впрочем, обычными. Видимо, не зря этот альбом был назван автором «ОМ», ибо, исключая уже описанную нами первую композицию, вся остальная музыка носит уже не «космический», а медитативный в определенном смысле характер. Spacey-структуры сменяются несколько аморфными, вполне соответственно определению ambient. Синтез последнего с тем, что сегодня определяется как world music, характерен для 3/4 частей альбома, следующих за «Пятым дыханием». Тут бы «второму дыханию» Грюнберга самое время вернуться, чтобы открыться «по-настоящему»; впрочем, «шестое чувство» также было бы кстати. Однако эстонский пилот, видимо, понимал, что необъятность космоса по сути эквивалентна бесконечности мира, и поклонников world music на матушке-Земле отнюдь не меньше, чем любителей spacey, а то и больше.

Смею их заверить, что такой оригинальной и где-то даже необычной world music, как в исполнении Свена Грюнберга, они еще не слышали. И где вы еще такую найдете, кроме как у Boheme Music? Ибо только там вы можете заказать альбом вашей мечты под всеобъемлющем названием «ОМ» (основная мантра в индийской медитативной практике: обозначает энергию единого Бога и, будучи повторяемой ежедневно несколько раз в течение дня, приводит в порядок мысли, умиротворяет, способствует восстановлению жизненных сил и нормализации всех физических и ментальных процессов в организме).

Halloween — Silence (1988)

Дата публикации: 20.03.2005

Я слышал все студийные альбомы гениальных Halloween, но я не помню названий многих песен, поэтому я затрудняюсь сказать, много ли неизданных номеров вошло в этот концертник. По крайней мере, не меньше пяти. Есть также один кавер — «House With No Door» от Van Der Graaf — просто замечательный, причем вокальные партии исполнены женщиной. В любом случае, эта уникальная, ни на кого даже близко не похожая арт-рок-группа будет откровением для всех, кто еще не знаком с нею. Здесь Halloween предстает в апогее своего творчества, в более чем отличной форме, принимая во внимание, насколько сложны их композиции для исполнения «живьем», и невзирая на факт, что здесь собственно песен больше, чем на любом из студийных альбомов группы. Певице Geraldine Le Cock (которая появилась в составе в 1992-м, ранее пел Jean-Philippe Brun) с ее волшебным голосом подчас удается сфокусировать внимание слушателя на себе. Однако инструментальная канва никогда не теряет нити, аранжировки всегда остаются сложными, в результате чего целостная картина предстает настолько разнообразной, что невольно приходит мысль: «Да разве кто-либо из исполнителей нео способны на такое!»

Эта коллекция немного уступает двум более поздним студийным работам Halloween: «Merlin» (1994) и «Le Festin» (2001, оба шедевры), но превосходит первые два, отмеченные, на мой взгляд, несколько чрезмерным вниманием к наследию мастера «ужастиков» H. P. Lovecraft. Самые искренние рекомендации.

Halloween — Laz (1990)

Дата публикации: 11.06.2005

Это уже далеко не первая моя рецензия, посвященная творчеству Halloween, и, само собой, сказав однажды, что каждый их новый альбом лучше предшественника, я могу лишь констатировать, что если «Merlin» (1994) и «Le Festin» (2001) — шедевры в полном смысле этого значения, то герой этого материала немного им уступает. Группа постоянно изменяла свое звучание, включая аранжировки вокальных партий, и представленные здесь мне видятся менее интересными, нежели более поздние, с Джеральдиной Кок у «главного» микрофона. Нет, не потому, что тексты на английском языке (кроме «Suburb») и поют лишь мужчины. Вся лирика базируется на конкретных произведениях мастера ужасов H. P. Lovecraft; вокальные партии для пущей необычности часто обрабатываются электроникой, но как-то не слишком убедительно выглядит все это нагнетание атмосферы страха. Получается гротескно, но отнюдь не страшно. Впрочем, это скорее дело вкуса, и я знаю многих, которые в отличие от меня не находят здесь никаких недостатков. Инструментальные же полотна, как обычно, уникальны и захватывающе интересны повсеместно: как в вещах с вокалом, так и в инструментальных композициях, коих здесь три, из восьми всего.

Очень редкий случай для современности: эта команда исполняет свой собственный бренд симфонического арт-рока, который не спутаешь ни с чем, даже с их собственными работами, как бы странно сие ни звучало. И последнее. Знаю точно: хотя это арт-рок, Halloween интересны даже сторонникам RIO.

Hamadryad — Safe In Conformity (2005)

Дата публикации: 04.03.2006
При участии Ашота Хуршудова

Группа Hamadryad образована во франкоговорящей канадской провинции Квебек и уже известна многим любителям прог-музыки своим замечательным дебютом, «Conservation Of Masses», первая партия которого была распродана всего через пять месяцев после выпуска.

«Safe In Conformity» — их второй альбом. Основа та же, за исключением того, что квинтет превратился в квартет. Певец Жоселин Белье покинул группу, а басист, Жан-Франсуа Десиле занял его место за микрофоном. «…А потом их стало четверо» — так можно было бы озаглавить этот релиз. Большая часть материала и вправду звучит так, как будто это альбом Genesis, который мог бы выйти когда-нибудь в далеком 1975 году, но так и не увидел света до настоящего момента. Жан-Франсуа Десиле произносит тексты на очень хорошем английском, пение напоминает Питера Гэбриела или раннего Фила Коллинза, хотя его соло на басе сильно отличается от исполнения Майка Резерфорда. Настоящий Хаммонд-орган занял здесь центральное место среди клавишных, а Франсис Дюсет делает все, что в его силах, чтобы доказать, что он мог бы стать отличным преемником Тони Бэнкса. То же можно сказать и о гитаристе Иве Жальбере, «Стиве Хэкетте», особенно тогда, когда Ив играет на акустической или полуакустической гитаре, которую можно слышать на протяжении всего альбома. Две коротенькие инструментальные композиции, насыщенные меллотроном, — «Sparks And Benign Magic» и «Gentle Landslide» — основаны на переходах классической гитары. Определенный уход в сторону от Genesis слышится в инструментальных секциях, где Ив Жальбер играет скоростное соло на электрогитаре, но продолжается это не долго. Большой сюрприз ждет слушателей во второй части альбома. Две песни — «One Voice» и «Polaroid Vendetta», — идущие друг за другом, как будто бы взяты из репертуара другой группы, работающей в стиле агрессивного прог-метала. Обе песни отличные и звучат уникально в отличие от других, и, должен сказать, мне они понравились больше.

Несмотря на огромное влияние Genesis, распространившееся почти на весь альбом, музыка интересна от начала до конца.

Happy The Man — Crafty Hands (1978)

Дата публикации: 18.07.2000

Musea начала переиздание американской легенды арт-рока семидесятых «номер два» (после Kansas) с их второго альбома, считающегося лучшим (а я их с первым ценю совершенно одинаково; всего у этой группы тогда вышло три диска, но недавно они реорганизовались почти в оригинальном составе (нет лишь Kit Watkins из Camel-79), чтобы уже в этом году издать четвертый альбом).

Действительно, это самый что ни на есть шедевр жанра, долгие годы бывший скрытым от нас по самым непонятным причинам (зато понятна причина перехода в Camel Уоткинса), хотя альбом был издан на той же знаменитой Arista, на которой в те же годы пылал «золотом» и «платиной» Alan Parsons. Наверняка этот шедевр наши лицензионных дел мастера (и слава Богу, что есть на Руси умельцы такие при народной-то нищете и крохотном тираже, едва ли Arista и Musea что-то потеряют, да вообще ничего, потому что человек, понимающий, что «фирма» есть «фирма», плюс имеющий деньги, опять-таки купит оригинал.

Железно один из трех лучших альбомов того года. Оригинален, но что-то от Camel все же есть (хотя Camel того же года здесь близко не стоит).

Hard Stuff — Bulletproff (1972)

Дата публикации: 26.12.2004

Имя Hard Stuff более или менее известно любителям хард-рока «старой школы»: прежде всего, благодаря тому, что оба их альбома были изданы Deep Purple на их собственной марке, которая в первой половине семидесятых была подразделением EMI и пользовался, таким образом, всеми благами и преимуществами доступными этой тогда крупнейшей звукозаписывающей компании.

Трио составили весьма именитые музыканты, оставившие свой след в рок-музыке далеко не только в рамках этой группы: басист и певец John Gustafson (ex-Jesus Christ Superstar, Quatermass, позднее Ian Gillan Band), гитарист и певец John Cann и барабанщик Paul Hammond (оба — ex-Atomic Rooster). Gustafson и Cann написали примерно равное количество песен для альбома «Bulletproof», к одной руку также приложили Ian Gillan и Roger Glover. Материал оригинален, но в целом типичен для раннего и среднего периода развития «сухого» хард-рока (без клавишных). Хотя есть и пара номеров классического, лишь утяжеленного рок-н-ролла. Если проводить параллели со всем известными командами жанра, то, по крайней мере, структурально музыка Hard Stuff ближе к Nazareth периода «Loud ‘n’ Proud» и «Razamanaz», нежели к любой из вышеназванных групп, в которых музыканты играли раньше и позже, не говоря уже о Deep Purple. Первая песня самая простая: даже нет гитарного соло, вторая лучше, а начиная с третьей, подавляющее большинство номеров в одинаковой степени энергичны и разнообразны.

Хороший альбом, но едва ли более того, «Bulletproof» станет сюрпризом для тех почитателей традиционного хард-рока, которые его не слышали, а таких, несомненно, немало. Кстати, MALS Records выпускает многие альбомы в виде изящных, великолепно оформленных mini-LP с обязательным вкладышем (с информацией и фото) внутри и наименованием группы и альбома на торце! Особенно удобными они должны быть для обладателей больших коллекций.

Heaven’s Cry — Primal Power Addiction (2002)

Дата публикации: 31.12.2002

Я почти уверен, что основатель этой группы — певец и ритм-гитарист Pierre St. Jean — это тот самый Петр Свят-Иоаннов, что был (формально гостевым, но) фактическим басистом Voivod во времена их наиболее «мягкого» прогрессивного периода — с 1991 по 1993 годы. И это не только потому, что Heaven’s Cry живут там же, где и Voivod, — именно в Монреале — главном культурном (и прочее) центре франкоязычных канадцев.

Фантастически-футуристическое оформление буклета их дебютного диска тоже вызывает определенные ассоциации, однако. Сложнее с музыкой. В целом это совершенно оригинальный (и даже — во многом — уникальный) прогрессивный рок, где днем с огнем не сыщешь никаких заимствований, но где тем не менее «пахнет духом» главного «Воеводы» музыкальных межзвездных баталий. Но не более того, и я отнюдь не уверен, что этот дух почуют многие, особенно если без подсказки. В общем, «Primal Power Addiction» — это оригинальный, уникальный (нет здесь тавтологии), очень сложный и очень-очень интересный альбом. Кстати соло и пассажи акустической гитары здесь просто удивительно «вплетены» в жесткие музыкальные полотна, которых, впрочем, на альбоме отнюдь немного. И уж коли я вспомнил здесь имя всемирно известного космического «Воеводы» (я его так называю, поскольку у нас с ним добрые отношения), замечу, что в целом любой из его «воинских» альбомов (не путать с дембельскими: вам «Воевода» что, призывник, что ли?) в целом порядком «тяжелее» героя этой рецензии. Да и «акустику», которая в «Primal Power Addiction» играет первые-вторые роли практически повсюду, «Воевода» не особо жаловал даже во времена своих мирных исследований чужих цивилизаций. Что касается сложности и — особенно — структурально спектральных аспектов песен, то «Воевода» здесь может кивнуть, пожалуй, только на своего приятеля Люцифера из внешних и потусторонних пределов (Jack Luminous из «The Outer Limits»). Спускаясь на Землю, хочу сказать, что только две песни из одиннадцати, что на этом диске, представляют собой прог-метал с элементами арт-рока, тогда как пять из них — совсем наоборот — арт-рок с элементами прог-метал. Примерно в равных пропорциях оба эти жанра представлены на трех композициях, а еще одна — не что иное, как «чистый» арт-рок. Впрочем, слово «магия» применимо как к любой из песен альбома, так и к альбому в целом, что, впрочем, было очевидно уже по первой части предложения.

Однако слово не воробей, тем более что я вовсе не собирался наращивать массу рецензии за счет пустословия. Так получилось… И вот уже два лишних предложения здесь. Нет, теперь три. Не обращайте внимания. Лучше — скорейшим образом обогатите свою коллекцию этим шедевром. А медиум его, между прочим, хотя и «фирменный» аристократ «с головы до ног» (или в обратном порядке: кому как удобно при демократии, особенно нынешней), стоит всего около четыре доллара. И — «уедете», неважно, любитель ли вы серьезного арт-рока или прог-метала.

Helreidh — Memoires (1997)

Дата публикации: 09.03.2003

О, це ж гарни итальяньски парубки Helreidh; давно я их не бачил, не слухал.

Многообещающая была команда (по слухам, они распались в 2000-м, но слухи — они и на вкрайне слухи). И альбом этот мне знаком — оригинальный, достаточно сложный и весьма убедительно прогрессивный метал с обилием аранжировок в рамках симфонического арт-рока и даже с элементами классической музыки. Также — с великолепными вкраплениями пассажей пианино, акустической гитары и соло синтезатора и с добротным вокалом. Из двух инструменталов на альбоме («пограничные» дорожки), второй — просто потрясающий. Здоровеньки булы!

Присутствие на альбоме духа музыки эпохи Возрождения является одним из его замечательных аспектов. Всегда мысленно поощрял подлинно вдохновенные работы и тяготение к развернутым эпическим формам, а этот альбом просто соткан из таковых. Helreidh’s «Memoires» — это настоящая классика и пример исключительно творческого подхода к творчеству. Недооценка шедевров и альбомов, близких к этому статусу (здесь, возможно, из-за акцента, но мало ли таких?), к сожалению, само по себе «классическое» явление. Так что искренние и настоятельные рекомендации без каких-либо сомнений или оговорок. Шо за мова!

Helreidh — Fingerprints Of The Gods (1999)

Дата публикации: 15.08.2003

С момента выпуска предыдущего альбома Helreidh и до издания «Fingerprints Of The Gods» прошло два года, но, однако, на альбоме из шести песен только три оригинальных произведения группы — они расположены на первых трех дорожках альбома. А на оставшихся трех представлены обработки классики хеви-метал, включая «Loneliness Of The Long Distance Runner» с безусловно самого прогрессивного альбома Iron Maiden «Somewhere In Time» (1986). Короче говоря, признаки если и не полного кризиса, то творческой усталости музыкантов на этом альбоме более чем очевидны. При все еще сохраняющемся вкусе, произведения Helreidh, представленные здесь, звучат намного проще (и мягче), чем любые из их ранних работ. Причем первая вещь — это уже не прогрессив-метал как таковой, а протопрогрессивный хард-н-хеви в сочетании с элементами симфонического арт-рока. Две последующие вещи, однако, поинтереснее, и десятиминутная «Migrations» во многих отношениях близка к классическим Helreidh. В «периодической таблице» третьей песни группы тяжелые элементы не представлены вообще, но звучит она без них весьма неплохо. Что касается обработок чужих вещей, то здесь музыканты действительно постарались, и любая из них безусловно прогрессивнее оригинала. Кстати, «забойная», скоростная «Loneliness Of The Long Distance Runner» звучит здесь вообще неузнаваемо: музыканты Helreidh сделали из нее классический симфонический арт-рок с элементами прог-метала.

В общем, хотя «Fingerprints Of The Gods» определенно знаменует собой шаг назад в творчестве Helreidh, хорошей оценки (даже чуть выше, пожалуй, если оглянуться на Bob Catley и Dragonland) он все же заслуживает.

Highest Place — Dilemma’s (2005)
!
Дата публикации: 23.02.2007

Канадская франкоязычная провинция Квебек бесконечно богата талантливыми прогрессивными коллективами. «Dilemma’s» — второй альбом Highest Place, и я должен сказать, что давно я уже не слышал столь глубокой и экспрессивной тяжелой музыки, как та, что представлена здесь.

Программа оригинальна, что называется, с головы до пят, но само собой, если рассматривать альбом, учитывая структурные, стилистические и прочие особенности, общие для интеллектуального, гиперсложного, бескомпромиссного прог-метала, возможность найти точки соприкосновения с некоторыми другими исполнителями есть. И тогда можно смело сказать: «Если вам по душе такие альбомы, как: „A Social Grace” Psychotic Waltz, „Burnt Offerings” Iced Earth, „Sophisticated” Sieges Even и иже с ними, вы будете на седьмом небе с „Dilemma’s” тоже». Аранжировки как лабиринт, с бесконечными ответвлениями, с множеством преград, обходить которые для подготовленного слушателя огромное удовольствие, которое к тому же возрастает с каждым последующим прослушиванием. Как звездолет в субпространстве, группа «выныривает» из одного измерения, чтобы несколько мгновений спустя оказаться в другом, попутно (и с легкостью) то замедляя, то ускоряя темп, вдобавок постоянно изменяя ритмический рисунок. Относительный отдых представится лишь на двух небольших «станциях»: «Above Ourselves We Must Pass» и «Temporary Out Of Order», каждая из которых мне видится как дуэль между двумя соло акустических гитар. Для ПроГфессора нет никакой дилеммы — связываться с «Dilemma’s» или нет. Настоятельные рекомендации для всех любителей замысловатой музыки и вообще, только запаситесь терпением — и награда не заставит себя ждать.

Horrified — Deus Diabolus Inversus (2002)

Дата публикации: 11.05.2003

Поговорка гласит: мол, в Греции все есть. А вот иная поговорка: на всяку поговорку найдется оговорка! Это царица всех поговорок, смысл которой — оговорить самое себя — только некоторым может показаться бессмысленным. В данном случае оговорка такая: есть в Греции и «такая» музыка, но какого качества?

Протопрогрессивный дум-метал с элементами черного и смертельного метала (действительно, очевидны только в вокалах) и вкраплениями синтезаторного симфонизма в исполнении потрясенных, шокированных греков (и как это с ними могло случиться?), само собой, далек от высокого качества. Печально-грозный, не иначе, рык Шерхана мрачнейших музыкальных сфер (горе луковое, «смертельные» вокалы) периодически перебивается трескотней Stavros («чернушные» вокалы). Вот удивили! Из общей стилистической картины альбома выпадают три дорожки: 4, 8 и 13, две последних из которых, исполненные гитаристом (на акустической гитаре) с участием гостей (скрипка плюс женский вокализ и флейта), интересны в отличие от всех прочих здесь.

Возвращаясь к альбому в целом, надо заметить, что возможны некоторые стилистические аналогии с Bathory и My Dying Bride. Однако Horrified далеко даже до этих, не самых выдающихся команд жанра.

Hrossharsgrani — Schattenkrieger (2002)

Дата публикации: 11.05.2003

Двадцать музыкантов, певцов и болтунов (чтецов по-английски) «трудились» над сим, а кто на чем, над чем, и зачем — неизвестно. Неоготик/дум-метал с оркестровками а-ля классик (ударение на втором слоге) и чуть ли не оперными подчас вокалами (все — на немецком). Но дело в том, что собственно музыке на этом диске общим звучанием в сорок минут отведено всего около половины «территории». Вторая половина занята болтовней, криками толпы и лошадей и т. д. и т. п. Это не просто дорожка к короткометражному фильму, а короткометражный аудиофильм целиком. Бред, одним словом. А ведь при ином подходе все могло быть совсем иначе…

Hughes Gary — Once And Future King (2003)

Дата публикации: 04.04.2004

Хотя и надоели мне все эти бесконечные рок-оперы о королях Артурах и Мерлинах (их действительно развелось столько, что и подсчитать вряд ли удастся), нельзя не признать, что это, пожалуй, одно из лучших творений Gary Hughes, считая альбомы Ten, а также его многочисленные контрибуции, в том числе и для Bob Catley.

Музыка — добротный во всех отношениях протопрогрессив, а если говорить точнее, симфонический хард-рок с элементами легкой классики и оперы. Помимо квинтета инструменталистов и около десятка вокалистов, представляющих в основном всем известные персонажи, альбом содержит большое число партий настоящего оркестра и смешанного хора. Приятно порадовал факт, что из двадцати песен баллад всего четыре, причем второй диск содержит только одну. Главное, однако, в том, что баллады отнюдь не слащавые, но качественные, плюс каждая содержит интересные инструментальные аранжировки, как и подавляющее большинство собственно песен. Все-таки, что ни говори, рок-оперы «британской школы» намного искреннее, чем все прочие, какими бы незамысловатыми в композиционном отношении они ни были. Четверка твердая — безо всяких скидок на жанр. Хотя любителям прогрессива (включая нео) все это, что называется, на один зубок.

Еще раз стоит, наверное, повторить, что диджипаки производства CD-Maximum, безусловно, одни из самых лучших в мире.

Ian Gillan Band — Clear Air Turbulence (1977)

Дата публикации: 14.03.2004

Прежде всего, мне необходимо признать, что я попросту не «въехал» в «Clear Air Turbulence», когда услышал альбом в далеком отрочестве и, к сожалению, ни разу не возвращался к нему, чтобы переосмыслить ранние впечатления, которые весьма часто не слишком надежны, чтобы на них опираться и в зрелые годы. Нет, мне по-прежнему симпатичен «Magic» 1982 года, но теперь он уступил первенство герою данной рецензии. И стало понятно, отчего непонятен мне был альбом двадцать лет назад. За исключением нескольких риффов в четвертой вещи, здесь нет никакого хард-рока, с которым имя замечательного Иэна Гиллана как правило ассоциируется почем зря. На альбоме представлен классический и тем не менее абсолютно уникальный и, что главное, потрясающе интересный джаз-фьюжн. Пять песен из шести состоят преимущественно из интенсивных аранжировок, просто исполненных всего того, что делает музыку прогрессивной. Вплетение партий акустических инструментов, которых здесь изобилие, непосредственно в базовые, плотные структуры дает потрясающий эффект. А какое великолепное сочетание дает классический, сложный, потрясающе виртуозно исполненный джаз-фьюжн с бесподобным вокалом Гиллана? Это надо слышать! Вот и выходит, что неслучайно в первый состав Ian Gillan Band вошли музыканты, чьи вкусы формировались на Mahavishnu Orchestra, Return To Forever, Colosseum и даже Soft Machine, а не Deep Purple. Певец всеми силами стремился «убраться» подальше от всяческих стереотипов, связанных с его основной, что ни говори, группой, и заявить о своих амбициях в отношении более серьезной музыки, что ему более чем удалось! Само собой, альбом не попал ни в какие чарты, но это как раз и не являлось целью для Гиллана и его соратников в те годы.

Наряду с ранними работами Brand X (до 1979-го года) и с первым творением UK (1978) «Clear Air Turbulence» является одним из лучших альбомов жанра, изданных во второй половине семидесятых. Самые искренние рекомендации для всех, по крайней мере, всеядных прогловеров, кто, погружаясь в любую глубокую музыку, чувствует себя как рыба в воде. Нельзя не высказать слов восхищения и в адрес компании CD-Maximum, качество продукции которой резко возросло во всех отношениях. Судя по всему, все альбомы Иэна Гиллана, переизданные здесь (и отнюдь не только они), вышли в виде так называемых диджипаках. Как самые из самых навороченных виниловых альбомов, это настоящие произведения искусства, представляющие собой триединство музыки, литературы и изобразительного искусства.

Ian Gillan Band — Scarabus (1978)

Дата публикации: 22.06.2004

Невзирая на неизбежность влияния Deep Purple — группы, в которой Гиллан провел несколько лет, — подавляющее большинство сольных альбомов певца звучат удивительно свежо, независимо и оригинально, будучи также почти неизменно отмечены подлинным знаком качества. Несомненно, в этом заслуга не только самого Иэна, но и, возможно в большей степени, его аккомпаниаторов.

«Scarabus» входит в число выше обозначенных работ, хотя музыка здесь намного проще, чем на «Clear Air Turbulence», несомненно, лучшем альбоме Гиллана, по крайней мере, с прогрессивной точки зрения. (В общем и целом, шедевром я также считаю «Magic», 1982). Это уже не классический джаз-фьюжн, а скорее синтез облегченного «просто» фьюжн и мягкого хард-рока, причем с выраженным влиянием новой волны, только вошедшей в моду в те годы. Тем не менее музыка достаточно выразительна и, что особенно ценно, исключительно оригинальна. Впрочем, уже только голос певца — одновременно неповторимый и мгновенно узнаваемый, а также его исключительно экспрессивная манера пения, — делают альбом привлекательным для всех без исключения ценителей хорошей рок-музыки. Гиллан — один из очень немногих вокалистов, чье пение неизменно вызывает ощущение «мурашек» на коже. Я просто не представляю, как такие работы можно оценивать ниже «выдаваемых» высокотехничными (но) подражателями любой категории. Мораль: не хочешь, не пей, но не плюй в хороший компот, даже если шеф-повар там ноги моет.

Ice — The Saga (2005)

Дата публикации: 23.02.2007

Группа «Лед» шлет привет не из Антарктиды и даже не из Исландии, а из Страны тюльпанов и дамб, Голландии.

На своем дебютном альбоме «The Saga» эти молодые ребята играют весьма качественный нео (иногда ступая даже на территорию классического арт-рока), исполненный хорошо продуманных аранжировок и запоминающихся мелодий. С другой стороны, однако, их музыку оригинальной не назовешь. Молодежь, которая проявляет столь недюжинное мастерство в исполнении, могла бы более серьезно отнестись, собственно, к репертуару. Однако посторонних веяний в альбоме много, особенно со стороны Marillion, Rush, Genesis, Eloy, Yes и Asia. Если быть более точным, то я говорю о творчестве этих команд в первой половине и середине восьмидесятых, что видится добрым знаком в связи с первыми двумя названными бенефакторами, неплохим в случае со следующими тремя, но Asia — когда они вообще играли настоящий прогрессив? Что касается вещей, которые не вписываются в рамки эскиза, который я, приводя примеры, набросал выше, то таковых только три. «Not Only Love» — хеви-метал-баллада, что-то между Arena и Queensrÿche. «No Choice» — типичный «тяжелый» помп-рок, который был широко распространен и популярен в начале восьмидесятых, напоминает Kansas, Saga и Ian Gillan Band того периода. Наконец, «This Battle» заканчивает альбом, одновременно являясь его самым интересным (плюс свободным от влияний извне) номером — в стиле атмосферного space fusion.

В целом альбом имеет звучание, явственно вызывающие ассоциации с прогрессивным mainstream первой половины восьмидесятых. Чувствуется, что у группы есть серьезный потенциал, и, по-моему, они должны продолжить именно в этом направлении, только, как лично мне хотелось бы, чтобы их индивидуальность превалировала над влияниями, а не наоборот, что мы имеем в данном конкретном случае.

Iconoclasta — Adolescencia Cronica (1989)

Дата публикации: 20.03.2005

Перед вами мексиканские протестанты (хотя там сплошь католики в Мексике), герои арт-рока восьмидесятых, но только в классическом понимании. Первый диск «иконоборцев» вышел почти одновременно с дебютом Marillion «Script For A Jester’s Tear», однако ввиду сложности представленного материала диск остался незамеченным. С самого начала, группа взяла курс на оригинальное звучание, и ни один толковый слушатель не осмелится проводить прямые сравнения между Iconoclasta и кем-либо. Все композиции инструментальные и выдержаны в едином ключе. Это почти исключительно скоростной, динамичный и насыщенный, симфонический арт-рок с элементами классической музыки и порой весьма жесткими структурами, благо в группе два гитариста. Музыканты выжимают все возможное из своих инструментов и напоминают мне бесстрашных наездников, готовых загнать своих «коней» ради достижения цели. Что касается арт-рока, на мой взгляд, не было в Мексике лучшей группы в восьмидесятые годы. Впрочем, Iconoclasta и сейчас остаются в авангарде направления, поскольку хороши, наверное, все их альбомы, без исключения. (Я не слышал только первые три диска, но читал о них.) Любовь критиков всех возрастов и направлений, эта гениальная группа, к сожалению, так до сих пор и не смогла получить адекватную реакцию на свое творчество со стороны любителей арт-рока. Уж больно сложной, подчас слишком тяжелой и необычной кажется их музыка. Зато те меломаны, которые как минимум всеядны в отношении прогрессивных жанров, знают, что делают. Подтекст сказанного очевиден.

Iconoclasta — En Busca De Sentido (1989)

Дата публикации: 22.05.2005

«En Busca De Sentido» — пятый по счету альбом Iconoclasta, одной из самых выдающихся и, кстати, самых стабильных в творческом отношении арт-рок-групп, возникших в восьмидесятые. Диск был издан на исходе того же года, что и «Adolescencia Cronica», хотя в каталоге Musea Records они ошибочно представлены в обратном порядке. Не столь важно. Материал великолепен, альбом мне очень нравится, как и его предшественник. Что тут еще особого добавить, зная, что в композиционном и стилистическом отношении, а также качественно, это родственные работы? Все просто: если вам понравился «Adolescencia Cronica», смело берите этот альбом. Если же вы недавно подписались на «Вестник», еще не знакомы с этой группой, но готовы поверить мне на слово, прочтите сперва рецензию о его предшественнике.

Imagin’aria — La Tempesta (1999)

Дата публикации: 10.05.2006
При участии Ашота Хуршудова

«La Tempesta» занимает вторую позицию в дискографии Imagin’aria и знаменует мое второе ознакомление с творчеством этой итальянской группы. (Ранее я уже прослушал их более поздний альбом «Esperia».) Чем глубже я вникаю в творчество Imagin’aria, тем больше осознаю, что некоторые аспекты моего знания итальянского прогрессива разбиваются о стену полной независимости этой группы от их национальных традиций в этом жанре. Так, тексты песен здесь на их родном языке, но способ их подачи вовсе не итальянский. Если бы я не знал происхождения группы, я был бы почти уверен, что они с территории Северной Америки — США или Канады. Видение музыки Imagin’aria очень оригинально, но у них есть свойство закладывать большое количество различных тем в непродолжительные песни, что приводит к сжатости, динамичности и в то же время очень разноплановому звучанию. В этом отношении они напоминают мне Dreadnaught и Bubblemath.

Музыкальные события в «La Tempesta» развиваются иначе, нежели в последнем альбоме группы, который более однороден стилистически. Сходства неизбежны в подобных случаях. Но, если я вижу корову, я должен сказать: «Это корова»; в противном случае это будет поэтическим злоупотреблением, а в рецензиях подобные штучки непозволительны. Открывает альбом «Bassa Marea», представляющая из себя комбинацию из гитарного арт-рока и прог-метала, очень динамичная и переменчивая, равно как и остальные композиции на альбоме. На второй дорожке, «Ci Credi Tu?», появляются переходы и соло на классической акустической гитаре и фортепиано, что далее становится неотъемлемой частью музыки до самого конца альбома. Эта песня, а также «Verso Il Tramonto» продолжают направление, заложенное в «Bassa Marea», с меньшим количеством резко выраженных гитарных риффов, но, с другой стороны, с большим количеством симфонических структур. Во второй же части альбома можно заметить, что «тяжесть» постепенно уходит, делается больший упор на партии акустической гитары и фортепиано, которые все чаще замещают электронные инструменты. Все выше сказанное также применимо к любой из оставшихся трех композиций. Однако стилистически «Le Piume Di Callisto» и «Solo Un Gesto» ближе к классическому симфоническому арт-року в его чистом виде, в то время как четырнадцатиминутная «La Canzone Del Navigante» — уже совершенно иная история. Здесь группа демонстрирует интригующий электроакустический джаз-фьюжн. И это было приятным сюрпризом, особенно потому, что я вовсе не ожидал от группы подобного поворота событий!

Будучи под впечатлением от последней работы Imagin’aria, я изначально был предрасположен и к этому альбому, и он не разочаровал меня. «La Tempesta» так же можно считать шедевром, и он почти ни в чем не уступает «Esperia».

Imagin’aria — Esperia (2002)
!
Дата публикации: 10.05.2006
При участии Ашота Хуршудова

«Esperia» — третий альбом Imagin’aria. Предыдущие: «In Un Altro Quando» (1996) и «La Tempesta» (1999) — оба так же были выпущены компанией Lizard.

Как истинный прогловер, я счастлив сознавать, что современное прог-движение не просто существует, но оно настолько богато и разнообразно, что многие группы, создавшие и продвигающие это направление могут гордиться. Начав с такой возвышенной прелюдии, я раскрыл все карты и, думаю, всем ясно, что рецензия будет положительной. Вы знаете, дорогие читатели, что хвалебные рецензии писать намного сложнее, чем критические? Многие, если не все, рецензенты согласятся со мной без колебания. Так вот здесь мы имеем очередной блестящий альбом, и, конечно, одним из его достоинств является оригинальность. Здесь нет пауз между дорожками. Более того, порой бывает нелегко определить окончание одной композиции и начало другой. Поэтому можно говорить об альбоме «Esperia» как о полноценном концептуальном произведении. Большинство песен здесь не очень длинные, но вокальные и инструментальные аранжировки каждой из них поразительно разнообразны и переменчивы. Преобладающей стилистикой является не прог-метал, типичный для Dream Theater и подобных, и не симфонический арт-рок с элементами прог-метала, как в случае с Magellan, и т. д. Это очень хорошо сбалансированная комбинация двух этих жанров, где тяжесть прог-метала воспринимается на самом деле неотделимо от пышности и сложности арт-рока.

В общем, как ни крути, «Esperia» — это замечательная работа. Один из шедевров 2004 года. Прогловеры найдут здесь все, что делает музыку неотделимой частью их жизни.

Immolation — Unholy Cult (2002)

Дата публикации: 11.05.2003

Кроме выше названных «штатных» участников группы, в работе над диском якобы принимали участие также четверо гостей, однако в буклете альбома нет информации об их роли здесь. Впрочем, и на самом альбоме нет ничего, кроме партий пары гитар, барабанов да рева. А для этого нехитрого хозяйства вполне хватило бы квартета. И снова «традиция»… Традиционный, банально-брутальный (если не сказать грубее), простой как дважды два смертельный метал представлен группой с затасканным названием на коротком альбоме с ординарным титлом, в который запихнули целых восемь потрясающе однообразных композиций. Нет, здесь я не собираюсь говорить о «единой стилистической концепции», так как нет никакой концепции в альбоме, который — суть барахло, многократно пережеванное, но, как всегда, несваримое. Даже гитарных соло здесь мало, и есть они отнюдь не на всех дорожках.

В общем, Immolation — это не Atheist или Pestilence, а просто жертвы собственного увлечения примитивной некроскелетологией, а может и еще чего они жертвы…

In Nomine — Mythos (2005)

Дата публикации: 07.01.2006

Второй альбом испанской команды In Nomine (вышедший аж пять лет спустя дебютного, «Mutatis Mutandis»), в лирике базируется исключительно на мифах древней Греции: иначе говоря, он концептуальный. Причем тексты лишены символизма, рассказ ведется как бы от лица самих героев.

«Открывашка» «Хронос» — единственная на альбоме инструментальная пьеса, — невзирая на ее относительную краткость, является полноценной арт-роковой композицией с небольшим влиянием «метала». «Hypnos Suite», размещенная прямо посредине альбома, — никакая не сюита, а песня балладного характера: ничего себе, но наименее интересная. Прочие композиции хороши и разнообразны: от симфонического арт-рока средней сложности («Ares»), через квазифьюжн на «Pandora», до синтеза этих направлений с некоторыми «металическими» вкраплениями на «Zeus, Son Of Cronus», причем последние три — лучшие вещи альбома. Пятнадцатиминутный «Sisyphus» был, несомненно, задуман как кульминация и оказался бы таковой, если бы не был затянут. По большей части инструментальный, опус начинается и заканчивается с очень выразительных «дуэлей» между двумя акустическими гитарами — классической и испанской. Основная тема также вызывает положительные эмоции, но середина композиции, наполненная медленным монотонным «жужжанием» синтезатора, оставляет меня в недоумении.

Возвращаясь к альбому в целом, надо добавить, что музыка достаточно оригинальна, но характерные трехголосные партии хора сильно напоминают подобные у Echolyn. К счастью, таковых не много. В целом хотя и не шедевр, с моей точки зрения, альбом более чем просто хороший. Рекомендации, пожалуй, для всех категорий любителей симфо-арт-рока, хотя тем, кто слушает только самые доступные формы жанра, понравится не все.

In The Woods… — Live At The Caledonien Hall (2003)

Дата публикации: 14.12.2003

Уникальный альбом. Я раньше никогда не слышал этой группы, но знакомство с ней стало для меня откровением. Нелегко обрисовать музыку In The Woods…, поскольку она более чем разнообразна и, будучи исключительно оригинальной, вмещает в себя тем не менее множество музыкальных жанров.

Большинство песен сложны как в отношении композиции, так и стилистически, а развитие аранжировок на них просто непредсказуемо. Я бы сказал, изумительно непредсказуемо. Прог-метал, соборный метал, симфонический и гитарный арт-рок, альтернативный рок (в лучшем виде!) — все это части мозаики (и то, пожалуй, не все), сложить которые воедино вам не удастся при первых прослушиваниях альбома. Здесь великолепно все: продолжительные, развернутые инструментальные партии, мужской вокал (всегда «чистый»!) и женский, который не имеет себе равных, пожалуй, вообще. Понимаю, что нелегко согласиться с моим последним определением — до тех пор, пока альбом не прослушан, конечно. Из более или менее простых структур состоит только «Интро» и первая вещь на первом диске (идет под номером два), а далее начинается сплошная магия, которая достигает своей кульминации в середине диска и продолжается вплоть до последнего аккорда на втором носителе.

Самые настоятельные рекомендации, в том числе для любителей классического прогрессивного рока. «Въезжайте» на здоровье!

Inkubus Sukkubus — Heartbeat Of The Earth (1995)

Дата публикации: 09.03.2003

Призрак демонических Inkubus Sukkubus (в одном лице? надо же!) восстал из ада. У этой команды есть что-то общее как с The Gathering, так и с Barra, к примеру, где все ведущие партии вокала также исполняют девушки. Хотя, конечно, The Gathering более сильная группа, чем Sincubus (симбиоз имен двух самых злостных совратителей особей противоположного пола звучит, по-моему, актуальнее оригинала). Из этого следует, что стилистика музыки Sincubus — в данном случае на альбоме «Пульс Земли» — представляет собой сплав неопрог-метала и фолк-рока с элементами готики, исключительно щедро обогащенный симфонизмом, но весьма незамысловатый. Отсюда второе сравнение — с Barra, а отнюдь, скажем, не с The Morrigan и даже не с Iona. Хороший материал для начинающих любителей прогрессива и тех, для кого мелодический и доступный неофолк-рок/метал с характерным женским вокалом когда-то стал, да так навсегда и остался откровением.

Thanks to: Винни-Пуз.

P.S. Само собой, Винни-Пуз (Винни-Пух в младенчестве) умел писать, но не умел писать, так что автор отклоняет свой собственный протест еще до его подачи. Что же касается кажущегося противоречия в предыдущем предложении, то мало ли противоречий на свете, включая так называемые вопиющие? По мне, так здесь вообще бессмыслица: никогда не слышал воплей противоречия.

Inquire — Melancholia (2003)
!
Дата публикации: 28.08.2005

Двойник «Melancholia» — это третий студийный проект замечательной германской группы Inquire, которая, к сожалению, прекратила свое существование вскоре после его релиза. Нет, трио не распалось, но ребята сменили название и переключились на коммерческий джаз, модный в немецких трактирах: весьма типичная история для современной истории прогрессивного рока.

Собственно «Меланхолия» — это название первого диска; второй называется «Welcome To My Rock And Roll», причем музыка столь различна, что каждый диск подлежит отдельному описанию. Первый звучит семьдесят пять минут и состоит из десяти дорожек, половина из которых инструментальные композиции, с постоянным развитием событий и удивительно интригующей атмосферой. Две из пяти песен содержат лишь две-три вокальные линии, да и оставшиеся три отнюдь не перегружены вокалом. (Показательный фактор — немой упрек тем рецензентам, кто непонятно по каким причинам причисляет Inquire к категории нео.) Все композиции даны в рамках единой стилистики: исключительно оригинальный и разнообразный симфонический арт-рок с элементами space rock и классической музыки, где встречаются также жесткие структуры, ориентальные мелодии и даже диссонансы. Музыка пронзительно драматична и исполнена той особой одухотворенности, которая у нас, слушателей, ассоциируется с «волшебством». Абсолютный Шедевр, с большой буквы. С долей фантазии можно сказать, что «Welcome To My Rock And Roll» — это лучший и наиболее необычный рок-н-ролл, что я когда-либо слышал. (Нет здесь никакого рок-н-ролла, по существу.) Пять инструментальных композиций формируют двадцатиминутный мини-альбом серьезной классической музыки, исполненной прог-роковой группой посредством симфонического арт-рока, иногда с привлечением элементов прог-метала (на первой и последней дорожках: «Allegro Maestoso» и «Final»). Определенные параллели можно провести с наследием Мусоргского и Холста, а также последним альбомом Mekong Delta «Pictures At An Exhibition». Соло органа, пианино и клавесина, сочные пассажи «струнного оркестра», даже звучание гитары — практически все здесь исполнено «духом» классической музыки, который невозможно спутать ни с чем.

Ни в коем случае не упустите этот двойной шедевр, который тем более стоит как одиночный диск. Вы можете также прочесть мою более раннюю рецензию на этот альбом.

Into Eternity — Into Eternity (1999)

Дата публикации: 23.11.2002

После прослушивания дебютного и одноименного альбома канадской группы Into Eternity у меня вышло нечто вроде гороскопа на него. (Скорее, horror-scope, впрочем, так как музыка здесь весьма мрачная.)

Все десять песен альбома в целом находятся в рамках единой стилистической сферы, составляющими которой, в свою очередь, являются исполнение, но, прежде всего, композиция и аранжировка. Жало скорпиона, направленное из восьмого дома (смерти) непосредственно в центр этой новой музыкальной сущности, оказало бы на него крайне негативное влияние, если бы благоприятный аспект стилистического единства не был поддерживаем со стороны старого гиганта thrash. Лишь отдельные «смертельные» лучи смогли пробить брешь в железном панцире гиганта и добраться до «Стремящихся в вечность». Однако, даже при этом «СВВ» (не путать с «Экс-ББ»!) смогли каким-то образом объединить оба оппозиционных фактора в единый вектор контраста, который по нраву «металоголовым»* широких взглядов и легко проникает в их умы. (*Это английское выражение «metal-heads» (сродни «machine-heads» и т. д.) на самом деле звучит как «увлеченные металом».) В данном случае, впрочем, речь идет о прог-метале умеренной сложности. А если сформулировать стилистику музыки дебюта «Стремящихся в вечность», то получится следующее: синтез классического и неопрог-метала на основе thrash и с некоторым влиянием death metal. Причем это влияние проявляется только в трети всех вокальных партий в альбоме. Из чего логически следует, что две трети вокальных партий принадлежат обычному человеческому голосу. Присутствие классического метала в программе обусловлено, по большей части, инструментальными партиями, где сольные пути электрической и бас гитары весьма сложно сочетаются с «проходами клавишей».

Вокальные партии следуют по большей части в сопровождении гитарных риффов и громоподобных ударных, а такие сочетания не относятся к непредсказуемым. Тем не менее значение термина «нео» может применяться в отношении столь жесткой в целом музыки лишь весьма условно (как доступность). Да и вообще, ежели мне ориентироваться на собственный вкус, то этот состав (и альбом, соответственно) мне куда более по душе, нежели (ежели — нежели, да никого «мы» тут не нежили!) такие типичные (слащаво-мелодичные) представители неопрог-метала, как Rhapsody, Royal Hunt, Stratovarius и т. д.

Into Eternity — Dead Or Dreaming (2001)

Дата публикации: 23.11.2002

Количественная консистенция второго альбома канадских поборников жесткого прог-метала Into Eternity «Dead Or Dreaming» (русским эквивалентом чего вполне может быть «Помер аль замечтался?»), также, как и в случае с их прошлогодним дебютом, определяется числом десять (песен).

Нынче «Стремящиеся в вечность» выдали более сложный и интересный, но вдобавок и более (в целом) брутальный материал. (Да, в оригинале название группы звучит более категорично — «В вечность», — но здесь это не слишком увязывается с философски-аморфным названием альбома.) От нео не осталось и следа. Несколько изменилась даже собственно музыка группы. Теперь стилистику альбома едва ли можно определить иначе, нежели как смесь из прог-, death- и дум-метал весьма мрачного, а порой и зловещего характера. Уравнялось количество «добрых» и «злых» вокальных партий. Что, впрочем, является весьма распространенным явлением в данном поджанре метала, где лирика часто представляет собой диалоги между положительным и отрицательным героями. (В роли последнего, кстати, здесь чаще всего выступает «Сам» — дьявол, сатана, Люцифер и т. д.) Меньше стало и клавишных соло (как вы можете видеть выше, «органист» теперь даже значится вне состава). С другой стороны, появились (все ради того же контраста) женские «ангельские» вокализы.

Хотя первый диск Into Eternity и хорош, и более мягок, чем «Dead Or Dreaming», этот все же определенно является шагом вперед. Те, кому я могу настоятельно рекомендовать эту команду, знают, кто они есть. На всякий случай, впрочем, назову пару известных имен для дополнительного ориентира: Iced Earth и Therion.

Да, надо также сказать, что оба первых диска «Стремящихся в вечность» были (в оригинале) изданы голландской фирмой DVS Records. Но после обретения группой более «конкретного» брутального звучания на втором, к ним поступило предложение от мажорно-кошмарного «Отита» (Earache: кто к ушнику ходил, тот точно знает…), куда они тут же и соскочили (как и Wolverine, кстати, о которых речь впереди, но эти пристали к иной мажорной пристани в море метала). Руководителя DVS Records — Rene Janssen (он также является основателем и организатором крупнейшего в Голландии прог-фестиваля Prog Power) — это, впрочем, не слишком расстривает. Свою задачу он видит как раз в поддержке начинающих. А инкубаторы, как вы знаете, едва ли менее важны, чем питомники…

 

Isildurs Bane — Cheval (1989)
!
Дата публикации: 20.11.2006

После нескольких лет борьбы за определение собственной музыкальной индивидуальности, во время которой группа обнаружила себя где-то между симфоническим арт-роком и джазом с фолковым уклоном (третий и четвертый альбомы), Isildurs Bane вошли в свою зрелую фазу — с альбомом «Cheval». «Сейчас», показывая действительно отменные результаты, они уже более чем готовы к встрече с их собственным видением симфонического прогрессива.

Оркестр (The Hallandsensemblen Orchestra) эффективно придает музыке классические оттенки, местами напоминая Грига, Прокофьева, Дебюсси, а участники группы исполняют отличные, изысканные мелодии. Рояль — здесь самый видный клавишный инструмент, а гитарные партии временами напоминают «кримсоновские». Роль оркестра имеет особое значение в первой, третьей и четвертой дорожках: великолепие «Initiation», высокодуховная насыщенность «The Interpreter» и загадочное спокойствие «33 Years», где прекрасно сочетается игра группы и оркестра. Дорожки 5–7 представляют самую неожиданную часть альбома, особенно потрясает момент, где вводится экзотический рисунок ритма, прокладывающий дорогу к «The Cicerone».

В общем, это великолепный альбом, прослушав который вы становитесь свидетелем зарождения наиболее интересных направлений современного симфонического прогрессива. С выходом альбома «Cheval» Isildurs Bane переродилась в одну из самых глубоких и уникальных групп, причем среди самых передовых проводников прогрессива всех времен и народов. Одни из немногих подлинных титанов жанра, едва ли в чем-то уступающие его знаменитым зачинателям.

Ivory — Sad Cypress (1980)

Дата публикации: 11.06.2005

Германская Ivory долгое время была (да и сейчас, пожалуй, остается) одной из самых неизвестных групп и одной из самых лучших из неизвестных групп. Единственный их альбом безупречен, великолепен, и странно, что целый год музыканты провели в поисках фирмы для его издания (Jupiter Records, 1980). Здесь поистине уникальный случай. Когда Ulrich Sommerlatte собрал коллектив, ему было шестьдесят пять лет! Выпускник консерватории, он уже в двадцать два года стал руководителем и дирижером Ганноверского симфонического оркестра. Не раз я говорил, что от симфонического арт-рока до классической музыки один шаг: в начале семидесятых Ulrich буквально влюбился в английский прогрессив. В итоге маэстро пришел к твердому убеждению о необходимости формирования собственной рок-группы, что в результате привело к созданию удивительного по своей глубине, красоте и выразительности альбома. Вокал отменный, но если он выдержан в традициях театрально-драматического арт-рока (основатели Genesis) и, скажем, узнаваем, то музыка потрясающе оригинальна и просто исполнена волшебства. Более того, четыре весьма продолжительных дополнения (записанные ближе к середине восьмидесятых), которые Ulrich и Musea включили в данное CD-переиздание, порой превосходят базовый материал, открывая новые горизонты творчества пожилого, но столь юношески вдохновленного и азартного бывшего классического композитора.

Разочарованные слабой дистрибуцией диска и отсутствием более или менее приличного гонорара, молодые музыканты покинули мастера в середине восьмидесятых, и группа была предана забвению. Огромная удача, что Musea Records спасли этот замечательный альбом и сделали его доступным для прогловеров, подавляющее большинство которых даже понятия не имело о его существовании. Вот, наконец, этот шедевр появился и в России…

Jeremy — Celestial City (1997)

Дата публикации: 30.10.1999

И снова — к лучшему альбому очень известного американского гитариста я вернусь в деталях (по-моему, в большинстве случаев детальные рецензии и призваны служить описанию нюансов наиболее весомых работ).

На сегодняшний день это пока предпоследний альбом Jeremy. Музыка, как обычно в целом для Джереми, очень «светлая», умиротворенная (очень выдающийся факт в прогрессивном роке, столь богатом на «настроения» — от агрессии до меланхолии). Много разнообразных инструментальных тем, сыгранных в «классическом» ключе (вспомните гитарные акустические пьесы, к примеру Steve Hackett), изобилие клавишных, в данном альбоме выдержанных в духе spacey.

Конечно, Джереми — универсал, отменный мультиинструменталист (все партии инструментов кроме «живых» ударных — его), но в первую очередь, конечно, просто исключительно оригинальный гитарист. Вы не услышите в творчестве Jeremy скоростных «поливалок» на скрежещущей гитаре, но насколько изумительны его «флюидные», «плавленые» соло! Один из ведущих мастеров звукоизвлечения на электрогитаре… Для тех, кому по душе стилистика «всего» в целом Mike Oldfield и «позднего» (после 1983 года) Hackett.

Диск издан на крупнейшей в США независимой прог-марке Kinesis.

Josefus — Get Off My Case (1993)

Дата публикации: 29.01.2005

Как это чаще всего бывает со мной, не слишком я расположен к американским образчикам раннего прог-рока. Мне кажется, они действительно стали частью движения лишь в начале семидесятых. Да здесь, в общем-то, речь и не о прогрессивной музыке. На альбоме представлен добротный, но традиционный блюз-рок с влиянием все того же гениального Хендрикса, который, впрочем, с детских лет жил в Англии (и помер, кажется, там же). Малое количество отдельных инструментальных партий или преобладание вокальных тем, если хотите, свойственно большинству песен. Позитивными исключениями являются одноименная с альбомом дорожка и последняя, длинная, эпически гипнотическая композиция «Dead Man», которая содержит так мало вокала, что воспринимается как инструментал. Примечательно, что второй номер начинается с соло на барабанах, которое почти неотличимо от исполненного John Bonham на «The Rover» с цеппелиновского «Physical Graffity». Не верите? Проверьте. Тем более что две лучшие композиции звучат едва ли не в пол-альбома.

J.L.F.L.Q. — Motivos Para Perderse (1996)

Дата публикации: 20.06.2004

Герой этой рецензии, полное имя которого José Luis Fernández Ledesma Quintana, начинал в известной мексиканской группе Nirgal Vallis. С 1996 года музыкант выступает под своим именем и добился на этом поприще достаточно широкой известности среди любителей прогрессивной музыки. «Motivos Para Perderse» — его второй сольный альбом, и, как и в случае с первым, основным партнером Луиса здесь является известная мексиканская певица, работающая под псевдонимом Alquimia, хотя ее имя на сей раз и не красуется на обложке диска рядом с его. В сольной дискографии музыканта всего два альбома, официально изданных им в соавторстве с кем-то. Второй вышел в 2000-м: с Margarita Botello, которая с тех пор является постоянным участником проекта.

В отличие от большинства сольных работ Луиса, относящихся к жанру RIO, «Motivos Para Perderse» соткан преимущественно из классических симфонических структур. Иначе говоря, здесь представлен арт-рок. Причем его оригинальность и глубина сродни лучшим работам в этом направлении, известным каждому. Радикальные сторонникам жанра, случайно «обжегшиеся» с более авангардными произведениями этого музыканта, пожалуйста, обратите на это внимание. Персонально вам я настоятельно рекомендую данный альбом, а также «Designios» (2003).

J.L.F.L.Q. — Sol Central (2000)

Дата публикации: 28.11.2000

Герой этой рецензии, полное имя которое включает в себя еще два слова (принято так у них — порой указывать полное имя), в действительности чем-то схожий с Колумбом, так как своим творчеством ни много ни мало действительно открывает новые направления прог-рока, свой второй альбом вообще и для великолепной мексиканской марки Luna Negra в частности (скоро двуязычные в лингвистическом смысле читатели, имеющие доступ в интернет, смогут прочесть на сайте Прогрессора второй (!) обзор этой компании, а сего до сих пор в истории «прогинета», кажется не было; кстати — об этом сложном предложении с повторением слова «второй» — здесь тавтологии нету) издал в содружестве с певицей Margarita Botello. «Центральное солнце» — это просто уникальное произведение, сотканное из волшебных нот музыки и волшебных нот пения. Пока сами не услышите, не сможете оценить. Альбом в целом удивительно оригинален, хотя, как мне определенно кажется, вырос этот изумительный плод на дереве RIO. Но в целом музыка и пение здесь настолько независимы от всего слышанного ранее, что только тот, кто уже «собаку съел» в нашем жанре, поймет, почему на яблочном, к примеру, дереве, выросла среди прочих яблок не груша и даже не ананас, а нечто вообще неизвестное, просто чудесно вкусное, и вкус этот совершенно нов, но все же «съевший собаку» видит, что вырос этот неведомый плод на яблоне — просто видит. И хотя вкус говорит другое, хотя бы обратное, вывернутое наизнанку и посыпанное сверху сахарной пудрой, «съевший собаку» понимает, что пудра (уже как пыль в глаза(х) — это ему-то?) мешает видеть и яблоню, но память у него, слава Богу, хорошая, да и доверяет он ей как и ушам своим.

JRS — Wings Of Gold (1999)

Дата публикации: 30.10.1999

Под инициалами JRS скрывается (еще один) мультиинструменталист Jeffrey Ryan Smoots (гитары, вокал, клавишные, бас). В составе, как и у Jeremy, здесь еще числится также лишь барабанщик. А музыка — весьма отлична от произведения, описанного выше. Джеффри, напротив, тяготеет к весьма скоростной подаче (типичного, т. е. весьма доступного для быстрого «понимания») неопрог-метала (хочу заметить, что балл альбому я выставил именно лишь в рамках этого жанра). Единственный инструментал, открывающий альбом оказывается в итоге (после прослушивания программы целиком) лучшей его композицией, которую даже можно было бы отнести к так называемому классическому (богатому разнообразными аранжировками) прог-металу. Все прочие дорожки — суть просто песни с откровенной хард-роковой «базисной» темой (куплет — припев), но при весьма выразительном изложении инструментальных частей (посередине, конечно).

Чрезвычайно высокий, я бы сказал, вокал.

В целом ничего выдающегося, но манера исполнения пооригинальнее многих известных групп, проповедующих неопрог-метал.

Karmakanic — Entering The Spectra (2003)

Дата публикации: 14.12.2003

Как вы можете видеть выше, Karmakanic — это новая супергруппа, состоящая в основном из знаменитых шведских музыкантов, не нуждающихся в специальном представлении. Лидером и одним из ведущих композиторов здесь является басист Jonas Reingold. Его замечательные виртуозные соло всегда на переднем плане аранжировок: либо вместе с партиями гитар и клавишных, либо вообще возглавляют их — в «атмосферных», которые помимо базовых структур присутствуют практически на каждой дорожке. И кстати, он единственный, кто вносит в музыку Karmakanic элементы джаз-фьюжн. Основу же альбома составляют (на равных) классический симфонический арт-рок с небольшим количеством элементов джаз-фьюжн и синтез всего этого «хозяйства» с прогрессивно-соборным металом. (Я не оговорился: именно прогрессивно-соборный метал, «папой» которого является Black Sabbath.) Одна композиция с наличием вокала представляет собой союз арт-рока и классической музыки с некоторым количеством элементов все тех же PCM и JF. Всего на альбоме десять дорожек, восемь из них песни, но вокала там, в среднем, чуть более трети, остальное пространство занимают инструментальные аранжировки — всегда развернутые, сложные, полные неожиданных и смелых решений и всего того, что необходимо для настоящего классического прогрессивного рока.

Помимо баса, а также ударных, конечно, на альбоме доминируют акустическое пиано, синтезаторы и электрогитара. Однако великолепные пассажи акустической гитары есть почти в каждой песне тоже, тогда как партий меллотрона и органа совсем немного. Из двух инструменталов первый, открывающий альбом, краток и включает в себя только медленные пассажи синтезатора, соло вездесущего баса и female narration (фраза «женский речитатив» не слишком точно отражает это явление). Пьеска называется «Intro», чем собственно и является. Давать ей какие-либо иные характеристики, по-моему, неуместно. Вторая инструментальная композиция — на предпоследней дорожке альбома (я бы поместил ее в середину). Это нелегко представить без прослушивания, но представляет она собой не что иное, как маленький концерт классической музыки для бас-гитары. Песни, представляющие синтез арт-рока и прог-метала исключительно оригинальны и импрессивны. Те же, что созданы в рамках арт-рока, имеют определенные аналогии с The Flowers Kings и таким образом с Pink Floyd. Было бы странно, если бы этих аналогий не было вообще, но лучше бы их действительно не было, поскольку рейтинг «страдает», прежде всего, именно из-за них. Однако непонятно, почему этот отличный, по меньшей мере, альбом был издан на Regain Records, а не на Inside Out.

Katar — Paradigma Digitized (2002)

Дата публикации: 14.03.2004

Этот альбом отличает очень оригинальный замысел, который, однако, был исполнен не на все сто, по крайней мере, в моем понимании. Использование как собственно электроники, так и ее достижений, в сочетании с дум-металом и музыкой Востока дает положительный результат, а собственно результатов подобного эксперимента здесь целых три. Еще одна песня — в том же духе, но без восточной изюминки, и здесь количество семплерных звуков превышает лимит, установленный мной, впрочем, только для самого себя. Электронный death metal, представленный на четвертой дорожке, мне совершенно безразличен. Зато композиция, идущая следом, а также две последние песни на альбоме очень хороши. Стиль — симфонический space rock с элементами как дум-, так и прог-метала, местами отдаленно напоминающий Tiamat’s «A Deeper Kind Of Slumber» (1997). Впрочем, музыка в целом достаточно оригинальна, чтобы избежать прямых сравнений.

Некоторый, но явный избыток семплованных партий, а также краткость программы (смотри заголовок) не позволяют мне оценить ее выше, чем на «просто хорошо». Что, впрочем, тоже хорошо, по-моему, невзирая ни на какие тавтологии, тем более что они кажущиеся.

Kayak — Merlin: Bard Of The Unseen (2003)

Дата публикации: 15.08.2003

«Merlin: Bard Of The Unseen» — на сей день безусловно лучшее «прогрессивное приобретение» CD-Maximum за все годы активности компании и, несомненно, лучший альбом в истории самой группы. Примечательно, что Kayak, пожалуй, единственная команда из старой гвардии, которая достигла творческого пика не в начале своей музыкальной карьеры, а на закате ее, да еще в нынешние времена — не слишком благоприятные для жанра, если не сказать большего. Ton Scherpenzeel, написавший подавляющее большинство музыки и лирики для альбома, включая оркестровые аранжировки, просто гений, герой! Kayak не только не стали добротной пародией на самих себя, как Focus, к примеру (о жалкой пародии, как в случае с Rousseau’s «At The Cinema», даже вспоминать не хочется), напротив, они вознеслись к таким высотам, о которых прежде, видимо, и мечтать не могли. Взять первый «Merlin» (1981) — куда ему до «Bard Of The Unseen»! Раньше мне бы и в голову не пришло ставить на одну доску Kayak и Camel, к примеру, а теперь я осмелюсь утверждать, что новый альбом Kayak лучше любого из трех альбомов Camel, изданных ими в девяностые (последнего я не слышал). Более того, в наши дни Kayak превосходят большинство «титанических» групп жанра, работающих до сих пор, и вряд ли во многом уступают даже лидерам — King Crimson и Yes. Тогда как так называемые современные лидеры — Ayreon, Transatlantic и даже Flower Kings — до уровня «новых» Kayak определенно не дотягивают.

На альбоме представлен великолепный, оригинальный, по-настоящему интересный классический симфонический арт-рок, да еще с оркестром! Здесь замечательно все: пассажи скрипок, гобоев, арф, пианино, акустической гитары и, само собой, партии рок-инструментов. Великолепны как вокалы, так и обширные инструментальные полотна с развернутыми аранжировками, а таковые в наличии на каждой дорожке альбома.

«Merlin: Bard Of The Unseen» — уж точно один из десяти лучших альбомов выпущенных всеми «динозаврами» за последние десять лет. Эх, пою дифирамбы, благо есть за что!

KBB — Lost And Found (2000)

Дата публикации: 09.02.2001

Это первый действительно «крутой» альбом в жанре классического (симфонического) арт-рока из огромного числа слышанного мной японского прогрессива вообще. Им нет равных, прежде всего, в RIO — наиболее «гибком» (и сложном) из прогрессивных жанров, — здесь японцы, пожалуй, далеко оставили позади даже американцев (а эти в основном только рок-в-оппозиции и умеют играть по-настоящему здорово, так как этот стиль не потерпит «в себе» всяких «дополнительных», исключительно местного характера «прибамбасов», из которых вечная, неуклонная тяга к дешевому опошлению, то есть опопсению, даже самого казалось бы отменного материала — наигнуснейшая из метаморфоз в мире рок-музыки вообще). Хороши японцы и во всем, имеющим то или иное отношение к джаз-фьюжн. Наконец, достаточно прослушать Mongol и Happy Family, чтобы понять: японцы — первые, кто умудрились столь гармонично и столь замечательно, в конце концов, объединить в единое целое все три основных жанра прогрессива — арт-рок, прог-метал и джаз-фьюжн.

И вот, наслушавшись до обалдения сплошь до сих пор неудачных «японских» попыток сделать настоящий, классический в истинном смысле слова «артешник» (без примесей: это для тех, кто мог бы возразить, используя такие имена, как Outer Limits или Ain Soph — последнее прошу не путать с современным псевдоготик-барахлом из Италии), наконец-то дождались. Все хорошее (неплохое, как минимум), что до сих выдавали японцы в «столбовом» жанре прогрессива до сих пор было лишь в рамках нео (Novela, Theta, Pageant… — да зачем это я собрался перечислять как минимум пару десятков групп?). KBB уже на своем дебютном альбоме создали оригинальный (ОК, я слышу некоторые «инфлуэнции» UK в первую очередь, но в целом музыка-то совершенно иная!), истинно «бомбастиковый» симфонический арт-рок со всеми здесь необходимыми (удивительным!) богатством и разнообразием аранжировок, виртуознейшим исполнением как в «общей атаке» группы, так и в солировании (особенно старается лидер-скрипач-гитарист). Ну и ритм-секция «пашет» так, что времени для передыху ни музыкантам, ни слушателям практически нет.

В Стране восходящего солнца распустился очень пышный, колоритный, я бы сказал, даже отважный как самурай первый «цветок» арт-рока европейского классического образца.

Ken’s Novel — Domain Of Oblivion (2004)

Дата публикации: 27.02.2005

Бельгийская группа Ken’s Novel была образована в 1997-м. Некоторое время спустя они выпустили свой первый альбом «The Guide», который был восторженно воспринят любителями нео (но и только). «Domain Of Oblivion» — их второй альбом, и, надо сказать, группа не потратила напрасно несколько лет, поскольку этот диск намного сильнее дебюта. Конечно, не все прошло гладко со сменой первоначальной музыкальной ориентации, но местами и в этом направлении прогресс налицо.

Хотя альбом стилистически весьма разнообразен, понятие концептуальности применимо к большинству композиций. Исключениями являются единственная инструментальная пьеса «The Magnifying Glass» (spacey music) и 21-секундная вокальная шутка «Peaceful?», непонятно для чего размещенная на альбоме вообще и тем более на отдельной дорожке. Также я не вижу смысла в отделении «Rejected» от третьей дорожки «Empress Of The Frozen Sea», поскольку они попросту неразделимы, связаны единой композиционной линией. Но это не столь важно, если важно вообще. Тем более что эта «парочка» вместе с двумя другими самыми продолжительными дорожками — «Sadfield» и одноименной с альбомом — представляет группу в апогее развития. Все три имеют много общего и представляют хорошо сбалансированную комбинацию прог-метала и арт-рока. Плюс только эти три содержат также элементы камерной музыки, привнесенные сюда гостевыми музыкантами. Жаль, что участие скрипачей весьма ограничено. Я догадываюсь, почему их, скажем, не попросили сыграть и в прочих композициях, так что я еще вернусь к этой теме. Хотя относительно короткая (чуть более четырех минут) «Distorted Reflection» также великолепна. Это классический прог-метал. Три песни средней продолжительности — «Crowd On Sail», «Voices» и «The Hallucinogenic Lake» — схожи, как и лучшие три вещи, но здесь аранжировки, развивающиеся вместе с вокалом, отнюдь не глубоки, что в сочетании с солидным числом повторений дает картину, характерную для нео. Однако «свободные» инструментальные аранжировки здесь исполнены в самых добрых классических традициях. К сожалению, без абсолютно прозрачных композиций не обошлось. Таковых здесь две, хотя они и самые короткие среди песен. Отсюда совершенно ясно, что группа планировала не только привлечь внимание сторонников серьезного прогрессива, но также не потерять своих старых фанов, и эта задача была, по-моему, успешно ими решена. Более того, именно такие разноплановые альбомы, как «Domain Of Oblivion», как правило, являются необходимой для начинающего прогловера (равно как и не слишком замкнутых в рамках нео сторонников этого направления) ступенью для проникновения в более сложные формы арт-рока.

Kenso — Esoptron (1999)

Дата публикации: 10.05.2006
При участии Ашота Хуршудова

Прогрессивный метал от Kenso? Да, восемь лет спустя после джаз-рокового «Yume No Oka» эти талантливейшие японцы выпустили поистине уникальную работу, «Esoptron». Тяжелые, гипнотические, местами маниакальные (в хорошем смысле слова) риффы, постоянные изменения основной тематики, виртуозные соло, оригинальные аранжировки и просто убивающий драйв — вот те вещи, которые содержит альбом, да и звучит он в русле старых добрых семидесятых. Да, может показаться странным, но это Kenso с их неповторимой оригинальностью! И все же все любители прогрессивного (заметьте это!) хард-рока и в особенности поклонники Led Zeppelin (особенно первого диска «Physical Graffiti» плюс первая песня со второго), вам этот альбом должен понравиться в первую очередь, невзирая на то, что здесь присутствуют некоторые элементы джаз-фьюжн.

Kerrs Pink — A Journey On The Inside (1993)

Дата публикации: 06.07.2005

Четвертый альбом норвежцев Kerrs Pink, «A Journey On The Inside», мне нравится больше, чем «Tidings» (2002, последний на сегодняшний день их диск), — отчасти из-за того, что здесь группа все еще предстает как небольшой камерный рок-ансамбль, благодаря присутствию в составе двух скрипачей и флейтиста и их массивного вклада в общее звучание. Влияние традиционного арт-рока и Camel в частности, как всегда, местами заметно, но в значительно меньшей степени, чем в позднейшем периоде творчества. Гораздо больший упор здесь делается на скандинавскую (за неимением лучшего определения) народную музыку и собственно на оригинальность мышления, чего у Kerrs Pink в былые годы было, что называется, не занимать. «A Journey On The Inside» представляет собой сбалансированную смесь всех вышеназванных направлений и качеств при примерно равном количестве доступных и сложных аранжировок, что делает альбом привлекательным для очень широкой аудитории, ориентированной на арт-рок. Функционально арт-рок, иногда с элементами классической музыки, лежит как бы на поверхности, являясь конечным продуктом, тогда как в базисе музыки преобладают «народные» структуры. Проводником вокала (на английском языке) здесь является мультиинструменталист Harald Lytomt и две девицы, чье пение, схожее с оперным, придает особую пикантность вокальной палитре и существенно разнообразит ее. Впрочем, несколько композиций инструментальные.

Альбом если и не шедевр, то очень хороший, изобилующий достоинствами: здесь есть мощные и сложные аранжировки, красивые соло, яркие мелодии плюс немного волшебства. Для большинства любителей арт-рока это «Путешествие…» будет увлекательным. Сорри за плоский каламбур.

Kerrs Pink — Tidings (2002)

Дата публикации: 10.05.2006
При участии Ашота Хуршудова

С четыремя новыми участниками «на борту», один из которых, Freddy Ruud, сочинил большую часть «Tidings», команда викингов музыкального корабля Kerrs Pink заявляет, что их новое путешествие наполнено интересными приключениями, как никогда раньше.

Прежде всего, должен заметить, что музыка, представленная здесь звучит свежо и достаточно оригинально. Всегда рад новым современным группам, исполняющим прогрессивный рок, особо не подверженным влияниям стереотипов. Стилистически четыре из семи композиций, содержащихся в альбоме, представляют собой синтез классического арт-рока и прог-метала с элементами дум-метала. К ним относятся «Hour Glass», «Yumi Yeda», «Mystic Dream», «Le Sable s’Est Écoulé», последняя из которых — единственная инструментальная вещь на альбоме. «Hour Glass» чуть проще остальных, но будучи одной из тяжелейших композиций она заряжает слушателя словно аккумулятор. Три оставшиеся из указанных выше композиций исполнены всех важных прогрессивных ингредиентов и сопровождаются хорошо отточенными и разнообразными аранжировками. В отличие от других, эти три изобилуют духовыми и струнными инструментами, и они, пожалуй, лучшие. «Shooting Star» и «Moments In Life» — классический симфонический арт-рок, где тем не менее присутствие прогрессивного дум-метала более чем заметно, особенно в инструментальных аранжировках. Также отмечу, что в любой из первых трех песен содержится примерно равное количество вокальных и инструментальных партий, оставшаяся же часть в основном состоит из инструментальных полотен. Не секрет, что Kerrs Pink являются поклонниками Camel; особенно много об этом говорится в интернете. В «Tidings», пожалуй, только гитарные соло могут напомнить об Andy Latimer.

Khymera — Khymera (2003)

Дата публикации: 13.07.2003

Боже мой! Видать, хорошие бабки заплатили the people at Frontiers Records старине Стиву, чтобы с каким-то неизвестным бесталанным итальянцем, впрочем, глядящим с буклета что твой Наполеон, перепеть чужие (!) хиты, причем не в оригинальных версиях, а усредненных (пожалуй, даже, униженных) до примитивного AOR.

Эта краденая, как ни крути, музыка не имеет отношения даже к хард-року как таковому, не говоря уже о более прогрессивных жанрах. Что же касается Frontiers без frontiers, то их с явственно коммерческой направленностью деятельности и этими шовинистскими заморочками с приглашением звезд «поиграть с местными» я начинаю просто презирать. А так как любой вид презрения (и иже), даже справедливого, идет во вред самому источнику таких эмоций, то впредь рецензировать совместные «итало-иностранные» проекты этой марки я категорически отказываюсь.

Kopecky — Kopecky (1998)

Дата публикации: 23.02.2007

Дебют уже широко известного трио братьев Kopecky. Для многих меломанов этот диск видится пиком группы, который ей уже едва ли когда-то удастся снова покорить. Удивительное смешение высокотехничного прог-метала с музыкой Аравии, Турции, Индии, представленное на этом альбоме, действительно поражает воображение до сих пор. Когда слышишь их изощренные пассажи, мгновенно вызывающие образы Востока, можно даже удивиться, что эти парни живут в Штатах — настолько все продумано, тщательно сверено с «оригиналами» образцов. Даже названия некоторых вещей, как, например, «Al Aaraaf», исконно восточные, говоря обобщенно. Кроме одной все композиции в альбоме инструментальные, превалирующие тона эмоционального спектра мрачные, развитие действа в большинстве случаев непредсказуемое. Что еще нужно продвинутому прогловеру, чтобы спокойно встретить вечер?

Kurgan’s Bane — Camouflaged In Static (2005)

Дата публикации: 01.10.2006

«Camouflaged In Static» — третий альбом группы Kurgan’s Bane из штата Мэриленд, США. Около пяти лет назад я ознакомился с их предыдущей работой — «The Future Lies Broken» (2000), но я до сих пор не слышал их дебютного релиза «Search From Sea To Sea» (1999). Все музыканты Kurgan’s Bane за исключением лидера группы Пита Лэрами одновременно являются участниками группы Sonus Umbra.

С чем же пожаловали Kurgan’s Bane после пятилетнего молчания? С одной стороны, видны заметные улучшения в плане композиции, но с другой — многие старые проблемы у группы все еще остались не решенными. Мне понравилось пение Лизы Фрэнсис в последнем альбоме Sonus Umbra, «Digging For Zeroes», но она определенно не может найти свое место в Kurgan’s Bane. Ее вокал слишком мелодичен для подобной музыки. Более того, кажется слабым на фоне хрустких гитарных риффов. Было бы лучше, если Лиза и Джефф Лерами «менялись местами» за микрофоном, как в Sonus Umbra, но Джефф, чей динамичный голос прекрасно бы подошел к такой музыке, по какой то причине здесь вне игры.

Единственное произведение на альбоме, представляющее собой традиционный хард рок, — «I’m Alive» — открывает его. Все остальные девять дорожек представляют собой прог-метал с элементами арт-рока и отнюдь не лишены оригинальности, но по общим структурным характеристикам не очень сильно отличаются от типичных для Rush (от кого и пошло данное направление), причем Лиза временами поет в манере, типичной для Гедди Ли. Песни «Override», «Surface», «Time Has Come», «Signal To Noise», «Regret» и «Martyr» во многом исполнены в том же стиле, хотя последняя из них вдобавок ко всему имеет выраженный симфонический дух и изобилует пышными проигрышами на синтезаторе. Инструментальные аранжировки разнообразны и интересны, но, говоря откровенно, для меня непросто воспринимать те из них, что сопровождаются вокалом, так что впечатляют в основном только сами инструментальные партии. Неудивительно, что мне здесь понравились следующие дорожки (и я уверен, они и есть лучшие на альбоме): «The Spectator», в котором вокальная и инструментальная части приблизительно равны, по большей части инструментальная «Mirage», в которой группа достигла своего прогрессивного апогея, а также «Asstro», единственная инструментальная композиция.

Альбом «Camouflaged In Static» является лучшей работой Kurgan’s Bane на данный момент. Но, увы, программа мне интересна (исключительно интересна, впрочем) только на инструментальном уровне, хотя мое мнение о несовместимости вокала и музыки как таковой, возможно, кому-то покажется нелепым.

King Crimson — The ConstruKction Of Light (2000)

Дата публикации: 13.07.2000

King Crimson, он как и Asia (кругом вода-вода: помните?) непотопляем, не то что там титанишко из портовой породы. Ну что ж, пять лет спустя еще один хороший альбом. Но мне кажется, за эти годы можно было бы и чуть получше выдать, ведь фатанеют уже не дети, в ожидании-то. Думать некогда — очень много проектов, с которых трясти надо («зелень», пожалуй).

King Diamond — House Of God (2000)

Дата публикации: 13.07.2000

King Diamond мне понравился, но чуть меньше, чем предыдущий «Вуду». Клавишных хватает, порой диск чуть смахивает на «Глаз» 1990-го года, но чем?.. Явно не солью. Так до конца и не понял, хотя слушал трижды (ОК, 2,5 раза — я ж работая и слушаю).

Kvazar — A Giant’s Lullaby (2005)
!
Дата публикации: 07.01.2006

Еще один из мощнейших релизов года: «A Giant’s Lullaby». Второй альбом норвежской группы Kvazar, он оказался на порядок сильнее их одноименного дебюта 2000 года. На звучание также повлияло более широкое использование знаменитых еще по семидесятым меллотрона, органа Хаммонда и подобных клавишных инструментов.

На альбоме десять дорожек, и восемь из них с вокалом. Лидер группы Andre Jensen Deaya поет либо соло, либо в окружении небольшого «хора», который он создал благодаря вокальным семплам и наложениям. Тем не менее вокал является скорее сопутствующей, а не центральной частью общей музыкальной палитры, поскольку количество инструментальных аранжировок превышает число смешанных на каждой из песен. Первая композиция «Flight Of Shamash» несколько проще, чем любая из последующих и содержит несколько явных повторений ранее сыгранных тем. Здесь есть интенсивные арт-рок-маневры, но большая часть музыки соткана из атмосферно симфонических полотен, причем вокал временами напоминает Enigma. Группа поступила весьма мудро, расположив эту песню в самом начале, как бы в преддверии, альбома, поскольку для некоторых она послужит ступенькой к пониманию материала в целом. «Choir Of Life» и «Dark Horizons» следуют, следуя :-) в русле классического симфонического арт-рока скандинавской школы и собственно дебютного альбома. Однако наличие в данном альбоме элементов фолка с одной стороны и полное отсутствие тяжелых гитарных риффов с другой создают определенные трудности для сравнения его с предшественником. Инструментальная пьеса без названия продолжает линию предыдущих дорожек, но здесь во главе аранжировок неожиданно оказываются соло акустической гитары. Начиная с четвертой позиции, картина изменяется существенно и не только благодаря активному участию гостевого саксофониста Odd Andre Helle Holm.

На своем втором альбом Kvazar предстает как группа разнообразно мыслящих людей, чьи музыкальные горизонты не ограничиваются рамками традиционного (классического) арт-рока, как это было в дебюте. «Dreams Of Butterflies» несет в себе элементы квазиджаза и фьюжн и весьма логически заканчивается «джемом» чисто импровизационного характера, который, впрочем, был размещен на отдельной, пятой, дорожке и представлен без названия. Нижеследующие композиции: «Spirit Of Time», «Desert Blues», «Sometimes» и одноименная с альбомом просто гениальны, являя собой исключительно гармоничное сочетание симфонического арт-рока и джаз-фьюжн.

Last Tribe — The Uncrowned (2003)

Дата публикации: 04.04.2004

Не позволите ли снова начать с вопроса? Спасибо. С чего бы это знаменитого «арт-рокового» барабанщика Jamie Salazar потянуло на «тяжесть»? В Швеции немало команд, играющих симфонический прогрессивный рок, помимо The Flower Kings и Kaipa. Выбор был сделан, однако, в пользу малоизвестной неопрог-метал-группы Last Tribe, и поверьте, Джейми — лучший музыкант на альбоме. Его одновременно мощные и сложные партии пришлись бы более чем кстати для серьезного коллектива жанра, а здесь только он один и выделяется — и вкусом, и виртуозной техникой исполнения. Вокалист поет в манере Mats Leven (из Abstract Algebra и многих других), а музыкальный материал представляет собой хотя отнюдь и не откровенную копию Dream Theater, то все одно и то же направление, только с небольшим количеством прогрессивных аранжировок. Зато с обилием (очень надоедливых) подпевок американской школы и многократными повторами в основной вокальной линии в каждой песне. Оттого и нео. На альбоме одна инструментальная пьеса с пассажами акустической гитары и пианино, и она мне нравится больше любой из песен.

Даже не знаю, зачем я ставлю этой программе четыре балла… Наверное, потому, что тройку я поставил Kingdom Come, тогда как при данном конкретном сравнении Last Tribe, конечно, во много раз лучше.

La Tulipe Noire — Shattered Image (2000)

Дата публикации: 27.02.2005

Дизайн логотипа этой греческой группы с французским названием (что-то вроде «Черного тулупа» :-) беззастенчиво, что называется, один-в-один, украден у Marillion, и то же самое, конечно, с музыкой, особенно на этом их первом альбоме.

Клавишные a-la Mark Kelly, гитарные соло a-la Steve Rothery, но все какие-то упрощенные, поскольку в стремлении походить на своих идолов, эта команда забыла обо всем на свете. Даже певица Ima, подражая Фишу, постоянно идет на понижение своего природно довольно высокого даже для женщины голоса (что ясно проявляется при сравнении со вторым альбомом группы, «Faded Leaves», который, на удивление, почти оригинален). Я не являюсь ненавистником нео, я ненавижу украденную музыку, но, к сожалению, эти два понятия часто неотделимы друг от друга. Счастье для неоголовых — отвратительный клон великой группы для всех прочих. Я лично слушать такое не в состоянии. Хорошо, что группа смогла позднее выбраться из ими же созданного ложного мирка, но это иная история. Будет рассказана в должном месте и в должное время, если, даст бог, таковое настанет.

Lenny Wolf’s Kingdom Come — Too (2000)

Дата публикации: 04.04.2004

И зачем только Lenny Wolf продолжает свое «творчество»? И еще более «зачем» компания Eagle Records, определенно отличающаяся хорошим вкусом, такое барахло издает? Это ведь не британский хард-рок с его энергетикой, отсутствием конформизма и, что главное, искренностью. Парень-то из Штатов, причем с мозгами среднестатистического американца, а не тех, кто играет прогрессив. Вокал хорош, слов нет, но и только. Музыка какая-то вымученная и настолько безлика, что нет почти никакой разницы между песнями и балладами. Все в едином, томном и одновременно слегка печальном (то есть псевдодраматическом) ключе с вялыми риффами и замкнутой в себе монотонности банальной композиционной схемы, известной как «куплет — припев плюс соло посредине». Как фон для любовных утех, возможно, и сойдет. Однако некоторые делают это под метал и даже под прогрессив, но в наушниках, конечно, и большей частью в одностороннем порядке. В данном конкретном случае возможен, наверное, вариант с двумя парами наушников. Мораль: вот видите, как вредно слушать то, что не положено по уставу сердца?

Lithium — Cold (2002)

Дата публикации: 08.02.2003

Те из вас, кто хорош знаком с творчеством одной из лучших шведских групп стиля прогрессивного дум-метала Tiamat, конечно, заметили в составе Lithium Johnny Hagel, который, будучи дважды басистом (не героем, но, по-своему, тоже почетно) вышеназванной группы, написал для нее несколько потрясающих песен. Здесь он является не только соавтором всех композиций (с певцом Nilsson), но и автором всех текстов альбома. Впрочем, уже одного взгляда на ассортимент инструментов, используемых Lithium на этом диске, достаточно, чтобы предположить, что, невзирая на стилистику альбома в целом, «электроники» здесь должно быть навалом. Так оно и есть.

Музыка на «Cold» (а это определенно дебют Lithium) представляет собой не что иное, как весьма оригинальный по звучанию, достаточно мрачный и в то же время красивый электронный дум-метал с элементами (но не более того) симфонического арт-рока, которые «выдает» на синтезаторе все тот же бывший басист Tiamat. Вероятно, пуристы классического дум-метала особо счастливы после прослушивания диска не будут, но тем, кому по душе такие альбомы Tiamat, как «Wildhoney» (1994) и «A Deeper Kind Of Slumber» (1997), могут, по-моему, смело попробовать «Холодок» «Лития». Что касается попробовавших мыло «Dove», им, судя по всему, вряд ли что уже покажется слаще.

Little King — Virus Divine (2005)

Дата публикации: 04.03.2006
При участии Ашота Хуршудова

«Virus Divine» — дебютный диск американской группы Little King. Сопродюсером альбома был Тери Браун, знаменитый ветеран в работе со звуком и продюсер, чье имя ассоциируется с несколькими прог-группами. То, что г-н Браун поработал над звучанием этого альбома, заметно на протяжении всей записи, и не случайно именно его пригласили для того, чтобы наложить последние штрихи на эту продукцию. Звучание довольно типичное для трио прогрессивного рока, не включающего клавишные инструменты. Музыку можно описать как гитарный арт-рок на стыке с прог-металом, и эта комбинация лежит в основе каждой из восьми песен (инструментальных здесь нет).

Начинает альбом «All I Need», из разряда прог-хитов, с тремя вокальными темами и парой недолгих инструментальных вставок. Все последующие песни звучат намного лучше, хотя не все из них такого же качества. Вторая и третья песни, «Narcissus And Echo» и «Peacemaker», центральная «Antibodies» и последняя, «Horsefeathers», представляют смесь наследия покровителя Little King и собственных идей группы, местами можно проследить сильную схожесть с Rush. Один из основных факторов, отличающих Little King от Rush, — это активное использование акустической гитары, что можно услышать практически на всех дорожках. Самая впечатляющая песня альбома, «Pso Del Norte», уже не настолько сильно подверглась влиянию Rush, а в «Second Wind» и «Virus Divine» оно совсем не ощущается. В двух последних песнях чувствуется значительное отклонение от основного стиля.

Несмотря на то, как странно это звучит, я осмелюсь сказать, что очевидное влияние Rush на Little King временами проявляется как позитивный фактор, заставляющий их выкладываться по полной программе. В конечном счете, «Virus Divine» не может предложить многого авантюрному любителю музыки, хотя, конечно, прогрессивная публика не ограничена этой категорией слушателей.

Little Tragedies — Return (2005)
!
Дата публикации: 10.05.2006
При участии Ашота Хуршудова

«Возвращение» — третий альбом группы «Маленькие трагедии»; он продолжает специфическую концепцию, основанную на явной духовной связи между композитором Геннадием Ильиным и стихами великого русского поэта Николая Гумилева. Так же, как и Azazello, Little Tragedies, несомненно, одна из лучших прогрессивных групп на современной российской сцене. Геннадий Ильин имеет высшее музыкальное образование, он окончил санкт-петербургскую консерваторию. Этот факт во многом объясняет композиционную сложность альбома и, по крайней мере частично, техническую виртуозность его исполнителей. Анализируя источники вдохновения участников проекта, необходимо выделить ELP, легенду британского арт-рока семидесятых.

Дорожки «За гробом», «CREDO» и «На мотивы Грига» особенно выделяются схожей стилистикой и музыкальной атмосферой. Мощное, насыщенное звучание; запутанные ритмы; чередование торжественно звучащих фрагментов с тревожными и беспокойными — вот отличительные черты этих трех композиций. «За гробом» переходит в «CREDO» без паузы. «CREDO» по большей части инструментальная, вокальных партий здесь очень мало. Тематическое развитие интересно и непредсказуемо. Третья часть дорожки воспроизводит мрачную атмосферу; несмотря на это, общая музыкальная картина остается скорее светлой. Песня «На мотивы Грига» в противоположность предшествующей звучит как гимн. Созвучия разнообразны и выразительны, и факт того, что группа создавала эту вещь под впечатлением от работ норвежского композитора Эдварда Грига, очевиден. Мелодичная и выразительная песня «По стенам опустевшего дома» исполнялась без ритм-секции. Печальная тотальность этой композиции служит здесь как бы мостом к следующей, под названием «Игры», первая часть которой тревожная и мрачная. Аранжировки обоих вещей имеют явно выраженное академическое направление. Основой шестой композиции, «Неоромантическая сказка», является вокал. Здесь только переливы синтезатора, эмитирующие клавир на заднем плане, и никаких соло. «Умный дьявол» тематически намного разнообразнее и насыщеннее по сравнению с предыдущей песней. Выразительна вокальная партия, клавишные соло все больше и больше напоминают о классической музыке. «Canzona» следует как отдых после калейдоскопической части программы. Она полностью инструментальная и не содержит ударных. «Возвращение» продолжается в аналогичном эмоциональном ключе. Небольшое печальное вокальное вступление вскоре переходит в инструментальное продолжение. Напряжение возрастает, и финал композиции получается почти истерическим. «Мечты II» повторяют тематику первой дорожки, «Мечты I», но с другим подходом к аранжировкам. Эмоциональный окрас последней дорожки несет чувство пустоты и глобальной печали.

Ценность этой программы заложена в ее концептуальности и разнообразии музыкального выражения. Качество материала соответствует высочайшим мировым стандартам. Очень рекомендую этот альбом всем любителям замысловатого симфонического арт-рока.

Little Tragedies — New Faust (2006)
!
Дата публикации: 01.10.2006

Один из центральных персонажей современной российской прогрессивной сцены, группа «Маленькие трагедии» уже широко известна международной публике, и ее предыдущий альбом «Return» (2005) успел получить признание в соответствующих кругах плюс был мощно поддержан критиками. «New Faust» (альбом на двух CD) — третий официальный релиз группы. Дебютный CD, «Porcelain Pavilion», был выпущен в 2000 году совместной российско-чешской звукозаписывающей компанией Boheme Music. Та же компания выпустила и вторую студийную запись группы: «The Sun Of Spirit». Как и в прошлой работе группы, в альбоме «New Faust» музыканты используют традиционный арт-роковый инструментарий плюс саксофон.

Все пятеро музыкантов проработали вместе уже более четырех лет. Как обычно, основатель группы, клавишник Геннадий Ильин, не только написал всю музыку для «New Faust», но также исполнил все ведущие вокальные партии на русском языке. И было бы странно слышать их на каком-либо другом языке, потому что текстами песен по-прежнему выступают стихи Николая Гумилева, к чьей поэзии Геннадий обращается с самого начала деятельности группы. Тексты идеально подходят музыкальному содержанию альбома, хотя это уже стало характерным для творчества «МТ» вообще. Группа играет в очень обособленном стиле, и материал не содержит даже бледных следов подражания кому-либо. Впрочем, никто не станет опровергать тот факт, что группа изначально выбрала курс на соединение английского прогрессивного рока семидесятых с классической музыкой и русским романсом, будучи вдохновленной работами Мусоргского, Чайковского, Глинки, Баха, Бетховена, а также группами ELP и Yes.

Альбом начинается с баховской «Страсти по Святому Матфею», исполненной оркестром, под чье сопровождение Геннадий повествует об исчезновении рода человеческого и о том, что выживут только несколько харизматичных существ. Мрачная во всех смыслах «Epigraph» в то же время является единственной вещью на альбоме, исполненной без участия группы. Затем следует коротенькая, но просто убийственная «Prologue» — квинтэссенция барокко и прог-метала, — слушая которую я ощущал себя бегущим сквозь шторм. Должен сказать, что большинство дорожек альбома «New Faust» имеют взволнованное и даже агрессивное звучание, тяжесть которого создается в большей степени ревущими клавишными, нежели взрывными риффами гитар и убойной ритм-секцией. «I Am Tired To Be Around People» наполнена как глубокой печалью, так и невероятной красотой, рассказывая историю о человеке, потерявшем веру, друзей и смысл к существованию. Две эпические дорожки «The Prophets» и «Two Demons» формируют прогрессивное ядро первого диска, и кстати, их общая продолжительность превышает сорок минут. Обе — настоящие сюиты, со множеством секций, исполненных мудреных, но изящных аранжировок, содержащих все необходимое для того, чтобы слушателю снова и снова хотелось вернуться к альбому и никогда от него не устать. Музыка уникальна, но я все-таки позволю себе указать некоторые моменты сходства. Итак, «The Prophets» сочетает в себе нечто общее от таких вещей, как: «Perpetual Change» (Yes), «Jerusalem» (ELP), «Paradise» (Uriah Heep) и «Home» (Dream Theater). В дорожке «Two Demons» я бы указал на такие вещи, как: «Close To The Edge», «Karn Evil 9», «Salisbury» и «A Change Of Seasons» тех же групп. Эмоциональная палитра напоминает радугу, но светлые краски в ней превалируют.

Музыка на втором диске стилистически более разнообразна и все чаще создает мрачное и депрессивное настроение. Несмотря на название, большая часть музыки в песне «Sabbath» рисует в моем воображении картину безрассудной праздности высшего общества Питера и Москвы XIX века; все-таки в русских празднествах всегда было нечто мрачное — все эти неугомонные пьянки… Тяжелая и готическая «Confutatis» имеет много схожего с дорожкой «Prologue» с первого диска. «Anticipating Christmas» и «Arabesque», следующие друг за другом на втором диске, — легкие инструментальные композиции, напоминающие ранние сольные работы Стива Хэкетта. «Margarita» и «Cup Of Life» — меланхоличные баллады, последняя из которых отражает великолепное владение Александром Малаховским классической гитарой. Обе эпические вещи, [?] и «Eternal», в музыкальном плане во многом сходны с длинными композициями первого диска, но атмосфера здесь более мрачная и драматичная. [?] повторяет вокальную линию песни «The Prophets», но инструментальные составляющие абсолютно иные. Заканчивается альбом гимном «Some Day You Will Remember Me» с выразительной партией фортепиано.

Надеюсь, не будет преступлением, если я выражу свое заключение относительно альбома «New Faust» несколькими эмоциональными выражениями. Звучание кристально чистое; аранжировки виртуозные; пение одновременно профессионально и очень прочувствованно; музыкальная подготовка каждого из членов группы первоклассная, а их совместное исполнение отточено до нюансов. Я не из тех людей, кто может приукрасить факты из чувства патриотизма, тем более если это не соответствует реальному положению дел, но, уверяю вас, дорогие читатели, все было сказано от чистого сердца.

Little Tragedies — The Sixth Sense (2006)
!
Дата публикации: 23.02.2007

Сочетая классически прогрессивные партии клавишных с модерновыми риффами гитары, заглавная дорожка выдает характерное, мгновенно узнаваемое звучание группы, которое суть полноценный симфонический арт-рок с элементами метала, со множеством тем и переходов. Начало «Bird» в русле Pink Floyd’s «Dark Side Of The Moon», но три минуты спустя вступает пианино; гитара, бас, саксофон и труба перестраиваются; картина приобретает все большое насыщение; явственно влияние классической музыки, после чего следует секция в стиле прог-метала, но с ярким соло синтезатора в центре событий. Финал выдержан в более размеренном темпе, с умиротворяющей атмосферой. Такие частые «прыжки» от стиля к стилю характерны также для «On The Seashore», «Dream», «You And I» и «Turkey», причем последняя из этих вещей немного напоминает мне «A Glimpse Of Home» из «канзасовского» «Monolith». «Consolation» и «Bonding» — обе спокойные вещи, порой как колыбельные, хотя такт отнюдь не «квадратный», а три четверти, что придает специфический прогрессивный привкус этим несложным, но красивым композициям. «I Haven’t Lived, I’ve Suffered Through It…» и «Pre-Memory» в целом из той же «оперы» — спокойные пьесы, располагающие к размышлению, хотя в центральной секции в «Pre-Memory» появляется саксофон, привнося в музыку легкий джазовый колорит. Большая часть «I Am Polite With Modern Life…» — это только вокал и клавесин, с очень легкой подсветкой со стороны гитары и синтезатора. В итоге половина альбома выдержана в классическом стиле «Маленьких трагедий», в котором во главе угла стоит смешение симфонических, классических и тяжелых конструкций, при активной и разнообразной игре со стороны всех участников проекта. Вторая половина — несложные для восприятия, но тем не менее очень выразительные композиции, исполненные собственной философии.

В отношении прогрессивности «Шестое чувство» чуть менее насыщен чем «Новый Фауст», но в целом диск невозможно воспринимать иначе, как очередной шедевр от лучшей современной российской арт-роковой группы.

Loch Vostok — Dark Logic (2002)

Дата публикации: 11.05.2003

Приехали. Какой-то неудобоваримый компот из thrash, doom, death, black, прог-метала, хард-рока и симфонического рока представлен шведскими «лоховосточниками» на «Мрачной логике». Впрочем, логикой этот альбом, далекий от какой-либо стилистической стройности (мягко говоря), явно обделен, в том числе и в текстах, хотя и исполненных мрачных размышлений и даже предостережений (тоже туда же, Коза-Нострадамусы…) Парни хоть и не из монгольской деревни, но еще совершенно не сориентировались, в какую им сторону, собственно, двигать.

Главная проблема этого самострела, однако, не только в том, что стилистически он представляет собой кашу «Нос по морде разбросали» — словно после драки за чистоту жанра. Здесь не чувствуется особого вдохновения и даже выраженной энергетики, присущей металу, не говоря уже о магии, которой были пропитаны лучшие альбомы Tiamat, к примеру. Большая часть вокальных партий выдержана в традиционных рамках, но — определенно в дань моде — «чернушный» и «смертельный» рок на альбоме также в добром наличии.

Вывод: посредственность не спрячешь даже в стилистическом кавардаке, потому как всегда и сразу узнаваема. А сейчас я выдам неожиданное. И все же, с оглядкой на текущее положение дел в рок-музыке, этот альбом с большой натяжкой, но можно считать даже хорошим.

Madsword — The Global Village (2000)

Дата публикации: 09.03.2003

Хотя многие вокальные и некоторые инструментальные партии на этом альбоме не оставляют сомнений в том, что итальянские парни из Madsword запоем слушали Dream Theater, высокотехнический прог-метал сам по себе имеет козыри, позволяюшие защититься от серьезной критики. Но, не будь во «Всемирном местечке» сущностей с оригинальным мышлением, я едва ли бы смутился наличию каких бы то ни было козырей в крапленой колоде, но таковые есть, и их немало.

Прог-метал Madsword, будучи в целом столь же сложным, виртуозным и красивым, как у Dream Theater, обладает тем не менее чуть более мрачным и драматическим характером. А факт наличия на альбоме большого количества «атмосферных» эпизодов, партий акустической гитары и структур, свободных от элементов «тяжелых металлов» вообще, еще более склоняет слушателя к мысли, что группа не только далеко не бесталанна, но и успешно контролирует баланс «своих и чужих» во «Всемирном местечке». Для фанов Dream Theater такое местечко — сущий рай. Впрочем, это действительно симпатичное местечко должно понравиться, наверное, всем любителям традиционного современного прог-метала, да и не только. У King Crimson, к слову, вон сколько «тяжелых» альбомов, так что арт-рокеры не окажутся полностью обделенными пищей (для ума), если побывают там.

Thanks to ОцеОля — Вождь семиволов (Пастушка: укр.)

P. S. О, це ж Оля! Но, дивчина, зачем ты здесь понатыкала «местечек»? Какое местечко? Это же всемирная деревня, коей станет мир, когда не останется места для новых построек вообще. Впрочем, в чем-то ты по-своему права. Отклоняю собственный протест.

Majesty — Doomsday Machine (2001)

Дата публикации: 29.03.2003

Хотя факта влияния Candlemass (вообще) и пения Messiah Marcolin (в частности) на Хату Марки отрицать невозможно, «Doomsday Machine» тем не менее богат и оригинальными идеями.

Четыре из шести песен альбома (первая и три последних, если быть точным) обладают всем необходимым для классификации их как произведений прогрессивного соборного метала с элементами симфонического арт-рока и готики. Этому способствуют весьма частая смена тем, темпов и характера музыки вообще, наличие структур, свободных от «тяжелых элементов», использование помимо прочих синтетических, но очень реалистично звучащих камерных инструментов и так называемого струнного ансамбля и так далее. Включение мягких аранжировок, сотканных исключительно из партий клавишных инструментов, струнного ансамбля, и флюидных соло гитары, характерны для всех четырех знаменательных песен альбома. Партии церковного органа присутствуют на каждой из второй тройки песен. Эпизод, где нет ничего, кроме пассажей пианино и акустической гитары и соло бас-гитары, представлен на четвертой композиции, соло акустической гитары и оркестратора самым замечательным образом вплетены в тяжелые текстуры пятой песни, а симфоническое интро на клавишных звучит в последней песне альбома. Кстати, вторая половина песен альбома куда богаче на так называемые прогрессивные ингредиенты, чем первая, две трети песен которой (вторая и третья по счету) не слишком удачны, к тому же. Обе они выдержаны в однообразно-медленном темпе и содержат большое количество повторов одних и тех же тем — как инструментальных, так и вокальных. Протяженность этих двух песен (вместе взятых) составляет шестнадцать минут. Так что при прослушивании данного альбома я ограничусь «стандартными» (чаще всего оптимальными, кстати) сорокаминутными рамками. А если бы скучноватые дорожки не были включены в альбом, я железно бы оценил его на отлично. Тем не менее «Апокалиптическая машина» это много более, чем просто хороший альбом, даже таков, каков он есть.

Malibran — Oltre L’Ignoto (2001)

Дата публикации: 20.11.2006

«Oltre L’Ignoto» — четвертый студийный диск ветеранов итальянской прогрессивной сцены Malibran. Группа черпает вдохновение в основном из симфонического арт- и space rock семидесятых, успешно смешивая артефакты этих жанров с собственными взглядами.

Основные бенефакторы группы — Pink Floyd и The Alan Parsons Project, — хотя нельзя сказать, что бы их влияние чувствовалось на всем протяжении альбома (только в трех дорожках: первом, четвертом и седьмом). Первая вещь — «Si Dirà Di Me» — самая продолжительная. Это, можно сказать, сюита, включающая в себя несколько различных секций, довольно хороших, но в том случае, если слушать их по отдельности, хотя при попытке уловить общий контекст дорожки проявляется отсутствие какой-либо связи между составляющими. Джузеппе Скаравилли — обладатель сильного голоса с широким диапазоном тембра, его пение кажется несколько отстраненным от инструментальных полотен альбома: очень эффектный прием использования контраста. А вот кто на самом деле блеснул, так это, бесспорно, Джанлука Кутули. Его соло на флейте и саксофоне всегда очень разнообразны и эмоциональны и в какой бы части альбома не находились, они делают музыку живее и выразительнее.

С равным количеством изысканных мелодий и эклектичных аранжировок заглавная дорожка и «L’Incontro» — великолепные музыкальные пьесы; для обеих характерно влияние скрипки и виолончели и обе имеют выраженное камерное звучание. С ярко выраженной ритмичностью «Cerchio Mobile» следует направлению, проложенному The Alan Parsons Project в построении их инструментальных композиций, выдающихся своей уникальностью и мгновенно узнаваемым звучанием. Как например: «Pipeline», «Lucifer», «A Dream Within A Dream» и т. д. Здесь отсутствие новизны в создании музыки не мешает ей быть интересной и привлекательной. Следующие две дорожки, короткие вещи «La Via D’Acqua» и «Verso Sud», не очень примечательны, но самая худшая — «Mare Calmo», — где играются 4/4 от начала и до конца: она невероятно банальна и плюс ко всему стопроцентное подражание Pink Floyd. Финальная композиция «In Viaggio» — это еще одна отличная дорожка и, возможно, самая эмоциональная. Изначально эмоциональный вокал Скаравилли здесь исполнен драмы. Инструментальные аранжировки очень разнообразны и изобретательны, в особенности линии, в которых главенствуют клавишные и флейта.

Если вы не слишком придирчивы в отношении вторичности, любите вышеназванные ансамбли и ощущаете ностальгию по звучанию семидесятых, вам обязательно стоит послушать эту музыку.

Manes — Vilosophe (2003)

Дата публикации: 30.11.2003

Шведская группа Manes представляет свою «Философию» также на английском, и, надо сказать, шведы здесь (и как правило) поют на «международном» языке много лучше, чем итальянцы.

Великолепный драматический вокал и выразительность музыки — основные достоинства этого альбома, хотя прогрессивен он весьма и весьма умеренно. Основная стилистика — нечто среднее между альтернативного арт-рока (как Radiohead) и современного прог-метала (как Tool и System Of A Down) представлена на четырех из восьми песен. Одна дорожка (3) целиком в русле альтернативного арт-рока, а две (5 и 7) почти полностью в рамках современного прог-метала. Впрочем, выше названные сравнения относительны, поскольку Manes исполняют оригинальную музыку. Между тем, что-то общее между всеми названными командами и Manes есть, и если все-таки сопоставить их, то герои этой рецензии уступают лидерам современного mainstream. В целом, однако, альбом неплохой, и единственное, что слегка портит впечатление от него, это последняя дорожка. Речитатив на немецком языке на фоне очень медленных и однообразных пассажей синтезатора и шума дождя — это все, из чего собственно он состоит. Ребята, видимо, посчитали, что для полноценного альбома не хватает одной песни, и вкатили в него это дерьмо. Почем зря, конечно, ибо «больше не есть лучше», тем более что сорок одной минуты звучания для полноценного альбома также хватило бы. В общем, если бы не эта дорожка, диск получил бы заслуженную четверку. Нет, все-таки это хороший в целом альбом.

Хотя «классических» любителей прогрессива (включая neo) такая «философия» устроит вряд ли, «всеядным» и интересующимся современным/распространенным прогрессивом этот продукт должен понравиться.

Manticora — Hyperion (2002)

Дата публикации: 29.03.2003

Очередная встреча с вездесущими и неустанными пропонентами тевтонского департамента (с «головной конторой» у Helloween, конечно) новой волны британского хеви-метал.

На альбоме двенадцать дорожек: одиннадцать песен и одна инструментальная пьеска. Ровно половина из них — 5 песен (3, 5, 6, 8, 9) и единственный инструментал (11) — состоит почти исключительно из «пулеметного огня», сопровождаемого традиционными бравыми вокалами и прочими подпевалами. Все это хозяйство мало отличается от классических Helloween, равно как и сонма их «последователей»*. Разве что присутствием клавишника в составе… (*Рецензии на них вы найдете в любом из прошлых выпусков «Вестника», начиная с ноябрьского 2002 года.) Из оставшейся половины песен три (1, 2 и 12) обладают некоторой оригинальностью, выражающейся в наличии здесь элементов акустического и симфонического арт-рока, в том числе беспримесного. Но только песни, размещенные на четвертой, седьмой и десятой дорожках, хороши во всех отношениях. Впрочем, первая из них в целом выдержана в рамках превалирующей стилистики альбома, но бесподобное и достаточно продолжительное «восточное» интро плюс эпизод с великолепной партией бас-гитары в «обрамлении» симфонических пассажей синтезатора вытягивают ее. Музыка оставшихся двух песен — вне базового стиля альбома и представляет собой действительно оригинальный и интересный, акустически симфонический арт-рок c элементами прог-метала. Остается лишь добавить, что несколько песен здесь содержат не только бравые гимны мужчин, но и ангелический женский вокал.

Альбом длинный — более часа. Хорошо, но только исходя из того, что его можно хотя бы условно урезать до канонических рамок (говоря об LP).

Mantra — Roots (2002)

Дата публикации: 08.02.2003

А вот на альбоме «Roots» итальянской группы Mantra представлен старый добрый, классический прогрессивный хард-рок — в лучших традициях жанра. Соло и пассажи акустической гитары и соло электрогитары вызывают ассоциации с Led Zeppelin. Соло на Хаммонде (орган с очень характерным звуком: кажется, Hammond B3 — любимец Лорда) напоминают о Deep Purple, а гитарные риффы — Black Sabbath. И тем не менее в альбоме отнюдь немало и оригинальных идей, так что звучит он свежо, задорно и зажигательно.

Ясно, что «заочный учитель» вокалиста группы — Robert Plant, и хорошо, что Яша этого не только скрывает, а напротив — словно бросает вызов своему кумиру. Поет он просто великолепно плюс без акцента, что не слишком характерно для итальянцев в целом.

Добрый старый хард-рок, стилистическую картину которого я обрисовал выше, представлен на восьми из тринадцати песен альбома. Впрочем, почти все песни на альбоме сопровождаются активностью насекомых ментального происхождения (мед. «мурашки»). Все из пяти оставшихся песен не «забойного», но в определенном смысле запойного характера: по крайней мере, еще в восьмидесятых годах такое заслушивали «до дыр». Что, между тем, не мешает трем из этих баллад оставаться весьма и весьма «тяжелыми». Переплетения пассажей акустической гитары, волшебных соло и обертонов ситара, тяжелых гитарных риффов и зажигательных соло на индийских перкуссионных инструментах характерны для двух из них. Впрочем, легкий аромат музыки Востока можно ощутить еще на одной из баллад на альбоме — той, где нет иных партий, кроме вокала, пассажей акустической гитары и струнного оркестра. (ОК, оркестратора, но который звучит удивительно реалистично.)

Помните первый и единственный отличный (одноименный) альбом Kingdom Come? Так вот, поверьте, пожалуйста: «Корни» не только глубже, но и лучше «Царствия небесного». (Это не аллегории, а лишь названия альбомов по-русски.) Более того, «Корни» — настоящая квинтэссенция жанра. Если вы любите такие вещи, как с третьего по пятый альбом Led Zeppelin, ранние альбомы Deep Purple с Гилланом и подобные им, вы просто не должны упустить уникальной возможности снова испытать страсти по хард-року. Зри в «Корни»!

Mary Newsletter — L’Attenzione Debole (2004)
!
Дата публикации: 04.03.2006
При участии Василия Заворочаева и Ашота Хуршудова

«L’Attenzione Debole» — четвертый альбом Mary Newsletter и мое первое знакомство с творчеством этой итальянской группы.

Несмотря на то, что музыка исполнена традиционными рок инструментами и с использованием привычных музыкальных структур, альбом настолько необычен, что проникнуться с первого прослушивания довольно сложно. Более того, прослушав его три раза, я все еще точно не уверен, что смогу правильно описать некоторые детали. Жанровые источники, на которых основывается музыка, узнаваемы, но здесь столько новаторства, что частенько бывает сложно подобрать точное определение. Так что знайте: традиционная терминология, которую я буду использовать, может не в полной мере соответствовать сущности.

Две дорожки из десяти инструментальные, хотя одна — «Illusione/Delusione» — условно отделена от «…Peccato…». Я пришел к этому выводу не потому, что эти вещи плавно переходят из одной в другую без паузы. Они объединены композиционной основой и звучат как монолитное произведение, даже более, здесь играет своеобразное соло на органе Хаммонда, которое слышится на протяжении обоих дорожек. Кстати говоря, эти две вещи единственные на альбоме с Хаммондом и они ближе всего к тому, что относится к классическому симфоническому арт-року. Музыка довольно жесткая: арт-рок, основанный на электрогитаре, определяет стиль этого альбома. Но он дополняется элементами симфонического арт-рока, сопровождаемыми партиями синтезатора, фортепиано и иногда акустической гитарой, что можно услышать в песнях «Integro», «Step Forward», «Nothing But The Net» и «In Fondo». Фортепиано главенствует над другими инструментами в «Il Colpo E La Croce» и «La Pace». Учитывая все за и против этого странного трюка, я бы посоветовал группе быть осторожнее с использованием двух языков и выбрать один (итальянский, конечно). Но эта мелочь не портит общей прелести материала. Продукт истинного вдохновения, «L’Attenzione Debole» — один из самых музыкально атипичных арт-рок альбомов с очень свежим звучанием, которые я прослушал за последние несколько лет.

Marillion — Marillion.com (1999)

Дата публикации: 06.01.2000

Бог ты мой! И не стыдно им «ляпать», а не сочинять музыку? До чего докатились ребята… Уже третий альбом подряд насмарку. Это не прог, как и два предыдущих альбома («This Strange Engine» и «Radiation»). Впрочем, в отличие от вышеоговоренных дисков, здесь, по крайней мере, в двух последних вещах мариллионовским духом хоть пахнет. Но едва ли я, ознакомившись с программой целиком, могу считать это каким-либо «шагом вперед». Нет, это самая идиотская стагнация, которая началась еще на стадии вырождения (жаль, что не раньше).

Mascarada — Urban Names (1998)

Дата публикации: 01.06.2000

Mascarada — новое имя на сцене прогрессивного рока, и дебютный альбом этой группы как бы призван расширить до сих пор несущественное влияние Испании, где немного более или менее сильных единиц жанра (в первую очередь это Rivendel и Galadriel), на ее «подмостках». Несмотря на то, что официальный релиз альбома состоялся лишь в 1998 году на итальянской Mellow, участники «Маскарада» братья Juan (клавишные, духовые, ударные, подпевка и т. д.) и Daniel Mares (гитары, бас, соло-вокал, ударные), работая над этим материалом в течение двух лет, уже в начале 1998 года имели на руках готовый альбом. Итак, долгожданный дебют еще одной прог-группы из Испании.

Почти 75-минутный альбом содержит всего девять дорожек звучанием от одной до семнадцати минут. Впрочем, учитывая, что программа эта концептуальная, большинство дороже либо не разделены между собой паузами вовсе, либо последние заполнены разнообразными эффектами «из жизни» — прием, нередко использующийся именно в пролонгированных концептуальных альбомах. Из девяти дорожек — два небольших (от трех до четырех минут) инструментала, исполненных преимущественно клавишными пассажами Хуана Мареса, плюс лирика предпоследней дорожки в пять с небольшим минут звучания исполняется на родном языке. Все прочие композиции с английской лирикой тематически так или иначе связаны между собой подлинно «урбанистическими» настроениями по поводу все тех же «урбанистических» проблем любого большого города. Проблемы проституции, сумасшествия в прямом и переносном смыслах и т. д. переданы в лирике основного автора текстов альбома Хуана Мареса весьма художественно, с применением некоторых аллегорий и с подспудно выраженным собственным взглядом на предмет повествования.

В целом «Urban Names» как бы продолжает линию концептуального альбома в стилистике, заданной на «Brave» (Marillion-1994), и, невзирая на оригинальное в целом звучание, «дух» британской легенды также имеет место быть в музыке Mascarada. Впрочем, это в большей степени относится к «атмосфере» альбома, тогда как в собственно игре, солировании инструменталистов (особенно это касается виртуоза Хуана Мареса) найти аналогий с Mark Kelly и Steve Rothery из Marillion невозможно. В конце концов, «Brave» является моим любимым альбомом Marillion — единственным подлинным шедевром в их дискографии, шагнувшим далеко за рамки привычного неоарт-рока. Так что взяв за основу передачу именно такой музыкальной атмосферы, Mascarada на своем дебюте более чем в двух третях произведений показали очень серьезные аранжировки, и в целом «Urban Names» весьма далек от того, что мы привыкли называть традиционным нео. Особенно великолепны все три длинные композиции альбома («The Quick And The Death»; «Urban Names»; «Rupture»), полные оригинальных композиционных решений, богатых и разнообразных аранжировок.

Наиболее слабым местом в программе, как это часто бывает, видится использование программных звуков ударных. И хотя братья старательно барабанят пальцами по клавишам, не используя собственно драм-машину, делают это они не столь умело, как, к примеру, знаменитый соло-пилот прогрессива Fonya/Chris Fournier, или некий французский мультиинструменталист, скрывающийся под псевдонимом Chance. Впрочем, если сравнивать ударные на «Urban Names» с «работой» аналогичных инструментов у многих нео-групп, использующих именно запрограммированную драм-машину, здесь все-таки воспроизводится более или менее сносный набор ритмов, свойственных живому барабанщику — брейки, сбивки, «кривые» ритмы из-за такта и т. п.

Суммируя мои собственные отношения к различным аспектам дебюта Mascarada, мне лишь приходится констатировать, что из порядка шести-семи испанских групп, что я слышал вообще, герои этого материала, пожалуй, займут в рамках своей страны почетное третье место — после тех же, указанных выше Rivendel и Galadriel. Напоследок хочу сказать, что нынче Mascarada вроде скомпоновала полновесный состав для концертной деятельности. Это здорово, только не вставайте на «новый путь»…

Melancholy — Fear Of Emptiness (2002)

Дата публикации: 09.03.2003

А герой этой рецензии не лицензионный альбом, а непосредственная продукция CD-Maximum.

Медленные, намеренно «ленивые» и «саркастические» вокалы здорово контрастируют с более энергичными инструментальными аранжировками, выдержанными в ключе, близком к прогрессив-дум-металу и готик-металу, но исключительно оригинального характера. Впрочем, альбом также отличается обилием элементов симфонизма; встречаются и «чисто» арт-роковые эпизоды с пассажами пианино и акустической гитары. Что же касается настроений, то «Страх перед пустотой» выражается здесь агрессивно, драматически, но также (почему-то) романтически, а то и вообще нейтрально. Впрочем, это не столь важно, конечно. Что же до неприятия, то оно, прежде всего, касается использования трех вокалов, столь различных между собой. С отдельными партиями мужского и женского лид-вокалов особых проблем нет, хотя я лучше воспринимаю вокальную палитру, созданную одним певцом (особенно, если это певец-хамелеон). А вот наличие здесь рыка и ангелического женского вокала, которые, причем, часто звучат одновременно или «рядом» с лид-вокалом, объяснить иначе, чем данью моде, просто невозможно. (Объяснить, прежде всего, для себя, конечно.) Русский акцент будет немедленно «вычислен» западными рецензентами (в первую очередь, англоязычными, конечно), а сетования по поводу того, что группа не поет на родном языке (а это сегодня является нормой и никого не отталкивает: скорее, наоборот) должны быть особенно многословны. В общем, инструментальные композиции, — а их здесь две, — безусловно лучшие дорожки дебютного альбома «Меланхолии».

Подводя итоги, в подобных случаях обычно принято говорить: «обещающий дебют». Я же, пожалуй, ограничусь пожеланиями коллективу: обрести все необходимое для творческого успеха, который в моем искреннем понимании важнее коммерческого, быстро и уверенно. Все.

Melancholy — Closed Eyes (2003)

Дата публикации: 14.12.2003

В музыкальном отношении второй альбом российской группы Melancholy знаменует собой очень серьезный шаг вперед, которого, по правде говоря, я и не ожидал, поскольку быстрый творческий рост не такое уж частое явление вообще.

Как и Bog-Morok, Melancholy также решили поэкспериментировать с электронно-соборным звучанием (вторая дорожка), но в отличие от вышеназванной команды здесь попытка удалась во всех отношениях. Последующая композиция — баллада в стиле «гитарного» арт-рока — также интересна, как, впрочем, и весь альбом (в рамках жанра). Базовый материал — прочие пять песен и единственная на альбоме инструментальная композиция — сущности оригинального и весьма захватывающего cathedral power metal с элементами симфонизма, который, однако, лишь протопрогрессивного характера. Самое слабое место здесь, однако, тексты, которые не отличаются оригинальностью, но полны заимствований, причем многие дурного характера (в том числе с суицидальными тенденциями, говоря обобщенно). Большинство русских не поймет, на Западе же воспримут отрицательно даже те, кому такая тематика нравится, поскольку лирика даже не примитивна: она попросту childish. Если бы не тексты (точнее, такие тексты), альбом был бы хорошим.

Men Of Lake — Out Of The Water (1993)

Дата публикации: 20.06.2004

Кроме этого, второго альбома итальянского квартета Men Of Lake, я слышал еще одноименный дебют (1991). У них еще как минимум две полноценных студийных программы, причем более поздние считаются лучшими. Не слышал, не знаю, но уже первый диск этих ребят вышел отличным, тогда как «Out Of The Water» сочетает в себе примерно равное количество отличных композиций и шедевров. Оригинальны как музыка, так и вокал, причем повсеместно. Первый номер альбома выделяется среди прочих. Здесь представлен великолепный прогрессивный хард-рок/соборный метал с элементами арт-рока, и хотя «тяжелые элементы» в наличии в «периодических таблицах» еще трех песен альбома, там они играют скорее вспомогательную, а не центральную роль. Базовой же стилистикой здесь является классический симфонический арт-рок, более характерный для семидесятых, нежели для девяностых, что, в общем, не может не радовать. Без каких-либо примесей, он представлен ровно на половине композиций, три из которых, используя язык поэзии, можно назвать «мечтой арт-рокера всех времен». Интенсивность и весьма высокая степень непредсказуемости развития аранжировок, а также выраженный драматизм «событий» характерны в целом для всего материала. И хотя только вторая и последняя песни содержат повторения тем, этот факт является следствием того, что альбом не дотянул до статуса шедевра.

Might Could — All Intertwined (2005)

Дата публикации: 01.10.2006

История квартета из США Might Could начинается с 2000 года, когда Энди Тиллотсон встретил Аарона Геллера, Тима МакКаски и Льюиса Нэссэра (также игравшего в Sonus Umbra). Три года спустя ребята закончили свою первую запись, названную в честь группы, — Might Could, — правда, выпустили ее на CD-R. «All Intertwined» — их первый полноценный альбом.

С первого взгляда альбом кажется стилистически однородным, полностью попадающим под определение классического акустического гитарного арт-рока. Но дальнейшее углубление дает более точную оценку сущности материала, показывая, что он не ограничен каким-либо одним определенным направлением. Изредка выходя за границы симфонической гармонии, квартет берется за исполнение довольно полиморфной музыки, иногда обращаясь к квазиимпровизациям, иногда даже используя прог-метал, что можно услышать в быстрой, насыщенной и энергичной вещи «Machinery», с которой и начинается альбом. Следующая — «Lapse» — имеет эпизод, содержание которого мгновенно вызывает ассоциации с Робертом Фриппом или, говоря более точно, с техникой маэстро, характерной для первой реинкарнации (или второй инкарнации, если хотите) группы King Crimson и которую он впервые представил в своем сольном альбоме «Exposure» в 1979 году. «The Miscommunication Suite» состоит из пяти секций, и по многим параметрам ее можно рассматривать как маленький концерт классической музыки для трех акустических гитар и баса. Последующие дорожки содержат в себе все перечисленные стили и схемы, но уже в иных пропорциях, хотя основные пассажи не теряют симфоничности даже в том случае, когда бас в одиночку выходит на первый план с напоминающими хард-рок риффами. Без игры в унисон каждый музыкант выплетает свой собственный запутанный рисунок, причем все они отличаются один от другого, а музыка постоянно развивается. Влияние классической музыки, по крайней мере его латентную форму, можно обнаружить в каждой дорожке, особенно в тех, которые находятся ниже условного экватора альбома. Не знаю случайно или нет, но каждая из этих — «Puijilittatuq», «A Horrible Croacking», «Not Every Song Finds A Name» и «The Water Parted» — намного больше напоминает по структуре сюиту, чем дорожка, названная «The Miscommunication Suite».

Используя свое воображение при прослушивании этого альбома, я легко представляю себе как Steve Howe, Steve Hackett и Robert Fripp могли бы сыграть, соберись они все вместе. Подходящим примером для сравнения может служить и California Guitar Trio. Но, несмотря на некоторые похожести, мне альбом Might Could нравится больше чем любой изданный «Трио», в основном потому, что последние иногда жертвуют содержательностью композиций ради демонстрации своих технических возможностей.

Mikromidas — Brennende Drømmer (2001)

Дата публикации: 20.06.2004

Я не знаю, единственный ли это альбом норвежской группы Mikromidas или нет, но я никогда даже не слышал о них вне контекста данного релиза. Не знаю также, почему не последовало продолжения этой истории на Musea Records или где-либо еще, поскольку альбом отличный и во всех отношениях.

Такие «серьезные» и впечатляющие клавишные инструменты, как меллотрон и орган Хаммонда, доминируют в аранжировках, как и у многих прочих современных скандинавских групп, хотя в целом звучание Mikromidas тяжелее, нежели у Sinkadus и Landberk. Стилистически и по уровню сложности именно эти две группы близки к Mikromidas, хотя в композиционном отношении музыка здесь исключительно оригинальна, как и у Landberk, в отличие, к примеру, от Anekdoten и тех же Sinkadus, первые из которых следуют «тропой», проложенной King Crimson, а вторые — Änglagård. Большинство песен альбома (вокал на норвежском языке) являют собой умеренно сложный классический арт-рок, а две-три имеют отношение к симфоническому соборному металу. Пуристов, однако, данный фактор смущать не должен: хотя некоторые композиции здесь действительно характеризуются достаточно тяжелым звучанием, они тем не менее сохраняют общую направленность и настроение музыки, представленной здесь.

В заключение стоит отметить, что «Brennende Drømmer» — один из тех «универсальных» альбомов, которые в одинаковой степени удовлетворяют вкусам всех категорий любителей арт-рока. Если вам нравится скандинавский арт-рок, а в особенности Sinkadus и (ранний) Landberk, и вы имеете возможность потратиться на фирменный диск, поспешите. Я не уточнял, что именно, но со слов промо-менеджера Musea Records (Yves Javier) многое из того, что выслано мне из архива марки, уже распродано или почти. Архивные альбомы я в основном рецензирую только в «Вестнике»: следите, пожалуйста, продолжение публикации материалов «Музея прогрессивного рока»: квинтэссенция следует. Постараюсь давать их каждый месяц и надеюсь, что подобная информация вам пригодится.

Mikromidas — Faunus (2005)

Дата публикации: 07.03.2006
При участии Ашота Хуршудова

Норвежская группа Mikromidas была основана в 1999-м, «Faunus» — ее второй альбом. Я ранее отрецензировал дебют — «Brennende Drømmer».

Группа демонстрирует яркий пример того, как придать музыке свежее звучание на основе традиций классического симфонического арт-рока. Все девять дорожек «Faunus» имеют достаточно симметричную структуру; первые три из них самые продолжительные, центральные и заключительные эквидистантны друг другу. Кроме того, все три исполнены так, что по большей части являются инструментальными и, бесспорно, лучшими дорожками альбома, наполненными музыкальной магией. В каждом в изобилии присутствуют замечательные классические клавишные (орган Хаммонда, родес-пиано и меллотрон), также обращает на себя внимание активное вовлечение акустической гитары в аранжировках. Открывает альбом «Den Dagen Jeg Forsvant», она наполнена часто меняющимися яркими и помпезными аранжировками с калейдоскопическими переменами тем и темпа. «Sultekunstneren» в большинстве своем исполнена в том же духе. Третья, полуэпическая «Krigsmann», начинается и в дальнейшем развивается, создавая атмосферу таинственности, но с ярким пламенем где-то в глубине. Вулкан просыпается медленно, чтобы в финале разорваться в мощном извержении. Четыре из шести дорожек, находящихся посередине, — «Virveldans», «Sjælers Evige Bæven», «Englesangen» и «Famle Rundt» — имеют между собой много общего, стилистически представляют собой смесь арт-рока и скандинавского фолка с элементами хард-рока. Что, в общем-то, и является основным направлением этого альбома. Единственная инструментальная вещь, «Sjælers Evige Bæven», коротенькая, но это очень интересное произведение, выполненное в стиле сродни классике: здесь звучат фортепиано и меллотрон. Последняя песня, шестиминутная «Trollmann», немного запутанная арт-рок баллада, и я считаю, было бы намного лучше, если бы она была на половину короче.

«Faunus» относится к числу универсальных работ, которые в равной степени подходят для любителей всех видов арт-рока. Даже несмотря на некоторые отклонения от классического симфонического звучания, это отличный альбом, и он ничем не хуже своего предшественника.

Millo Mario — Epic III (1979)

Дата публикации: 18.07.2000

Марио Милло — собственно, главное лицо прогрессивного рока Австралии — был и до сих пор есть. Сначала этот гитарист-вокалист организовал отменную группу Sebastian Hardie (недавно реорганизовались, кстати), с которой издал два очень хороших диска. Потом наспех сменил состав, назвав новую группу по имени второго альбома Sebastian Hardie — Windchase. Этот ансамбль выпустил только один альбом под названием «Simphinity», и из всех четырех альбомов, выпущенных под лидерством Милло (и как итальянца занесло в Австралию, да еще в прогрессив, когда они все в Америку перли и прут — в мафию агрессорами записываться?), мне нравится именно «Simphinity». Причем музыка всех трех его групп-проектов, хоть и стабильно сохраняется в рамках симфонического арт-рока, стилистически очень различна между собой.

Данный соло-альбом на треть состоит из: а) солидной, хорошо оркестрованной, длинной эпической вещи из нескольких «ступеней», б) арт-роковых песен и инструменталов среднего временного масштаба (четыре-шесть минут) и в) двух-трех помп-роковых песен типа 10СС. Все оригинально и мило, как всегда у Милло. Во как вышло.

Mind Gallery — Three Meals From Revolution (2000)

Дата публикации: 30.03.2000

Я знаком со всеми альбомами этой, пожалуй, лучшей современной канадской прог-группы. И рад отметить, что новый диск по качеству материала заметно превосходит все предыдущие. Это по-прежнему сложный инструментальный прогрессив, но если раньше доминирующий симфо-арт-роковый звук иногда дополнялся элементами джаз-фьюжн, то структуры данной работы уже несут в себе «следы» всех трех основных жанров прогрессива — к двум оговоренным «присоединился» и «железный» ключ. При изумительных аранжировках с нотками импровизаций новый альбом наполнен также мощной энергетикой, порой драйвом, благодаря великолепной работе гитариста Gary Bourgeois.

Minimum Vital — Esprit D'Amor (1997)
!
Дата публикации: 22.05.2005

Без преувеличения Minimum Vital — одна из самых оригинальных и интересных групп за всю историю континентального европейского прогрессивного рока. Творческий талант ее основателей братьев Payssan не знает границ. Большинство альбомов MV существенно отличаются друг от друга. Иначе говоря, коллектив находится в постоянном поиске новых путей развития, бесконечно изменяя свой изначально оригинальный стиль. Главное, почти все работы MV — абсолютные шедевры, которые украсят коллекцию любого, даже самого искушенного меломана. Бытует мнение, что (герой данной рецензии) «Esprit D’Amor» знаменует собой откат от подлинно прогрессивного звучания MV в сторону танцевальной музыки. Подобный бред может исходить лишь от неопытного человека, который к тому же не потрудился прослушать альбом хотя бы два или три раза. Хотя я в восторге от всего созданного MV, мой любимым диском является именно «Esprit D’Amor». Кстати, сами братья Payssan (интервью здесь) считают его своим самым совершенным детищем. Уникальный, живой и динамичный, симфонический арт-рок в сочетании с совершенно необычным подходом к кельтской музыке, неземной красоты пение Сони Неделеч и магия повсюду — таково мое краткое резюме на этот источник бесконечного наслаждения.

Minimum Vital — Sarabandes (1990)

Дата публикации: 29.09.2005

Как и любая иная работа Minimum Vital, успех третьего альбома группы, «Сарабанды», целиком базируется на таланте братьев Payssan — блистательных композиторов, аранжировщиков и музыкантов. Если первые две программы представляют собой более или менее традиционный союз арт-рока и джаз-фьюжн, то здесь симфоническое начало много более выражено плюс появился отчетливый привкус классической музыки в сочетании со «средневековым» фольклором и музыкой менестрелей. Впервые здесь появляется вокал, но шесть из восьми дорожек инструментальные. «Danza Vital» и «Hymne Et Danse» — динамичные композиции, «Porte Sur L’Eté» и «Cantiga De Santa Maria» — более нежные, но все они в той или иной степени стали основой для дальнейшего развития нового направления группы, пик которого, на мой взгляд, приходится на альбом 1997 года (отрецензирован мной ранее). Однако уровень сложности музыкального материала здесь значительно выше, а посему я вполне понимаю тех, кто считает данный альбом (как правило, вместе с его последователем, «La Source») пиком творчества группы. Вся продукция MV настолько качественная, что, в конце концов, выбор фаворита зависит исключительно от вкусовых нюансов. Ссылки на прочие рецензии о Minimum Vital (также дискографии) находятся на этой страничке.

Mirage — A Secret Place (2001)

Дата публикации: 28.08.2005

Совсем недавно я рецензировал второй альбом Mirage «Tales From The Green Sofa», а уже переиздан и первый. (Можно было бы пофилософствовать на тему убыстрения бега времени в новом тысячелетии, но: нет времени.) Здесь любовь семейства Forner и иже с ними к Camel декларируется почти открыто, вследствие чего этот альбом нравится мне немного меньше, чем его последователь. В целом же обе работы имеют очень много общего, и достаточно прочесть рецензию о втором, чтобы понять, чего ожидать от первого. Те, кто не читал той рецензии, кликните здесь. Те, кому понравился «Tales From The Green Sofa», не сомневайтесь в отношении «A Secret Place». Это ваша музыка.

Mirage — Tales From The Green Sofa (2004)

Дата публикации: 20.03.2005

Mirage весьма толково распорядились временем, отделяющим релиз «Tales From The Green Sofa» от выхода их дебютного диска (2001). Общее звучание группы осталось в основном прежним, но новый альбом отмечен знаками возросшего мастерства как в исполнительском, так и в композиционном отношении. Влияние Camel все еще очевидно, но в меньшей степени, чем на первом альбоме.

Хотя каждая из семи представленных композиций содержит вокальные партии (лирика на английском языке), все они без исключения содержат обширные инструментальные полотна. Все семь выдержаны в рамках арт-рока и рознятся главным образом только по уровню прогрессивности. Первым номером идет композиция «Secret Place — I»; она проще, чем любая из последующих. Музыка представляет собой нечто среднее между Camel’s «Harbour Of Tears» и «The Division Bell» Pink Floyd. Количество оригинальных идей возрастает по мере того, как альбом разворачивается, и последующие три вещи — «You Don't Fool Me», «Friends Of Mine», «Gone Margarita» — немного более разнообразны и интересны. Каждая начинается с нежно звучащего соло флейты вкупе с пассажами акустической гитары, позже трансформируясь в достаточно интенсивный арт-рок умеренной сложности. Эманации Pink Floyd исчезли, а появление партий пианино и «струнного ансамбля» значительно обогатило общее звучание. Но если собственно музыка на оставшихся композициях становится более и более оригинальной, вокал лидера группы Stephan Forner, равно как и структура его гитарных соло, по-прежнему имеет более чем случайное сходство с Andy Latimer. Свои основные козыри Mirage представили на последних двух дорожках: одноименной с альбомом и «Secret Place — II», обе которых приводят слушателя к сложным аранжировкам почти без намеков на Camel и кого бы то ни было.

Хотя новый диск группы, как и дебютный, едва ли являет собой нечто новое, он, безусловно, более разнообразен и собственно прогрессивен. Если же Mirage в дальнейшем станут придерживаться стратегии, выработанной под занавес альбома, то легко избавятся от ярлыка «последователей».

Mongol — Doppler 444 (1997)
!
Дата публикации: 25.11.1999

А теперь приготовьтесь услышать от меня нечто весьма радикальное. Я не могу говорить спокойно и бесстрастно об этой совершенно неизвестной группе! Подавляющее большинство «богов прогрессива» для меня нынче свергнуто со своих тронов и постаментов, возведенных еще во времена расцвета жанра в первой половине семидесятых! Кто говорит, что «истинный» прог помер еще в середине «старого доброго» десятилетия? Истинный прог еще только рождается в Стране восходящего солнца.

«Doppler 444» — это неземная сущность! Это — гипноз, магия… оргазм! Кому услышанных эпитетов недостаточно — читайте английскую рецензию на сайте.

Moongarden — Brainstorm Of Emptyness (1995)

Дата публикации: 27.12.2006

«Brainstorm Of Emptyness» — это концептуальный альбом с текстами на английском языке, посвященный Энди Латимеру из Camel, которому в буклете диска вообще отведено много внимания.

До встречи с диском «Brainstorm Of Emptyness» (много лет назад) я не был знаком с творчеством этой итальянской группы и поэтому, естественно, моим первым предположением было то, что это последователи Camel. Но уже две первые песни — «Sea Memories» и «Who’s Wrong?» — мгновенно развеяли мои заблуждения. Подвергшиеся сильному влиянию классики (Genesis и частично Marillion и Pink Floyd) эти две вещи представляют собой традиционный нео, лишь с элементами классического арт-рока, со множеством клише и скудным количеством оригинальных идей. После их прослушивания я был уверен, что весь альбом выполнен в одном направлении и снова ошибся. Все последующее содержимое альбома «Brainstorm Of Emptiness» оказалось совершенно другим, очень оригинальным и не только! Помимо всего, общее время звучания оставшихся девяти дорожек составляет около пятидесяти минут, чего, конечно, более чем достаточно для полноценного альбома.

Орган Хаммонда, меллотрон и фортепиано по-прежнему являются основными солирующими инструментами, вокал так же театрально драматичен, но здесь нет уже и тени подражания, а именно Тони Бэнксу и Питеру Гэбриелу. Стиль игры на гитаре оригинален на всем протяжении альбома, хотя на первых двух песнях этот инструмент в основном остается в тени; начиная с третьей вещи, пассажи акустической гитары и соло электрогитары играют значительную, а порой и очень важную роль в аранжировках. Четыре из оставшихся девяти дорожек, — а это четыре части «Sonya In Search Of The Moon», — инструментальные пьесы. В основе первых двух лежат разнообразные и невероятно красивые пассажи классической гитары, а третья примечательна, прежде всего, сыгранными под влиянием классики партиями фортепиано. Последняя инструментальная вещь продолжительнее остальных и представляет собой (равно как и песни «Gun Child», «Chrome Heart» и «Sherylin’s Mistake») по-настоящему классический, симфонический арт-рок, да еще с большим влиянием прогрессивного метала. Иногда можно услышать тяжелые гитарные риффы, развивающиеся параллельно с мягкими проигрышами клавишных и акустической гитары в сопровождении мощной ритм-секции. Подарок для любителей контрастов. «Is He Mommy’s Little Monster?» (интерпретация Сергея Рахманинова) и «The Losing Dawn» — тоже шедевры. Обе по большей части основаны на партиях различных клавишных, включая фортепиано и струнные; здесь нет барабанов, разве что тарелки и местами легкая перкуссия. Очень оригинальный синтез арт-роковых форм и классической музыки, с уникальным вокалом. Включив в альбом «Sea Memories» и «Who’s Wrong», а главное, расположив их в самом начале, группа, возможно, намеревалась завоевать как можно больше фанатов, но подобная тактика сегодня работает только в мире mainstream. Хорошо, что все последующие вещи сильны, иначе я бы не «отобрал» у рейтинга только ползвездочки. Не знаю, правда, почему они они трактуют :-) «emptiness» через «y».

Morbid Death — Secrets (2002)

Дата публикации: 23.11.2002

Я тоже был уверен, что группа с таким отвратительным названием непременно должна исполнять грайндкор — в крайнем случае, лютый death metal. Но даже лирика этих португальцев (незамысловата, но) мрачно-актуального характера. Христос де пролил свою кровь за человечество, а человечеству плевать на все в экстазе саморазрушения, нам нечего передать будущим поколениям, да и вообще, впрочем, скоро нам и так крышка.

Тембр голоса и манера пения вокалиста и басиста группы немедленно вызывают в памяти Matthew Barlow из Iced Earth (оказывается, эта команда более чем культовая!). Если помните, Мэтью, когда он еще был в группе, исполнял партии отрицательного персонажа, а лидер Iced Earth — Jon Shafer — положительного. Само собой, даже в апогее «жесткого» пения вокалист MD так же далек от собственно «смертельного» метала, как и Martin Walkyier из Skyclad. Поет Ricardo на английском хорошо, так что амбиции группы мне понятны. (Сразу скажу, MD мне нравятся больше, чем выходцы из этой же страны Moonspell.) А в мрачно-лирических эпизодах, которые есть в каждой песне этого десятидорожечного альбома, кроме седьмой, звучащей почему-то весьма оптимистично при тяжелых, но рок-н-ролл-подобных риффах. Также менее интересна, чем любая из оставшихся восьми песен, «открывашка», хотя в целом она следует доминирующей стилистике альбома. А стиль, в котором работает «Отвратительная смерть» (по крайней мере, «секретно» — на «Secrets»), таков: в целом это классический (то есть весьма и весьма солидный) прог-метал — в комбинации с дум-метал и NWBHM, — хотя и не сложный. Аббревиатура по-прежнему означает «Новая волна британского хеви-метал», основателями которой были Judas Priest и Iron Maiden. Все инструментальные части на альбоме — в духе NWBHM и в частности Iron Maiden. В целом же музыка здесь — драматического характера — особенно в медленных («думных» — от «задуматься» и «дум») партиях, большинство которых обильно «нашпигованы клавишами». Вообще, синтезаторы (плюс иногда пианино) играют на альбоме тоже серьезную роль, так что порой ассоциации с Tiamat’s «Clouds» и особенно «Wildhoney» также неизбежны. Музыка «Секретов» не столь красива как та, что на «Диком меде», но «волшебные», чарующие эпизоды есть в небольшом количестве и здесь (а это уже немало!). Еще одна песня (пятая), которая идет несколько вразрез с базовой стилистикой альбома, представляет собой медленную, тяжелую и драматическую балладу в типичном «ключе» дум-метал. Сильная вещь и, в отличие от выше оговоренной (той, что под номером семь), на своем месте. Если бы парни не включили «семерку» в альбом, я бы безусловно оценил его на отлично. Вам же предлагаю просто исключать ее в процессе программирования вашего проигрывателя и наслаждаться девятидорожечной версией альбома, которая звучит лишь на четыре минуты меньше оригинала (43 и 47 минут соответственно).

Наконец, я должен признать, что лицензионная продукция CD-Maximum ни в чем не уступает оригиналам. Абсолютно все в их продукции — от «А» до «Я» — высочайшего качества. А цены знаете, нет? Сетевой адрес фирмы — ниже. И это не реклама (терпеть не могу рекламу, ибо — гнуснейшее из искусств), а признание факта. Честное мнение — полезная информация.

The Morrigan — Rides Out (1990)

Дата публикации: 27.12.2006

Через пять лет после выхода дебютного альбома The Morrigan, с появлением басиста, и что еще более важно, барабанщика, в 1990 году группа возвращается со своим вторым альбомом «The Morrigan Rides Out».

Естественно, с полноценным составом в музыкальных структурах композиций появляется выраженный элемент рока. В то же время группа внедряет в свою музыку английский фольклор, исполняемый в соответствии со всеми канонами жанра, но средствами прогрессивного рока. Однако только в трех из девяти композиций альбома компоненты фолка являются превалирующими, тогда как «Ночь близится к концу», к примеру, целиком соткана из аранжировок классического симфонического арт-рока, причем пение Кети также далеко от вокальных традиций народной музыки. Для вещи «Колодец в долине» характерны частые перемены тем и тональностей, симфоническое начало вещи выгодно оттенено динамикой тяжелой музыки. Здесь также отсутствуют ярко выраженные фолковые мотивы, но местами слышится хоровое пение. «Тело Христово» — единственная здесь песня, несколько выходящая за рамки общей палитры альбома. В этой песне очень нетрадиционный музыкальный фон, и кажется, что прекрасный женский голос (на этот раз ведущая роль досталась Мелани) парит в свободном полете над руладами колокольного звона и несколько языческим звучанием тамбурина. Сбалансированную смесь из мелодий английского фолка и классических прогрессивных аранжировок хорошо слышно в вещах «Вечерние истории», «Четырежды кряду» и «Том Бедлам». Как минимум две трети альбома «Rides Out» полностью соответствуют моей концепции высококачественного прогрессивного фолк-рока. Три неназванные песни ближе к традиционной английской народной музыке, причем две из них — коротенькие инструменталы. «The Black Nag» исполнен средневековой атмосферы, рисуя живую картинку: два менестреля играют на флейте и клавесине.

The Morrigan — Masque (1998)
!
Дата публикации: 27.12.2006

Должен признать, что был не прав, описывая ранее альбом The Morrigan «Wreckers» (1995) как самый разнообразный и т. п. После нескольких прослушиваний «Masque» этот мне показался намного более разносторонним, во всех смыслах, так как практически все песни содержат внутри самих себя множество различных тем и аранжировок, из которых в общей сложности Renaissance Mark II смогли бы скроить для себя три-четыре классических программы. (Здесь я опять-таки возвращаюсь к мысли о том, что повторные прослушивания любого более или менее серьезного альбома просто необходимы.) Лишь заключительная песня этой программы, «She Moved Through The Fair», звучит спокойно, приводя слушателя в состояние некой умиротворенной мудрости. Помимо прекрасного и очаровательного вокала Кети, который, как всегда, поражает своей красотой и многообразием, здесь несколько интересных решений и в инструментальных аранжировках. Остальные же композиции — это глубокая и чрезвычайно интересная музыка, поистине уникальная комбинация классического арт-рока и английского фолка, причем очень часто в сочетании с выраженно тяжелым звучанием, благодаря крепким риффам и пронзительным соло гитариста Дэйва Лоддера, пришедшегося группе более чем ко двору, если можно так выразиться.

Хотя здесь мало схожих по построению композиций, «Masque» смело можно назвать самым цельным альбомом The Morrigan. Шедевр прогрессивного фолк-рока.

The Morrigan — Hidden Agenda (2002)

Дата публикации: 27.12.2006

Музыка, представленная на этом альбоме исполнена вихреподобных аранжировок, настолько необычных и выразительных, что, слушая его, я был приятно удивлен, хотя удивить меня отнюдь не просто. Четыре из девяти дорожек альбома — «Swallow’s Tail», «Volta/Basse Danse», «The March Hare» и «Joe Cooley’s Reel» — инструментальные пьесы. Однако каждая из пяти песен — «In The End», «Roaring Forties», «A Night To Remember», «The Other» и «The Parting Glass» — содержит несколько весьма продолжительных инструментальных секций с сильнодействующим воздействием выраженного прогрессивного характера. Более того, эти инструментальные аранжировки сохраняют свою насыщенность и интенсивность повсюду, то есть вне зависимости от того, развиваются ли они «самостоятельно» или в присутствии вокала. Однако большинство вокальных партий этого альбома тоже разнообразны и изобретательны, что, впрочем, вообще характерно для The Morrigan. Кети поет одна в «The Other» и «The Parting Glass», а Мервин берет на себя роль ведущего певца в «In The End» и «Roaring Forties». В «A Night To Remember» оба певца появляются вместе. В каждой из этих трех песен есть и несколько замечательных хоровых партий. Самая продолжительная дорожка альбома — «A Night To Remember» — в целом простирается в направлении классического симфонического арт-рока, хотя ее очень часто заносит на территории прог-метала. Пожалуй, это самая глубокая композиция. Лучшим определением для «Swallow’s Tail», «In The End», «The March Hare», «The Other» и «Joe Cooley’s Reel», наверное, будет арт-рок с элементами прог-метала и фолковыми мелодиями. «Volta/Basse Danse» и «Roaring Forties», просто изобилующие партиями деревянных духовых инструментов, являют собой идеальный синтез арт-рока и английского фолка «чистой воды». В отличие от некоторых более ранних работ The Morrigan, в «Hidden Agenda» всего одна баллада: заключительная «The Parting Glass», причем даже здесь инструментальные и вокальные аранжировки далеки от тривиальности.

В этом альбоме великолепно все: композиции, аранжировки, совместная работа группы, а также исполнительское мастерство каждого участника в отдельности. Также надо сказать о значительном вкладе в создание этого материала со стороны гитариста Дэйва Лоддера, значительно утяжелившего его звучание. Наряду с «Masque» «Hidden Agenda» — один из самых сложных (что, в моем понимании, есть синоним понятия «интересный») альбомов коллектива.

Mors Principum Est — Inhumanity (2003)

Дата публикации: 30.11.2003

Если эти финские парни считают себя black metal-группой или кто-то считает их таковыми, то все они глубоко ошибаются. Кроме «чернушного» вокала, здесь нет ничего от black metal. За исключением седьмой дорожки, единственной инструментальной композиции на альбоме, состоящей почти исключительно из пассажей и ритмов акустической гитары, и местами последней, где есть элемент гитарного арт-рока, музыка на альбоме представляет собой не что иное, как типичную, преимущественно скоростную, новую волну британского хеви-метал, только с клавишными. Драйва и так называемого мяса здесь хватает, но об оригинальности, не говоря уже о прогрессивности, не может быть и речи. Все заранее предсказуемо и заурядно, и вообще, этот «бессмертный» опус забудут очень скоро. Серая посредственность («серятина»!), в общем.

Mysterium — Soulwards (2003)

Дата публикации: 13.07.2003

А вот творение немцев Mysterium достойно быть названным абсолютным шедевром.

На альбоме семь песен, одна из которых баллада, плюс одна инструментальная композиция, открывающая его. Здесь только пассажи пианино и «струнного ансамбля», и музыка соответственно очень симфоничная, приближенная к классической. Баллада соткана также из исключительно мягких музыкальных структур. Ни риффов, ни драйва, только ангельский женский вокал под медленные, плавные переливы клавишных, «флюидные» соло гитары и ненавязчивые партии ритм-секции.

Все шесть песен — длинные и определенно эпического характера — представляют весьма оригинальное сочетание мрачного, но классического прог-метала с выраженными элементами гитарного и симфонического арт-рока и брутальной музыки. Чередование тяжелых и мягких текстур в аранжементе сопровождается соответствующим чередованием «чернушного» и «чистого» вокалов. И если в вокальных партиях здесь примерно равное количество полярных голосовых типажей, то в инструментальных истинно брутальных структур немного: в основном те, что отвечают классическим канонам метала и арт-рока, причем почти в равной степени.

Музыкальные полотна Mysterium исключительно разнообразны, а симфоническая составляющая проходит центральной нитью через весь альбом. Эти качества, помноженное на высокую степень прогрессивности, возвышает их творение даже над альбомом Psypheria. Музыканты здесь также высокопрофессиональные, а уж количеству событий на каждой песне на «Soulwards» вообще несть числа. И в который раз уже нынче хочу особо отметить работу клавишных и особенно партии пианино.

Самые настоятельные рекомендации, пожалуй, для всех категорий любителей прог-метала и для тех, кого устраивает сочетание этого жанра с симфоническим арт-роком при сравнительно небольшом количестве брутальных элементов. Неоголовые просто расслабляются, поперыши ставят себе клизму и вообще отдыхают, а классические прогловиты — вперед, да смелее!

Naamah — Ultima (2003)

Дата публикации: 13.07.2003

Доминирующий стиль в музыке Naamah — прогрессивный соборный метал с выраженными, отчетливыми элементами симфонического арт-рока и (снова) великолепными и вездесущими пассажами пианино представлен на восьми из одиннадцати дорожках альбома. Наверное, пришло время напомнить, что я понимаю под значением «соборный метал». Это направление дум-метала, характерное более быстрыми и порой даже скоростными аранжировками, тогда как базовый стиль, как вам хорошо известно, характеризуется «вязкими» структурами при медленном и очень медленном темпе. Кстати, темповые контрасты весьма типичны для «Ultima», и это касается не только «ленивого» вокала на фоне весьма быстрых базовых аранжировок. На альбоме больше синтетических скрипок, которые, впрочем, звучат вполне убедительно, но несколько песен содержат также потрясающие соло «живой» скрипки. Музыкальная картина исключительно разнообразна и богата как различными оттенками, так и прогрессивными ингредиентами, и вообще, я бы сказал, «Ultima» — очень событийный альбом.

Как и в случае с Glosterkeller и несколькими коллективами, чье творчество мне еще предстоит осветить, здесь правит балом женский вокал — тоже очень выразительный, приятный и в то же время полностью подходящий для данного типа музыки. Хотя, признаюсь, партии вторичной вокалистки (она же играет на скрипке) мне нравятся больше.

Первая и восьмая дорожки содержат симфоническую музыку, исполненную на пианино и string ensemble. Такого же содержания и последняя, одиннадцатая, дорожка, но здесь присутствует и вокал.

Первые восемь песен альбома — на английском языке, а прочие три — на польском, что, впрочем, не имеет существенного значения. Я лишь хочу сказать, что там, где я специально не оговариваю, исполнение песен происходит на языке международного общения. Кстати, слегка перефразируя Би из «Кин-дза-дза», очень трудно на двух языках думать, и потому я извиняюсь за, возможно, некоторое однообразие изложения материалов. Впрочем, когда музыка хороша, шутить да прикалываться отнюдь не тянет.

Negative Zone — Negative Zone (2005)

Дата публикации: 10.05.2006
При участии Ашота Хуршудова

Молодая французская группа Negative Zone представляет свой одноименный дебютный альбом. Еще один диск без пауз между дорожками, и десять из двенадцати дорожек, представленных здесь, — песни с английскими текстами.

Первые две, «Ouverture» и «Cats», сильно отличаются от остальных: начало и развитие напоминает о французском фолк-роке, основанном на шансоне, затем музыка плавно переходит в русло арт-рока. Обе вещи достаточно красивы, но несколько отягощены вокалом: здесь очень много хоровых партий, намного больше, чем сольного пения. Эти же приемы повторяются и в других композициях, но уже реже. Затем следует первая из двух инструментальных пьес, «The Stack». В ней ощущается психоделическое звучание, и она занимает правильную позицию, разделяя две различные части альбома как разделительная линия. Настоящее «элитарное кино» начинается с четвертой дорожки и продолжается все оставшиеся сорок минут. Все последующие композиции соответствует концепции сюиты, конструкцию которой можно рассмотреть на примере любой продолжительной вещи: от «Don't Sleep, Part 1» до заключительной «Negative Zone». Каждая представляет собой симфонический space rock. Нельзя не заметить успешного чередования атмосферных текстур с партиями акустической гитары, при этом, что характерно, группа делает упор на мощность ритм-секции. Большая часть музыки достаточно оригинальна, но отзвуки Eloy и Pink Floyd присутствуют практически во всех дорожках, начиная с самой первой. Как исключение можно выделить «Fairy Tales», которая звучит более современно.

Подсчитав все «за» и «против» «Negative Zone», я не могу оставить в стороне тот факт, что большая часть материала наполнена определенным, порой экстраординарным шармом. В общем, это больше чем просто хороший дебют, и думаю, альбом будет интересен любому слушателю симфонического space rock.

Neuschwanstein — Battlement (1978)
!
Дата публикации: 20.11.2006

О, как же мне нравится этот альбом!

«Battlement» группы Neuschwanstein стал одним из виднейших немецких симфонических прог-релизов семидесятых. Группа начинала в середине того десятилетия как инструментальный квинтет, находившийся под сильным впечатлением от ранних Genesis, сначала играя в том же направлении, что Novalis и Eloy, но позже сумев развить более сложный репертуар. Влияние группы Camel времен «Moonmadness» менее заметно, но все же есть, равно как и эхо ранних сольных работ Рика Уэйкмана. В первые годы своего существования группа уже написала прог-сюиту, основанную на легендарной литературной классике — «Алиса в стране чудес», — и это показывает, насколько старательно группа Neuschwanstein пыталась отвечать запросам прог-музыки тех времен. Клавишник Нойрот и флейтист Мейер основали группу и в большинстве случаев выступали в ней ведущими музыкантами, так как их инструменты более всего слышны в композициях. Не хотелось бы оставить без внимания и остальных участников группы. Ритм-дуэт Циммера и Шварца. Вайлера, приносящего множество замечательных соло и текстур своей ведущей электрогитарой, часто удачно дополняя синтезатор и флейту. Вокалист и акустический гитарист Фредерик Джос вступил в группу, когда решил, что Neuschwanstein необходимо подчеркнуть мелодический аспект их музыки. И на самом деле, с его приходом группа получила много полезного.

Открывает альбом очень интересная дорожка «Loafer Jack». Следующая, «Ice With Dwale», уводит в более мрачные места, здесь преобладают интроспективные настроения: аккорды акустической гитары и линии флейты — это то, на чем держится песня. Я считаю, что с третьей дорожки и далее музыкальный гений группы развивается полным ходом. В «Intruders And The Punishment» и «Beyond The Bugle» появляется грандиозная очаровательная чувственность, причем мелодическая насыщенность от этого не страдает. Группа работает как отлично сыгранный ансамбль. Полны энергии эти две дорожки, а также последующая и являются кульминацией альбома. Нойрот здесь мастерски справился со своим арсеналом клавишных инструментов. Заглавная композиция сочетает в себе наиболее мрачные сегменты альбома. Предпоследняя вещь, «Midsummer Day», возвращается к романтическому вибрафону, который был слышен во второй дорожке, но здесь он звучит более напряженным. Ребята из Musea удачно поставили «Zärtlicher Abschied» в завершении диска: очень эффективное завершение альбома. Это поразительно красивая инструментальная композиция, включающая в себя великолепие симфонического прога и радостные оттенки фолк-музыки: ее великолепный праздничный дух неотразим от начала и до самого конца. Восхитительные диалоги флейты и синтезатора, а также мелодические элементы, время от времени проигрываемые ведущей гитарой, великолепно сочетаются с ритм-секцией и гармонической основой, заложенной электрогитарой.

Nil — Novo Sub Sole (2005)
!
Дата публикации: 07.01.2006

«Novo Sub Sole» — второй официальный альбом французской группы Nil, а первый, «Quarante Jours Sur Le Sinai», вышел в 2001-м. Группа привнесла много нового в жанр space rock, причем исключительно за счет собственных оригинальных идей.

На альбоме представлена фантастически интересная, богатая событиями музыка, которую невозможно сравнить ни с чем, невзирая на то, что стиль как таковой узнаваем мгновенно. Что в равной степени характерно для последней дорожки «Dérives», двадцатиминутная сюита «Le Gardien», открывающая альбом, начинается с атмосферных пассажей клавишных в сочетании с «плавлеными» гитарными соло, к которым вскоре присоединяется Roselyne Berthet с ее словно парящим вокалом. Дальнейшие события совершенно непредсказуемы, причем структуры изменяют свою конфигурацию постоянно. Интенсивные, мощные партии чередуются с мягкими аранжировками, но без повторений однажды отыгранных секций, а музыка остается сложной и позитивно эклектичной даже в самых спокойных моментах. Стилистически это где-то посредине между симфоническим space rock и space fusion. Единственная короткая из шести дорожек, «Linceul», содержит только разнообразные «космические» пассажи клавишных и вокал. Не слишком сложная она тем не менее очень красивая и обладает устойчивым магнетизмом и любопытными гипнотическими свойствами. Две композиции, расположенные в середине альбома, «Dérégénération» и «198», вокала не содержат. Здесь местами доминируют жесткие, металлические гитарные тембры. В сочетании с волшебным звучанием меллотрона эти тенденции включают в себя элементы динамизма и мрачности, еще более усиливая ощущение мистики, характерной для всего альбома. Розелин возвращается на пятой композиции, «Abandon». Как и в случае с двумя только что названными номерами, здесь имеет смысл говорить о смешении space rock и space metal. Местами на альбоме можно слышать неземной красоты вокализ певицы; жаль поет она вообще не столь много, сколько я лично хотел бы. Это поистине уникальный голос, который, вдобавок, певица использует как инструмент.

Хотя альбом выдержан в рамках space rock и схожих с ним направлений, я бы удивился, если бы кто-то из любителей прогрессива вообще, всех спектров жанра, отказался от него. Шедевр.

No Brass — The Crowning Of The Sun (1999)

Дата публикации: 30.03.2000

Дебютный альбом, выпущенный ударником-вокалистом (а также автором всего музыкального и текстового материала) Mike Kovack при помощи нескольких талантливых музыкантов, по моему мнению, в определенном смысле открыл новое направление в метале вообще. Я бы назвал его «оптимистический протопрогрессивный дум-метал». И действительно, свойственные данному стилю весьма медленные, словно «вязкие», тяжелые гитарные риффы тут «разбавлены» быстрыми, неожиданными, уверенными и очень разнообразными соло гитар.

Темы сменяются довольно часто в рамках одной вещи, чтобы вызвать у слушателя «гипнотическое» состояние, а аранжировки умны и оригинальны. Рекомендую всем любителям толкового хард-рока настоятельно.

The Norman Haines Band — Den Of Iniquity (1971)

Дата публикации: 29.01.2005

Как и Bachdenkel, группа Norman Haines (ex-Locomotive) из Бирмингема, а их, видимо, единственный альбом также отличается яркой индивидуальностью композиционного мышления и отмечен «знаком качества». Хотя стилистически он менее однороден, скорее даже более пестрый, пожалуй. Впрочем, этот фактор обусловлен, прежде всего, наличием дополнительных дорожке в CD-версии альбома, о коих ниже.

Из семи же оригинальных композиций пять представляют собой весьма необычный арт-рок. (Хотя я понимаю, что рамки жанра не безразмерны и отнюдь не все можно впихивать в них, альтернативы здесь я не вижу). Лучшая из них — опять-таки, с классически прогрессивной точки зрения — тринадцатиминутная, истинно эпическая «Rabbits». Оба «исключения из правила» также замечательны: «Bourgeois» и «Life Is So Unkind». Первая состоит из замысловатых переплетений пассажей и соло двух акустических гитар, находящихся в постоянном развитии, невзирая на наличие, равно как и отсутствие, партий вокала. Вторая — инструментальная композиция, где-то посредине между арт-роком и джаз-фьюжн, причем здесь нет иных инструментов, кроме клавишных — органа, пианино и синтезаторов. Композиции, дополнившие базовый материал, были записаны Норманом с новыми музыкантами или, по крайней мере, с привлечением таковых. В музыке — резкий крен в сторону джаз-фьюжн, причем почти повсеместно работает также медная секция с тромбонами во главе, а пара номеров включает в себя партии перкуссионных и изобилует элементами так называемого латинского рока. Также достаточно интересный материал, но уж больно он контрастирует с оригинальным: тем, что был на LP. Две разные музыкальные школы представляют интересы двух различных аудиторий. Иными словами, диск очень хороший, но чтобы полюбить его целиком, вы должны быть достаточно всеядным и, по крайней мере, хотя бы не гнушаться импровизационной гармонии (или наоборот, само собой). Рекомендации.

NoVoX — NoVoX (2004)

Дата публикации: 07.01.2006

Четверо участников NoVoX являют собой не что иное, как состав замечательной группы Cliffhanger, который, кстати, никогда не изменялся. Короче говоря, музыканты сменили вывеску, но не только. Их новая работа состоит исключительно из инструментальных композиций и не имеет почти ничего общего с их творчеством в рамках старой группы. Не знаю, хуже это или лучше, но если первые два альбома Cliffhanger я считаю шедеврами, то последние два едва тянут на «хорошо». Видимо и продавались они неважно, раз музыканты решили полностью изменить свой творческий образ. Понятие оригинальности они всегда ставили во главу угла, но на NoVoX они превзошли себя даже в этом. Альбом очень близок к моему пониманию понятия «шедевр» (единственно, чего мне недостает, — это немножечко бы характерного вокала Rinie Huigen, как это было в Cliffhanger) и настолько стилистически разнообразен, что должен понравиться самым разным группам «прогрессивной популяции». Небольшие концерты классической музыки для меллотрона, церковного органа и пианино (обе части «Bridge Of Tears» плюс «Then There Was One») чередуются с симфоническим арт-роком («Looking Up To The Sun» и «Eclipse»). Space-роковые мотивы «Galactic Storm» сменяются мрачным дум-металом на «Valentine Fuzztrations». Есть здесь и сочетание классических форм трех жанров: арт-рока, джаз-фьюжн и прог-метала («Be My Guest», «Never Mind» и «Sunset On A Sad Horizon»). Потрясающе динамичная и интересная музыка — от начала и до конца. Разочарованных не будет: по крайней мере, среди опытных прогрессивных меломанов.

Now — Deep (1993)

Дата публикации: 22.05.2005

Now — довольно нетипичная команда для Бельгии. Большинство местных прогрессивных коллективов исполняет Rock in Opposition, причем бельгийская школа жанра стала классической еще в середине семидесятых. Здесь же мы имеем дело с последователями второй и третьей стадий творчества Yes (с 1977 по 1987 годы), хотя на данном, последнем их альбоме, «Deep», влияние легенды ощутимо, пожалуй, только в вокальных гармониях и то, далеко не везде. Музыка представляет собой нечто среднее между классическим арт-роком и нео (не в традиционном понимании), порой довольно жесткая, невзирая на преобладание клавишных текстур.

Из пяти композиций лучшими являются 19-минутная «Wheels Of Time» и развернутая версия «Кашмира» с Led Zeppelin’s «Physical Graffiti» (хотя к уровню оригинала еще никто из «обработчиков» даже не приблизился), а худшей — вариация на тему одной из песен с альбома «Spheres», лучшего в дискографии Now и также изданного Musea Records. Хотя «Deep» на порядок оригинальнее своего предшественника, в музыкальном отношении он уступает. Тем не менее диск в целом очень хороший, слушается легко и с удовольствием. Не рекомендуется лишь тем, кто по неизвестно каким причинам не любит звучание «90125» Yes, хотя мне известно немало фактов, когда при объективном рассмотрении альбома как отдельного продукта, вне сравнений с классическими программами семидесятых, прогловеры не из числа законченных консерваторов радикально изменяли свое первоначальное мнение о нем. В любом случае, Now — это не Yes.

Nuova Idea — Clowns (1973)
!
Дата публикации: 20.11.2006

А вот еще один великолепный альбом из разряда итальянского прогрессива, который наверняка понравится всем любителям истинно «винтажного» арт-рока. Музыка группы Nuova Idea чередует в себе тяжелый прог, где гитара и Хаммонд-орган состязаются за главенство, и более спокойный арт-рок. В тех местах, где играет орган, клавишник напомнил мне Рика Уэйкмана. Он также играет на синтезаторе Moog и фортепиано. Должен предупредить, что некоторые вокальные партии очень своеобразны. Местами вокал жесткий и чрезмерно эмоциональный, типичный для некоторых французских групп (Ange, к примеру). Большая часть вокала в этом альбоме исполнена в типичном итальянском стиле (PFM). У меня есть и второй альбом этой группы — «Mr. E. Jones», который мне также чрезвычайно понравился, хотя исполнен он в совершенно отличном от «Clowns» стиле.

Nyl — Nyl (2002)

Дата публикации: 05.12.2004

Обычно я не рецензирую альбомы, которые не были присланы специально для моей рецензии, иначе бы мне просто не хватило времени. (Его и так не хватает, и только новым альбомам «мажорных» групп, из тех, что слышал, я имею возможность хотя бы дать рейтинг в «Bandlists», один из которых, арт-рок, недавно был полностью обновлен.) Но здесь не смог устоять: все же наши, которые причем дали бы фору многим западным командам, особенно в категории нео.

Одноименный альбом московской группы «Нил» был издан на «Союзе» более двух лет назад, но странное дело, я ни разу не встречал рецензий о них во всемирной паутине, по крайней мере, в ее прогрессивной части. Подавляющее большинство западных прог- и метал-марок, включая мажорные Roadrunner и Metal Blade, не говоря уже об «отдельно взятых» широко популярные командах, таких, как IQ, активно рассылают альбомы на ведущие онлайн-ресурсы, поскольку их аудитория, благодаря доступности интернет, больше чем у любого журнала. Таким образом, похоже, что должной рекламы, а возможно, и распространения, альбом не получил, а жаль. «Нил» — одна из очень немногих работ неопрогрессива, которые безоговорочно нравятся даже тем, чье отношение к нео в целом отрицательное. (Но если многие команды этого направления, не имея своих идей, ограничиваются имитацией музыки своих кумиров и действительно компрометируют течение, то предавать анафеме собственно течение не должно: в конце концов, не будь Marillion, неизвестно, возродился бы интерес к прогрессивной рок-музыке вообще.)

Основным бенефактором группы являются Queen, но на первых пяти композициях их влияние минимально, а на одной из них, единственной здесь инструментальной пьесе (блестящий джаз-фьюжн), вообще отсутствует. У ребят масса собственных идей, которые они успешно воплощают в музыке, благодаря толковости вообще, помноженной на высокое исполнительское мастерство. Впрочем, инструментальные аранжировки на большей части альбома настолько продуманны и глубоки, что нужно, пожалуй, классифицировать базовую стилистику этой работы как полноценный классический, местами утяжеленный арт-рок умеренной сложности, не иначе. К сожалению, в последних двух песнях ребята не смогли удержать в узде своих пристрастий, в результате чего прямые сравнения с Queen здесь просто неизбежны. Однако надо принимать во внимание, что это дебютная работа «Нил», а для дебюта она фантастически великолепна. Понятно, что их заочные учителя имели иные цели, их творчество имеет иную шкалу ценностей, но тем не менее они никогда не забирались столь далеко на прогрессивные территории. Отнимая ползвездочки за утрату контроля над свежестью идей ближе к концу альбома, я все же заявляю, что группа вызывает у меня самые горячие симпатии. Я бы посоветовал им двигать непосредственно на Inside Out с их новой работой, буде таковая в наличии. С такой яркой музыкой, при таком добротным английским «Нил» безусловно покорят международную аудиторию.

Дорогие читатели, если у вас еще нет этого альбома, обязательно приобретите его, не пожалеете. Рекомендация актуальна на всех «прогрессивных уровнях».

Obscured By Clouds — Bleed (1998)

Дата публикации: 01.06.2000

Наиболее преданным любителям Pink Floyd, несомнено, понравится эта американская кавер-группа английских титанов.

На обычном «самопальном» CD-R (с приличной полиграфией, правда, и неплохим для подобного рода предызданий звуком), который они мне прислали, представлен в основном набор флойдовских раритетов периода 1969–1971 гг., в изложении OBC звучащих современно и весьма интересно. Пожалуй, эти песни PF в новой интерпретации слушаются на порядок лучше оригиналов. Аранжировки примерно характерны для «Пинк флойд» оговоренного периода, если только не брать в расчет долгие пьесы и иметь в виду, что сочинением тут как бы занят Гилмор, а не Уотерс.

К слову, предыздание альбома «Bleed» имеет довольно солидный резонанс, и вполне вероятно, что контракт на выпуск «оригинала» ребята получат.

Odessa — Stazione Getsemani (1999)

Дата публикации: 02.07.2006
При участии Ашота Хуршудова

Odessa — группа, играющая тяжелый органно-гитарный итальянский прогрессив в духе Museo Rosenbach, Alphataurus и некоторых других.

Если вы не слышали ранее Odessa, то первое, на чем вы сфокусируете свое внимание, будет великолепный голос Lorenzo, но если подождете немного, вас ждет кое-что более интересное. В «Lotta Per Il Dominio» Odessa выдвигает в центр композиции тяжелую прогрессивную мелодию, которая захватывает дух. Длительное инструментальное вступление дает возможность Boris Bartoletti глубоко развить действия; основные риффы песни звучат как смесь Uriah Heep и Lucifer’s Friend с некоторыми элементами фанка, которые задаются ритмичной игрой басиста Valerio De Angelis. «Di Buio E Luce» — еще одна мелодия, основанная на риффах, но в сочетании с воздушным фортепиано. Lorenzo часто использует свой вокал как дополнительный инструмент в создании аранжировок, и концовка «Di Buio E Luce» — хороший пример сказанному. Лучшей композицией альбома можно назвать «L’Incontro», разбитую на две секции: «Stratosfera» и «L’Angelo». «L’Incontro» начинается с оркестровых полутонов и вокальной гимнастики Lorenzo. Как Giovagnoli, так и Vampa играют впечатляющие соло партии, Giovagnoli — отличное джазовое соло на фортепиано. Также на диске имеются переигранные мелодии групп Deep Purple, пара мелодий Led Zeppelin, но тратить время на описание этих вещей я не собираюсь; скажу только, что эти версии никого не разочаруют. Другие обработанные мелодии: «Caronte» — мощная инструментальная вещь The Trip, «Alzo Un Muro Elettrico» — замечательная песня группы Il Rovescio Della Medaglia, «Cometa Rossa» — классика группы Area, давшая Lorenzo еще одну возможность проявить свои вокальные данные, и, наконец, немного ускоренный вариант «21st Century Schizoid Man» King Crimson.

В конце этого года намечается выпуск второго диска этой команды, и если вы еще не знакомы с Odessa, этот диск очень хорош для ознакомления с творчеством этой перспективной группы.

Pangaea — A Time & A Place (2002)

Дата публикации: 20.03.2005

«A Time & A Place», третий диск техасской группы Pangaea, продюсировал Robert Berry, впервые получивший известность после работы с Keith Emerson и Carl Palmer над альбомом «To The Power Of Three» и участия трио в праздновании сорокалетия компании Atlantic Records в том же 1988-м. Он так же отыграл все партии бас-гитары.

Две из девяти представленных дорожек — «Something Happened Yesterday» и «The Panther» — немного перегружены вокалом, причем хоровые партии и инструментальные аранжировки (которых здесь немного) весьма отчетливо напоминают Yes, но не ранний, на что словно намекает название альбома, а периода «90125» — «Talk». Есть также некоторое влияние Pink Floyd, а одна из вещей является кавер-версией «Time». Те, кто хорошо знакомы с творчеством Black Sabbath, будут достаточно удивлены. Долгий рефрен, проходящий в самом конце альбома, звучит как «Hot Line» из «Born Again», хотя музыка иного характера. Впрочем, указав позиции сходства, я отнюдь не намереваюсь критиковать группу. Оригинальных идей в их музыке достаточно, причем остальные пять песен интересны во всех отношениях. Три вещи — «The Journey», «November Sky» и «Myth» — местами тяжелее прочих, но в целом базовая стилистика сохранена и здесь.

Меломаны, понимающие и принимающие симфонический арт-рок и space rock вообще и таких ярких представителей направления, как Pink Floyd и Eloy, в частности должны остаться довольны. Для меня несомненно одно. Не кто иной, как Роберт Берри превратил этот изначально просто хороший альбом в очень хороший. Для любителей статистики привожу названия двух предыдущих дисков группы: «The Rite Of Passage» и «Welcome To The Theatre…». Я их не слышал.

Parallel Mind — Colossus Adea (2005)

Дата публикации: 06.11.2005

Американская группа Parallel Mind и их первенец «Colossus Adea». Наличие в составе басиста William Kopecky, известному тем из вас, кто приобрел диск одноименной группы, отнюдь не подразумевает схожести между объектами, исключая, разве что, факт, что музыка инструментальная в обоих случаях. Сейчас, по прошествии некоторого времени, Parallel Mind мне нравится больше, возможно, потому, что музыка искрится оригинальностью и нет даже отдаленных намеков на что-то знакомое.

Хотя материал имеет весьма отчетливый джаз-роковый привкус, базовые тональности, как правило, «коренятся» в симфонической европейской музыке. Группа изящно скользит где-то посредине между арт-роком и джаз-фьюжн, но импровизации в большинстве своем были сочинены заранее (нелепая фраза, но должна прояснить существо дела). Иначе говоря, это квазиимпровизации, каковых, к примеру, полным-полно в музыке ранних Yes и ELP, не говоря уже о King Crimson. Первые три композиции и последняя — наиболее яркие представители вышеназванной стилистики и, пожалуй, лучшие. Музыка почти исключительно скоростная и интенсивная, изобилует неожиданными сменами тем, темпа и настроений, столь любимыми (пафосно выражаясь) истинными прогловерами. «Underwater Cities» и «Resurface Earth» стилистически схожи, но чередуют интенсивность с мелодичностью. «Into The Depths» содержит партию вокализа и элементы индийской музыки, как и «Beginning’s End». «Casa De Jig» имеет свинговый ритмический рисунок (который мне не слишком по вкусу из-за его традиционности), а также типично фолк-роковые интонации. Специально для любителей симфонического направления надо заметить, что центральным персонажем в ансамбле является клавишник, и его партии формируют фундамент музыки практически повсеместно.

Этот диск — в моей двадцатке лучших альбомов, изданных в 2005-м.

Penumbra — Seclusion (2003)

Дата публикации: 14.03.2004

И снова унифицированный альбом, где все композиции выдержаны в рамках единой стилистики.

Марка на обложке шикарного диджипака «объясняет» потенциальному покупателю, что музыка есть мелодичный готический дум. Во многом верно, кроме последнего. Собственно дум-метала здесь нет. Это типичный соборный метал, причем достаточно скоростной. Нет и атмосферы, свойственной понятию «дум».

Кроме замечательного смешанного оперного хора на альбоме два вокалиста, один из которых мужеского пола. Он поет либо чисто, либо (в меньшей степени) работает с «чернушными» интонациями. На этом, однако, все «мраки» и заканчиваются, тем более что «чернушная» доля в общей вокальной палитре минимальна. В общем, полная стилистическая картинка альбома такова: мелодический синтез соборного метала и симфоническо-готического рока с элементами оперы и классической музыки плюс совсем мизерное количество того самого black metal, выражаемого посредством исключительно одного из многих типов вокалов, представленных здесь. Впрочем, говоря о единой стилистике, нельзя забывать о четвертой песне альбома. Она мне нравится больше всех и, прежде всего, благодаря очень успешному внедрению арабской музыки в основные жанровые текстуры, а также в вокал (женский).

Все хорошо на этом альбоме: несложные, но выразительные общие аранжировки, соло флейты и гобоя, пассажи «струнного ансамбля» и акустической гитары, риффы электрогитары. Но что поразительно, здесь нет ни одного гитарного соло! А без них, право, теряется многое. Работа проделана огромная, материал достойный внимания. Если вы еще не исчерпали лимит находок для себя в этом жанре, едва ли прогадаете. Однако, чтобы быть не только объективным, но и честным, добавлю. Лично мне эти модные псевдоэпические, псевдоготические и псевдособорные (не иначе!) программы, большинство из которых слишком похожи друг на друга, давно наскучили, если не сказать, надоели. Я лучше послушаю классический Tiamat (1992 и 1994): обычный квинтет, невысокий уровень сложности, но сколько искренности (читай: магии) в музыке! Вообще, когда то или иное направление становится хоть немного модным, пиши пропало. Так случилось с neo, с NWBHM, с дум-металом, и те же Tiamat в итоге оказались жертвой все той же моды. Эта закономерность не работала только в конце шестидесятых и в первой половине семидесятых, во времена культурной революции — на планете Земля, а не в отдельно взятой стране, как в Китае.

Perfume De Mujer — Pollos d'Granja (1998)

Дата публикации: 31.01.2001

Это второй альбом «правофланговых прогеров» (вместе c Musica d’Repuesto) из страны «левого толка» (для меня лично, что «правые», что «левые», что сама Mrs Whore — Политика — все вещи абсолютно «левые»). Как минимум это самый амбициозный альбом группы вообще. Куда более чем просто «полнокровным» прог-рок-ансамблем (квартет с традиционным набором инструментов плюс вокал, к примеру) предстает «Запах женщины» на своем втором диске. «Штатный» квартет с поющим мульти-инструменталистом Абелем во главе здесь дополнен несколькими гостями, владеющими менее традиционными для рок-музыки в целом, но очень даже колоритными различными духовыми, щипковыми и т. п. инструментами, включая разные наборы акустической перкуссии. Одним словом (и во-вторых), музыкально «Pollos d’Granja» — это самый богатый, «сочный» и разнообразный кубинский прогрессивный альбом из всех слышанных мною.

Музыка на альбоме не менее экзотична, чем сам Остров свободы. «Гремучая» смесь классического арт-рока со структурами «симфонического» RIO (т. е. аранжировок-импровизаций джазового характера здесь нет), иногда поддерживаемая латинскими переливами-перестуками акустических перкуссионных, весьма для восприятия, но вместе с тем гармоничность структур и мелодик заметна сразу.

Вокальные партии (на испанском), пересекающие «вкривь и вкось» и без того весьма заковыристые аранжировки с бесконечными переменами «фаз» настроения и темпа, еще более усложняют процесс «въезда» в программу. Однако тем истинным, кого тошнит от бесконечно повторяющихся друг за другом рефренов, калейдоскопичность отнюдь не спонтанных, но тщательно наработанных «музыкальных процессов» философами кубинской «прогрессивной ячейки» на этом альбоме придется по душе и подарит им много приятных вечеров, так как разгадывание подобных «ребусов» — наиболее приятный для нашего брата досуг.

Phideaux — Chupacabras (2005)
!
Дата публикации: 23.02.2007

Phideaux — это явление на современной прогрессивной сцене. Команда, альбомы которой звучат будто они были записаны в начале семидесятых, просто поражает новизной подхода к, казалось бы, уже давно пройденному, изъезженному вдоль и поперек пути.

«Chupacabras» — их третий и самый прогрессивный альбом, хотя должен признать, я обожаю почти все их творения, вне зависимости от «уровня прогрессивности». Музыка исключительно оригинальна, и неважно, что местами у слушателя возникают ассоциации с иными исполнителями. Первая дорожка «Okay» — единственная вещь в альбоме, не обремененная лирикой. Здесь только вокализы, тогда как инструментальное полотно (настоящий орган Хаммонда, акустическое пианино, флейта, «струнный ансамбль», старинные гитарные «примочки» и так далее) характерно и для альбома в целом, равно как и почти всего творчества группы. Двадцатиминутную заглавную дорожку я слушаю с трепетом, который редко испытываю с тех времен, когда впервые подсел на симфонический арт-рок семидесятых. Эта сложная, многослойная композиция то движется строго в русле жанра, то имеет почти камерное звучание, которое особенно характерно для многочисленных интерлюдий, ассоциирующихся исключительно с классической музыкой. Чего стоит лишь набор инструментов, используемых здесь! Акустические: пианино, гитара, виолончель, флейта, гобой и, конечно, барабаны. Электрические: гитара, бас, орган и замечательный меллотрон. Легкие, словно бесплотные тени, отголоски Procol Harum, Genesis, Yes, Alan Price, Pink Floyd и Led Zeppelin растворяются как утренний туман при восходе солнца, столь же быстро, сколь быстро они появляются. «Party» имеет пару тем, навеянных классикой, но, как и в случае с «Fortress Of Sand», «Sunburnt» и «Titan», основные события здесь проходят под знаком space rock, порой психоделического, но чаще всего симфонического. Кто-то может вспомнить Eloy: «Colours» или «Planets». Обе вещи, в которых героем проходит некто Ruffian, удивительным образом сочетают в себе сочные симфонические клавишные и маниакально-тяжелые гитарные риффы; в одном из эпизодов роковая интенсивность может сравниться разве что с «Sheer Heart Attack» («News Of The World») Queen. Лидер группы поет вроде бы в типично театрально-драматическом ключе, однако никто не приходит на ум для сравнения и уж тем более не основатель этого вокального стиля Peter Gabriel.

В общем, «Chupacabras» — один из очень немногих современных альбомов, которые не только успешно воссоздают атмосферу арт-рока семидесятых, но и по своей универсальности стоят в одном ряду с такими широко популярными группами, как Pink Floyd или Queen. Рекомендуется всем. Это тот очень редкий случай, когда поговорка «На вкус и цвет товарищей нет» не работает.

Porcupine Tree — Lightbulb Sun (2000)

Дата публикации: 13.07.2000

Porcupine Tree понравится многим ностальгирующим по «The Dark Side…». Работа солидная и в меру оригинальная, но я-то и «Обратную сторону…» не очень... А истинно прогрессивных композиций на новом Porcupine Tree всего две: седьмая и девятая (лучшая, называется «Russia On Ice»).

The Provenance — Still At Arms Length (2002)

Дата публикации: 29.03.2003

Не знаю, знаком ли кто из вас, дорогие читатели, с творчеством замечательной американской группы Maudlin Of The Well. (Примерный перевод: «Напившийся до состояния слезливости кающейся Магдалины» или «Кающийся, а слез — как из колодца», но не «Мадлен — хозяйка колодца», как напрашивается.) Хотя музыка шведской команды The Providence в целом очень оригинальна, она тем не менее примерно той же направленности, что и музыка вышеназванной группы. Даже некоторый стилистический «разнобой в отдельно взятом альбоме» характерен для тех и для этих.

Пора, впрочем, переходить к описанию героя этой рецензии, и надо сказать, что «На расстоянии вытянутой руки» — во всех отношениях великолепный альбом. Музыкальная палитра программы, состоящей из семи песен и одной инструментальной композиции, исключительно богата (во всех отношениях, включая собственно прогрессивность), а ее структуральный анализ показывает следующую картину. Стилистика первых двух песен альбома, а также расположенных на пятой и шестой дорожках, представляет собой весьма сложный симфонический прог- и дум-метал эксклюзивно мрачно-драматического характера, но с наличием эпизодов чистого, красивого и очень «доброго» арт-рока. На первых трех из этих песен мягкие аранжировки состоят преимущественно из находящихся во взаимодействии пассажей синтезатора и акустической гитары и соло бас-гитары. (Боже, как непросто быть на «ты» с родной речью при постоянной работе с иными языком и грамматикой: приношу извинения за неуклюжесть слога и, надеюсь, временное косноязычие.) В шестой эту роль исполняют пассажи пиано и соло органа. Содержание каждой из оставшихся трех песен (3, 7 и 8) фантастически разнообразно, а стилистически они представляет собой уникальный «симфонический» конгломерат прог-метала, арт-рока и дум-метала. Первая из них, — исполненная чарующих мелодий Востока и «неземного», очень трогательного женского вокала, — мой персональный фаворит на данном альбоме. Также это одна из немногих здесь композиций, выделяющихся переплетенными между собой волшебными соло флейты и пассажами акустической гитары.

На альбоме два вокалиста, партии которых представлены на каждой песне. Хотя первую вокальную «скрипку» ведет чаще Эмма, обладающая редким песенным даром, Томас старается не отставать. Будучи певцом-хамелеоном, он поет и в «чернушном», и в «нормальном» ключе (к счастью, больше именно в «нормальном»). Наконец, единственная здесь инструментальная пьеса (четвертая) не содержит тяжелых музыкальных структур вообще.

Подводя итог, необходимо сказать, что «Still At Arms Length» — из разряда тех универсальных альбомов, что в одинаковой степени способны удивить как поклонников прогрессивного метала, так и сторонников симфонического арт-рока. Словом, самые настоятельные рекомендации. Под занавес позвольте заметить, что «въезжать» в сей шедевр надлежит постепенно.

Psypheria — Embrace The Mutation (2002)

Дата публикации: 13.07.2003

Это уникальный симфонический death metal, исполненный истинного вдохновения и изобилующий всевозможными прогрессивными «ингредиентами», включая постоянные и чаще всего неожиданные изменения музыкального действа с использованием исключительно сложных размеров.

Все восемь песен альбома разработаны в рамках единой стилистики, и хотя вокал здесь «смертельный», он отнюдь не отвращает (это все же не рык из grindcore). К тому же разнообразных и потрясающе интересных инструментальных партий в каждой песне больше, чем вокально-инструментальных. Впрочем, фантастически виртуозные соло гитары и пиано, а также партии струнных и церковного органа в игре постоянны, невзирая на наличие или отсутствие вокала на данный конкретный момент. Причем все сольные партии здесь имеют мелодико-классическую основу (от классической музыки), а не брутальную, рок-н-ролльную или еще какую.

На этом альбоме есть все необходимое, чтобы увлечь прогрессивного слушателя, не ограниченного какими либо стилистическими рамками: высочайшее качество композиций и аранжировок, настоящее мастерство и истинная прогрессивность. О широко известных когда-то Atheist можно забыть наконец вообще. После Psycheria их слушать ни за что не захочется. На смену пришли ребята, исполняющие много более разнообразный, прогрессивный и симфоничный death metal, нежели большинство из команд этого направления, существующих в истории рок-музыки.

Queensrÿche — Q2 (1999)

Дата публикации: 06.01.2000

И они когда-то вместе с Fates Warning считались чуть ли не лидерами прог-метала? Хо! Этим жителям Сиэтла — побратима Ташкента — пришлась по вкусу их природная «гаражная» сущность. Второй подряд альбом с песенками поп-гранжевого содержания — кажется, это финиш.

Randone — Morte Di Un Amore (2002)

Дата публикации: 02.07.2006
При участии Ашота Хуршудова

«Morte Di Un Amore» — дебютный альбом итальянского певца и композитора Nicola Randone.

До сего момента я думал, что практически не возможно создать что-то по истине новое на основе театрально-драматического симфонического прогрессива — стиля, пионером которого была группа Genesis, однако, дебютный альбом Nicola Randone, «Morte Di Un Amore», представляет нам не что иное, как поистине новое проявление этого жанра. Музыка уникальна, и поэтому ее трудно сравнить с чем-либо уже существующим в рамках симфонического прогрессива. Симфонический арт-рок, представленный в альбоме, очень эффективно дополняется оркестровыми аранжировками. Во время прослушивания альбома у меня складывалось впечатление, что квартет на всем протяжении играет вместе с полноценным струнным оркестром. Разнообразные взаимодействия между сольными партиями синтезатора, электрической и бас-гитарами и ритмами акустической гитары часто выдвинуты вперед. Красивая игра на фортепиано, характерная для песни «Strananoia», и великолепное соло на аккордеоне в «La Giostra» делают их звучание таким же насыщенным, как и в песнях с участием оркестра. За исключением песен «Il Pentimento Di Dio» и «Tutte Le Mie Stelle», которые звучат оптимистично с первой и до последней ноты, замечательный вокал Nicola Randone выражает различные настроения и эмоции, включая глубокий драматизм. Несмотря на то, что все песни альбома основаны на вокале, каждая из них прогрессивна и содержит как минимум две независимых инструментальных секции. Первые четыре дорожки в альбоме «Morte Di Un Amore» доступнее остальных. Говоря точнее, они понятны с первого прослушивания, в отличие от пяти, расположенных во второй половине альбома. Я нахожу такое расположение песен более чем просто оправданным, особенно учитывая то, что это первый альбом Nicola.

«Morte Di Un Amore» понравится всем любителям прогрессивной музыки с выраженным симфоническим началом.

Randone — Nuvole Di Ieri (2003)

Дата публикации: 01.10.2006

Randone — современная итальянская группа, лидером которой является певец, композитор и автор песен Никола Рандоне. Я рецензировал дебютный диск Николы «Morte Di Un Amore» (2002) недавно, и надо сказать, что он уступает всем более поздним альбомам, каждый последующий из которых лучшего своего предшественника. Это: «Nuvole Di Ieri» (2003), «Ricordo» (2004) и «Hybla Act 1» (2005). «Nuvole Di Ieri» намного более прогрессивен, нежели дебютный диск Randone, и серьезные доработки очевидны во всем: от композиции до технического мастерства музыкантов.

Альбом состоит из единой монументальной вещи под названием «Suite Da Un Viaggiatore». Это концептуальное произведение, подлинная сюита, состоящая из восемнадцати частей/дорожек, между которыми нет пауз, и музыка находится в состоянии постоянного логического развития; зачастую бывает сложно проследить, где заканчивается одна часть и начинается другая, не посмотрев на экран CD-плеера. Если бы я намеревался охарактеризовать данный материал кратко, я бы, конечно, использовал для него термин «рок-опера». Хотя вокал Николы не оперный, но в его исполнении явственно чувствуется театральный характер, и в сочетании с музыкой вырисовывается довольно отчетливая картинка «рок-оперы одного певца». То же самое мы имеем, к примеру, в альбомах «Tommy» и «Quadrophenia» группы The Who, в «The Lamb Lies Down On Broadway» Genesis или в любой концептуальной программе King Diamond. Понятно, что между названными здесь работами нет ничего общего, но специфичная, подобная сказочной атмосфера, создаваемая этими произведениями, объединяет их для нас на подсознательном уровне.

Как обычно, Никола самостоятельно написал всю музыку и тексты и к этому альбому, но в этот раз остальные члены группы создали большую часть аранжировок, и вообще, их активность здесь более очевидна, чем в ранних работах. Пять из восемнадцати секций инструментальные. Большинство остальных хотя и насыщены вокалом, но имеют потрясающе богатую инструментальную подложку. Инструменталисты неустанно обвивают сложными и запутанными узорами вокальную линию, которая, впрочем, также радует своим разнообразием. Никола кроме вокала также принимает активное участие в создании музыки, играя на акустической гитаре, что придает альбому еще больше мелодичности, насыщенности и красоты. Марко Криспи обычно отвечает за те моменты, где требуется более жесткое звучание, мастерски работая с электрогитарой, отлично играя как соло, так и риффы. Клавишные Беппо Кровеллы состоят исключительно из старых моделей — меллотрона, органа Хаммонда и т. д. Обращается он с инструментами умело и изобретательно, придавая звучанию дух семидесятых годов. Местами в мелодии чувствуются корни итальянского фолка, но, в общем, музыка относится к категории классического симфонического арт-рока с чередованием мощных и спокойных аранжировок, контрастом между громкими и изящными проигрышами, что является неотъемлемой частью общей картины. Именно так развиваются события первых пяти песен: «Partenza», «Chiaro Mattino», «Al Bar Di Regina Mary», «Il Fantasma Del Musicista» и «Il Risveglio», и каждой из пяти инструментальных композиций: «Preludio», «La Casa Maledetta», «Vento Tra Le Foglie», «La Danza Dell’uomo Di Pietra» и «Nuvole Di Ieri (Reprise)», не считая тех, которые были исполнены без ритм-секции и в целом звучат спокойно. Разница между перечисленными выше и большинством остальных дорожек незначительна. Так «Amsterdam», «Confuso E Smarrito Cerco Una Strada» и «Un Vecchio Che Voleva Morire» по большому счету находятся в русле основного стиля, но здесь встречаются и элементы прог-метала. «Prima Notte», «Piano Il Sonno Giunge», «Raccolgo Un Sasso Nero» и «Buona Notte Mio Dolce Amore» относятся равно как к симфоническому арт-року, так и к музыке классического Барокко, спокойные моменты заполнены проигрышами меллотрона, фортепиано и акустической гитарой. По большей части инструментальная «La Strada» — смесь арт-рока и прог-метала.

«Nuvole Di Ieri» группы Randone — одна из наиболее впечатляющих работ современного итальянского прогрессива.

RC2 — RC2 (2003)

Дата публикации: 06.07.2005

Единственный на сегодня одноименный альбом испанской группы RC2 включает в себя семь песен и три небольших, но полноценных инструментальных композиции. Две из них акустического и квазиакустического характера: маленький концерт для пианино и «струнного ансамбля», который открывает альбом, и пьеска для акустической гитары, размещенная посредине. Третий инструментал расположен на предпоследней дорожке, а музыка сфокусирована на соло электрогитары, медленных и мелодичных. Далее мне придется повторить то, что уже неоднократно приводил выше, но таковы факты. Остальной материал (а это более часа звучания) выдержан в рамках единой стилистики, представляющей собой в данном случае симфонический арт-рок с довольно частым привлечением гитарных риффов, а иногда и схематики прог-метала как такового. Вещи средней продолжительности (от шести до восьми минут: таковых большинство) оказались умеренной сложности, но это отнюдь не нео, поскольку музыканты солируют постоянно и разнообразно, как бы не обращая внимания на сюжетную линию, проводимую певцом, и, таким образом, удачно контрастируя с ней. Альбом также содержит две эпические вещи, каждая продолжительностью около пятнадцати минут, и они лучшие, по крайней мере, с классически прогрессивной точки зрения. Вокала здесь немного, тогда как инструментальные полотна наиболее разнообразны. Музыка характеризуется чередованием интенсивных и мягких аранжировок, иногда с интерлюдиями на пианино или акустической гитаре, причем партии пиано являются доминирующими в «клавишной палитре» вообще.

Хотя в альбоме не найти ничего революционно нового, музыка тем не менее исключительно оригинальна и не подлежит сравнениям, а это уже большое достижение. Очень солидный дебют.

Reactor — Critical Mass (2003)

Дата публикации: 11.05.2003

«Творчество» Reactor — танцевально-кислотный thrash с «чернушными» вокалами и похабными, дешевыми текстами. (У олигофренов воображение богаче — точно!) Две последние дорожки на диске просто повторяют первый. В реактор все эти массы…

Reason Dana/Gelb Philip — Primal Identity (1996)

Дата публикации: 02.05.2000

О лучшем (классном!) альбоме Филиппа Гелба из тех, что я слышал, я еще расскажу, а продолжаю сейчас рассказ о его творчестве «разборками» с его совместной работой с пианисткой Даной Ризон (кстати, на оригинальном КД ее имя идет первым, но мне она без Гелба вообще не нужна, простите уж).

Если вы помните, Гелб — это уникальный музыкант (во-первых, хотя бы потому, что играет на действительно уникальном инструменте — средневековом японском «гибриде» скрипки и ситара под названием шакухачи), исполняющий уникальную музыку, отдаленно сродни той, что звучит в исторических фильмах элитарного японского кинорежиссера Акиры Курасавы.

В отличие от обеих «прочих» известных мне работ Гелба, звук современного фортепиано для меня никак не вяжется со звучанием этого самого шакухачи. И если импровизации Гелба выдержаны в определенно «классическом» ключе, то мадам Дана любит джаз. Слишком много здесь стилей для смешения — инструментов-то звучит всего два.

Retroheads — Retrospective (2004)

Дата публикации: 07.01.2006

«Retrospective» — первый альбом Retroheads — содержит восемь песен и одну инструментальную композицию, «The Fool». Она закрывает альбом, отражая в себе особенности и тенденции характерные для всего предшествующего материала. Иными словами, все здесь в целом выдержано в рамках единой стилистической концепции. Музыка — симфонический space rock, местами довольно явственно напоминающий Pink Floyd образца 1973 года. Причем сходство существует в основном лишь в секциях с вокалом. Голосом и манерой пения лидер группы Tore Bø Bendixen точь-в-точь Уотерс-meets-Гилмор, а его родственница (жена или сестра) Ann-Kristin Bendixen вторым вокалом и вокализами дополняет картинку, вызывающую отчетливые ассоциации с «Dark Side On The Moon». Однако в инструментальных секциях, которые, кстати, занимают большую часть альбома, музыка звучит свежо и оригинально, изобилует интересными решениями и, собственно, достаточно сложна, чтобы вновь и вновь возвращаться к диску. «Dreams» и «World Reveal», в которых инструментальные аранжировки явно превалируют, являются наиболее оригинальными и таким образом лучшими, по крайней мере, на мой взгляд. Вообще, у меня серьезные претензии лишь к одной вещи — «Judgment Day», — исполненной Ann-Kristin. Музыка мелодичная и романтическая, не имеющая ничего общего с ее довольно зловещим названием, к тому же перегруженная электроникой и вообще достаточно однообразная, на протяжении почти десяти минут. В остальном — солидный, очень хороший дебют. Любители Pink Floyd и подобного звучания будут особенно счастливы.

Reverend Bizarre — In The Rectory Of Bizarre Reverend (2002)

Дата публикации: 29.03.2003

Боже мой, сколько дешевой помпы (взгляните на состав участников этого проекта!)! Revered Bizarre, наверное, считают себя наиболее последовательными последователями (sorry за невольную тавтологию) Black Sabbath, ибо музыка, представленная этим финским трио на альбоме «In The Rectory Of Bizarre Reverend» («В доме сумасшедшего викария»), является в общем и целом наиболее приближенной к ранним BS. (Источником «вдохновения» послужили «Black Sabbath» и «Paranoid».) Нельзя сказать, что все это выглядит совсем плохо, но гитарист украл и беззастенчиво копирует риффы и соло Iommi, а (басист и) вокалист — манеру пения Ozzy соответственно. При всем при том Reverend Bizarre не дотягивают ни до уровня настоящего клона, ни до статуса последователей Godfathers большинства, если не всех, субжанров и стилей истинного метала, включая, конечно, прог-метал. До клона, впрочем, Reverend Bizarre было рукой подать, но слизано все было не слишком аккуратно. И вообще, я впервые слышу классический дум-метал, где почти все (!) аранжировки — эксклюзивно медленного и очень медленного характера. А ведь прогрессивность дум-метала происходит, прежде всего, из контраста между базовыми, медленными структурами и сопутствующими соло — среднего, быстрого и даже скоростного темпа, а также изменениями темповых и темпоральных (тактовых) режимов вообще. Здесь же… Тяжко слушать шесть длиннющих композиций общей продолжительностью в семьдесят четыре (!) минуты, почти все из которых — исключительно медленно-вязкого характера (вязнут в ушах, натурально: мы ж не только едоки). И хотя содержимое каждой из песен на альбоме скорее разнообразно, чем монотонно, да и исполнено все солидно, ни гипнотизма-магнетизма, ни тем более магии, присущих музыке ранних BS (да и многих их последователей), в музыке Reverend Bizarre нет. Словом, это просто (краденый) дум-метал, а отнюдь не прогрессивный дум-метал, и уж тем более не дитя истинного вдохновения. Сказано же, в конце концов: «Не сотвори себе кумира». От себя же добавлю: а уж ежели собрался-таки сотворить, то будь добр: не иначе как «один в один» — во всех отношениях по образу и подобию его. Те, кто слушал Citizen Cain’s «Где-то, кроме вчерашнего дня» (1994), должны со мной согласиться. Тем не менее я не сомневаюсь в определенной популярности данного альбома, а в определенных «ареалах» — даже широкой.

Ring Of Fire — Dreamtower (2002)

Дата публикации: 11.05.2003

Я смотрю, много солидных имен со всего мира базируется нынче на итальянском Frontiers Records. И вот еще одна супергруппа: музыканты Ring Of Fire широко известны как по сольным работам, так и участием в звездных командах: Rising Force, MARS, Artension и др. Добротная смесь классического хард-рока и неопрог-метала c элементами классического симфонического арт-рока и прог-метала — такова музыкальная палитра «Dreamtower» в целом.

Изобретательные соло клавишных, гитары, да и всех прочих инструментов плюс сильный вокал являются неотъемлимой частью каждой песни на альбоме (здесь нет инструментальных композиций). Причем чем дальше от начала, тем музыка становится и виртуознее, и интереснее, по уровню сложности порой приближаясь к Dream Theater. На альбоме только две баллады: обе отменные и на порядок сложнее традиционных. Мягкие пассажи акустической гитары и пианино чередуются с мощными электрическими аранжировками, насыщенными драматическими соло электрогитары и скоростными соло синтезатора. Вообще, Виталий Куприй выглядит самым ярким исполнителем на этом альбоме, и многие песни звучат подлинно прогрессивно благодаря ему в первую очередь. Виртуозные соло Виталия на синтезаторах и пианино вполне были бы подстать даже Dream Theater. Чего ему нельзя давать — так это лишь увлекаться «поливанием» (то есть тем, чем «страдают» его сольные альбомы), а аранжировщик он бесподобный, и «Dreamtower» — один из лучших тому примеров. Это очень хороший альбом и заслуживает внимания широкой аудитории, которой он, впрочем, и так «овладеет».

Ring Of Myth — Weeds (2005)

Дата публикации: 06.11.2005

Американское трио Ring Of Myth насчитывает почти пятнадцать лет с момента своего рождения, однако «Weeds» — их только второй альбом, а первым был «Unbound» (1996).

Хотя при наличии того, что я, как не любитель сравнений «от фонаря», называю слишком богатым воображением (с вашего позволения), можно было бы провести параллели между этим трио, Yes и Rush, но инструментальная часть их музыки не вызывает у меня сомнений в ее оригинальности. Вокал, по крайней мере, как манера пения, к сожалению, почти неотличим от вокала Jon Anderson, но при наличии столь сложных и интересных событий на инструментальном «плане», как здесь, этот недостаток отнюдь не действует на нервы. Хотя симфонические оттенки весьма редкие гости в общей палитре, а музыка часто отчетливо «тяжела», альбом имеет очень богатый, насыщенный звук, характерный, как бы странно это ни звучало, для арт-рока семидесятых, и в большинстве случаев соответствует лучшим образцам жанра эпохи его развития. Надо объяснить, почему «в большинстве». Две излишне романтические и довольно однообразные песни в середине программы, «Drone» и «For A Time», несколько портят общее впечатление. Надо просто исключать их при программировании диска, и тогда оставшиеся восемь дорожек (более пятидесяти пяти минут звучания!) дают целостную картину. Все они, без исключения, базируются на гитарных структурах различного типа. Большинство варьируется мягкими и жесткими аранжировками, тогда как обе «пограничные» дорожки, «Offering» и «Half Wing», почти целиком относятся к прог-металу, с «рычащими» риффами и весьма агрессивным общим звучанием.

Наличие пары незатейливых песен и манера пения не в силах испортить мне общее впечатление от альбома, которое близко к тому, что я обычно получаю при прослушивании классического арт-рока семидесятых.

Riot Act — Live At Suma (2000)

Дата публикации: 02.05.2000

На редкость плодовитый музыкант наш славный Рик Рэй! Не только сегодня — даже во времена расцвета хард-рока (равно как и арт-рока, и всех других прочих роков — да, в те самые семидесятые…) не помню никого, кто выдавал бы больше трех «номерных» альбомов в год. Рик в прошлом году выдал серию (точно даже не скажу сколько — не менее пяти) «новых» альбомов; нынче вот на дворе еще апрель не закончился, а Рик уже два «гиганта» выдал — каждый почти по часу звучанием. Впрочем, сейчас разговор идет о первом из них.

После своего самого сильного (в композиционном отношении), истинно прог-металического диска «You People» (один из 1999-х), где единственно слабым местом была драм-машина (ну, о звуке я уже молчу — при такой активности, наверное, действительно трудно качественно преодолеть уровень шумов, традиционный для конца шестидесятых), Рик (гитара, гитарный синтезатор, вокал) «вооружился» «живой» ритм-секцией (а может, внял совету, данному мной ему в рецензии на «You People», кроме шуток?) в лице Jack Ambrose (бас, подпевка) и John Cek (ударные, подпевка) и тем самым снова «переименовал себя» в ансамбль Riot Act (Рик с этим коллективом работал в период с 1990 по 1996 годы). Записанный «живьем» (разом — без каких-либо овердаббингов) в студии «Сума» альбом — образец очень хорошей, «настоящей» харды, очень типичной именно для семидесятых годов при… очень плохом звуке. Впрочем, не удивлюсь, если на самом деле «Live At Suma» — лишь переиздание.

Riot Act — Maniacal Disastrophe Tour (2000)

Дата публикации: 02.05.2000

Согласно каталогу фирмы Neurosis Records это второй альбом группы Riot Act в этом году. Буклет гласит, что сей был записан в январе — феврале в студии Techniquip, т. е. уже с привычными для студийных работ наложениями и прочее. Что ж, этот альбом действительно звучит «сочнее» предшественника, и, конечно, «живая» ритм-секция (особенно барабаны) делает свое доброе дело в отношении нормального драйва, необходимого в хард-роке (и всех прочих роках). Состав тот же.

Сколько слышал я, к примеру, Теда Ньюджента (Ted Nugent), стилистически стоящего рядом с этой музыкой, качественно — близко он здесь не стоит! И плевать мне, что нет на его альбомах выхолощенного хард-рока «лишних» шумов. Зато нет ни энергетики, ни «вкусных» тем, ни действительно стоящих соло — всего того, чем запросто владеет Рик Рэй и его рок-н-ролльные товарищи. В отличие от жвачек в набивших оскомину рекламах, «MDT» действительно заводит с полоборота.

Rufus Zuphall — Weiß Der Teufel (1971)

Дата публикации: 26.12.2004

Да, эта коллекция раритетов включает в себя имена, большинство из которых я даже не слышал прежде. К счастью, каждое издание MALS (это mini-LP, напомню) включает в себя вкладыш с информацией о группе, часто вместе с фото, то есть каким он был в виниловом варианте, но только в уменьшенном виде, конечно. Согласно таковой в данном издании, Rufus Zuphall являются яркими представителями краутрока. Здесь использовано жаргонное слово, но все переводится просто: немецкий рок. Нелепое название для стиля, по-моему.

Группа выпустила всего два альбома, но, как и в случае с Zior, был записан, но не был издан третий альбом: «Avalon And On». Здесь мы имеем дело с первым альбомом, выпущенным в 1971-м, и, надо сказать, такие мощные дебюты, как «Weiß Der Teufel», не были обыденным явлением даже в те годы — годы расцвета жанра. Сравнения этой группы с Jethro Tull, обнаруженные в том же информационном вкладыше, на самом деле оказались неактуальны. Почему-то при ярко выраженной партии флейты, всегда находят уместным «кивать» в сторону Jethro Tull, а также, но реже, Focus и Camel. По уровню прогрессивности музыка здесь сопоставима с Focus’s «Moving Moves» и много выше, чем Jethro Tull’s «Aqualung», выпущенные в том же 1971-м. Но главное все же в том, что она совершенно оригинальна и очень притягательна. Композиций всего пять и они, естественно, пролонгированные, если не сказать просто: длинные (в основном). Две не содержат вокала вообще, да и на остальных группа по большей части делает ставку на инструментальную музыку. В заглавной композиции «Walpurgisnight», а также в обеих инструментальных пьесах доминирует весьма жесткий, интенсивный арт-рок со скоростными, виртуозно исполненными партиями флейты. Разнообразие аранжировок поражает: темы сменяют друг друга порой как в калейдоскопе, а музыканты демонстрируют более чем незаурядное мастерство — все четверо, поскольку соло каждого из них всегда отчетливо выделяется в общей звуковой картине. Никаких партий в унисон, в кварте или квинте, и почти постоянное развитие. Вторая песня «Knight Of The Third Degree» соткана целиком из акустических структур и имеет легкий «аромат» музыки Среднего Востока. Последняя, одноименная с альбомом композиция звучит семнадцать минут, начинаясь с замысловатых соло на ударных. Затем следуют долгие и сложные «переговоры» между пассажами акустической гитары и соло флейты, относящиеся к симфоническому space rock. Лишь во второй части группа возвращается к интенсивному арт-року, свойственному большей части альбома.

Дебют Rufus Zuphall — замечательный экземпляр раннего прогрессива и почти шедевр — с классически прогрессивной точки зрения, конечно. (Иначе бы я выставил ему шесть баллов целиком.) Самые искренние рекомендации.

Runaway Totem — Tep Zepi (2002)

Дата публикации: 10.05.2006
При участии Ашота Хуршудова

«Tep Zepi» — это четвертый альбом итальянской группы Runaway Totem. Их новая музыка «движется» в русле таких групп, как: Univers Zero и King Crimson с элементами готического метала. Что же касается странного языка, который группа использует для своих песен, а также некоторых специфичных направлений в альбоме здесь очевидно прямое влияние группы Magma. «Тяжелые» аранжировки часто являются одновременно медленными и сложными, как и на альбомах King Crimson 1974 года, но есть и тенденции характерные для классического прог-метала. Возвращаясь к сравнениям с Magma, ведущий вокал в «Tep Zepi» на порядок лучше вокала Кристиана Вандера. Теперь пришло время сравнить «Tep Zepi» с предыдущим альбомом Runaway Totem — «Andromeda» (1999). Новый альбом состоит из шести дорожек, две из них инструментальные: «Pardes» и «Montsalvat». Альбом получился разнообразнее «Андромеды» как композиционно, так и стилистически, и только две вещи содержат несколько заметных повторений. Также в «Tep Zepi» можно услышать тяжелый и мрачный zeuhl, хотя это и не совсем корректная формулировка. Хотя zeuhl и является преобладающим стилистическим компонентом в этой музыке, симфонический арт-рок и прогрессивный дум-метал практически не отделимы от него.

В сравнении с предыдущей работой группы в этом альбоме сделан огромный шаг вперед. Если вы можете погрузиться в музыку, которая является не просто тяжелой и мрачной, но так же и очень глубокой, «Tep Zepi» — это определенно ваш альбом. Если же вы просто искушенный прогловер, то «Tep Zepi» также не оставит вас равнодушным.

S&L — Time Machine (2004)

Дата публикации: 20.03.2005

Я слышал оба альбома этого дуэта, и данный, второй, много лучше дебютного, что стало возможным благодаря взрослению парней как композиторов, а также присутствию в составе гостей, в результате чего музыка обрела партии настоящей ритм-секции взамен синтетических «калош», как это было в случае с первым. Ранее группа исполняла инструментальную музыку, тогда как здесь почти половина (три из восьми) дорожек получила озвучивание вокалом: «My Friend My Enemy» и «A Different Man». Заглавный номер также содержит лирику, но буквально пару строк, которые притом были скорее прошептаны, чем спеты. Если на первом альбоме S&L предстали перед слушателем как довольно жалкая копия Dream Theater, то здесь ситуация изменилась весьма радикально, и только слабые тени гигантов современного прог-метала парят над действом, да и то не отнюдь не повсеместно. Первые четыре композиции представляют несколько иное видение того же жанра, тогда как начиная с пятой — «Noise» — оригинальные идеи сыплются как из рога изобилия, причем все более важную роль в аранжировках начинают играть партии акустических инструментов, настоящих и «синтетических». Звучание становится более симфоническим и более сложным, достигая пика прогрессивности на последних трех композициях, где появляются элементы джаз-фьюжн и ориентальной музыки. Рекомендации.

Saga — Full Circle (1999)

Дата публикации: 30.10.1999

Возможно, я полбалла и натянул новому альбому «Саги», но возврат к более или менее приличным структурам после слабейшего предшественника «Pleasure And Pain» меня лично радует.

Едва ли кто станет оспаривать факт, что именно этот канадский коллектив является «папой» стиля, получившего название (и развитие) неопрогрессив в середине восьмидесятых. И именно «Сага» до сих пор остается самой самобытной и оригинальной единицей жанра (осмелюсь напомнить, что очень любимые мной и многими из вас Marillion нашли «себя» вне зависимости от влияния Genesis отнюдь не сразу). Безусловно, лишь один альбом этой группы («Generation 13», 1995) можно полностью отнести к классическому прогрессиву, но на «Full Circle», как и в лучших ранних работах ансамбля (1980–1983), вы обязательно найдете и пару «навороченных» песен, не считая доступных, но великолепных в своей «саговской» оригинальности остальных дорожках, представляющих собой, как обычно, изящный синтез арт- и хард-рока.

Да, в отношении лирики: знакомые с текстами «Generation 13» здесь «встретят» старого знакомого героя. И еще. Это первый альбом группы, выпущенный солидной немецкой компанией SPV («Полидор»-таки помахал им ручкой, да не беда…).

Saints Everlasting Rest — The Dusk Of Millennium (2001)

Дата публикации: 11.06.2005

Российская группа, название которой примерно переводится как «Вечный покой праведника», и их единственный альбом «Закат тысячелетия», записанный по частям на протяжении второй половины девяностых, впервые изданный в 2001-м, а ныне переизданный.

За исключением коротеньких первого и последнего номеров (прелюдия и финал: инструментальные пьески с меланхолическими пассажами синтезаторов), музыка выдержана в рамках единой стилистики. Это почти исключительно медленный, мрачный, реквиемоподобный, но тем не менее достаточно разнообразный и стильный симфонический дум и death-метал, родственный ранним My Dying Bride, Paradise Lost и подобным командам. Программа исполнена в лучших традициях жанра, но за исключением клавишно-гитарных интерлюдий, имеющих место быть в паре вещей, не содержит ничего нового, не говоря уже новаторского. Вокал по большей части типично «смертельный», реже «чернушный» и еще реже обычный. Иначе говоря, вокалист в определенной степени является «хамелеоном» и старается разнообразить вокальную палитру, но изменяет тембр не столь часто, как хотелось бы. Если рассматривать альбом в рамках doom/death, то он насыщен и в достаточной степени прогрессивен, однако с классически прогрессивной точки зрения музыка несколько простовата.

В целом «Закат тысячелетия» — весьма приличный диск, жаль лишь, что пик популярности этого жанра уже давно прошел — пожалуй, когда группа лишь приступила к созданию материала. Не слишком актуальный на сегодняшний день альбом, он тем не менее должен быть тепло встречен любителями меланхолически экстремальной музыки, которых еще немало, поскольку они, как правило, весьма консервативны в своих пристрастиях.

Salacious Gods — Sunnevot (2002)

Дата публикации: 29.03.2003

Если не считать крошечного интро, состоящего из пассажей синтезатора, эффектов и шепота, альбом выдержан в единой стилистике, представляющей собой настоящий, бескомпромиссный *техничный черный метал c элементами дум-метал и с очень красивыми «симфоническими» вкраплениями (в каждой песне). (*В рамках метала понятие «techno» подразумевает прогрессивность).

Вообще, для такой агрессивной музыки «Sunnevot» — весьма мелодичный альбом. Вокал, само собой, «чернушный», группа твердо работает в едином ключе, и нет никаких «шатаний», свойственных молодым, либо не уверенным в себе, а то и просто бесталанным исполнителям. Музыка суровая и отнюдь не для каждого (даже металлиста), что и говорить, но способности этих ребят поражают. Беспрестанная смена направлений, производимая исключительно на «кривых» виражах и при посредстве сложных нечетных тактов, великолепная работа в ключе «из-за такта» (который задает барабанщик): эти и другие прогрессивные ингредиенты в альбоме в изобилии. Мне ближе более мягкий и откровенно симфонический черный метал — где клавишные играют столь же весомую роль, как и прочие инструменты, а вокала вдвое меньше, нежели инструментальных аранжировок. Однако перед настоящим мастерством я всегда снимаю шляпу.

Satans Penguins — Birds Of Darkness (2001)

Дата публикации: 30.11.2003

Не обращайте внимания на не слишком удачное, по меньшей мере, название группы и детские прибамбасы в отношении замены имен на прозвища: в творчестве эти ребята очень серьезны!

Лирика альбома либо базируется на скандинавских мифах, либо представляет собой причудливое, но весьма философское осмысление мира. Музыка же просто потрясающе оригинальна и интересна. Не какой-то банальный экстрим, но очень продуманный и ultimately прогрессивный синтез гитарного арт-рока, соборного и черного метала с элементами джаз-фьюжн представляет собой это творение. Каждая вещь — от первой до последней ноты — пронизана истинным вдохновением, равно как и «музыкальной магией». Помимо собственных вещей в альбоме есть обработки Вивальди и шведской народной музыки. Структуры можно характеризовать скорее как атмосферные, нежели тяжелые, а вплетения «классических» пассажей акустической гитары и великолепных импровизаций на саксофоне должны, по-моему, пронять даже самого привередливого прогловера.

Если вам нравится Bathory’s «Twilight Of The Gods» (1991) и Tiamat’s «Wildhoney» (1994), данный альбом поразит вас. Если же не очень, то попробуйте мысленно привнести в музыку на названных альбомах смелые, блестящие импровизации на саксофоне и возведите все в степень оригинальности.

Самые настоятельные рекомендации. Шесть баллов не ставлю лишь потому, что классика прогрессивного рока все же более сложна для восприятия, а это для меня тоже немаловажный фактор.

Satellite — A Street Between Sunrise And Sunset (2003)

Дата публикации: 13.07.2003

А здесь речь пойдет о действительно уникальном издании — в рамках CD-Maximum, конечно.

Satellite — это, собственно, перевоплощенный Collage, поскольку на альбоме «Улица между рассветом и закатом» присутствуют едва ли не все участники классического состава этой некогда одной из лучших польских групп. Причем в рамках Satellite парни исполняют музыку, которая более вдохновенна и интересна, нежели на любом из альбомов Collage. Это уже не просто традиционный нео. Это уже смесь добротного, качественного нео и классического симфонического арт-рока с большим количеством разнообразных тем и аранжировок на каждой из представленных здесь девяти песен, за исключением короткой баллады в самом конце альбома, которая, впрочем, тоже не лишена определенного шарма.

Если говорить об альбоме в целом, то параллели возможны с Camel и Marillion, хотя в музыке Satellite ставка делается, прежде всего, на симфонизм, который выражен здесь, пожалуй, более отчетливо, чем у любой из выше названных команд. Унифицированная стилистика альбома, продуманность композиций, специфическая «эпическая» атмосфера, высокое исполнительское мастерство — вот аспекты, которые позволят «Улице между закатом и рассветом» значительно расширить аудиторию CD-Maximum за счет ценителей симфонического прогрессива, каковых на белом свете едва ли меньше, чем любителей прог-метала. По моему глубокому убеждению, компании уже давно пора было выйти за рамки «металлического ограждения», столь серьезно ограничивающего разнообразие ее репертуара и не только. Само собой, законы рынка нынче правят бал практически везде, а потому, я обращаюсь к читателям с просьбой поддержать столь благоприятные изменения лицензионной стратегии фирмы и тем самым обогатить свои коллекции недорогими по цене (от 120 рублей в розницу), но очень весомыми по качеству альбомами, представленными в данном выпуске. Конечно, я говорю не обо всех альбомах без исключения: негатив (если таковой есть) не пройдет мимо вашего внимания.

The Savage Resurrection — The Savage Resurrection (1968)

Дата публикации: 29.01.2005

Все участники калифорнийской группы The Savage Resurrection — индейцы, и, как вы можете видеть в составе выше, братья Harris предпочли назвать свои прозвища вместо имен: Молодой Кобель (в переносном смысле) и Лис. Их единственный одноименный альбом силен, если рассматривать его в контексте 1968-го. Песни хотя короткие, но весьма разнообразные музыкально, а также стилистически. Часть песен можно смело характеризовать как синтез The Beatles, Grateful Dead и Jimi Hendrix. Также в наличии по одному рок-н-роллу и блюзу в почти беспримесной форме. Наиболее интересны «Every Little Song» и «Expectations», где психоделический space rock ранних Pink Floyd предстает в новом качестве. Я бы назвал это space metal со скидкой на несовершенство тогдашних процессоров звука (здесь: исказителей). Песня «Tahitian Melody» из той же «оперы», но более мелодична, с некоторым привкусом восточной музыки.

Альбом в целом очень хороший для тех времен, но было бы лучше, если бы он не был столь разнороден стилистически. Для прогловеров-«полиглотов»: хорошо пойдет, при наличии аппетита к самым ранним манифестациям жанра.

Scaramouche — Scaramouche (1981)

Дата публикации: 20.06.2004

Германская группа Scaramouche выпустила свой единственный альбом в середине 1981 года, то есть за два года до появления на сцене жанра главных героев нео Marillion и IQ. Тем не менее музыка представляет собой типичный симфонический неопрогрессив, где «классические» аранжировки прослеживаются только в отдельных (от вокала) инструментальных партиях, каковых на альбоме на порядок меньше, чем тех, что сопровождают вокал.

Как и в подавляющем большинстве случаев в эпоху становления упрощенной манифестации арт-рока основным, источником вдохновения для Scaramouche послужило творчество Genesis второй половины семидесятых, но в отличие от своих заочных учителей германцы основной упор сделали на вокал и собственно лирическую составляющую их музыки. Причем только вокал на альбоме остается всегда оригинален. Holger Funk обладает так называемым бесполым голосом, в котором нет ничего общего с голосами вокалистов группы-бенефактора.

Издай Scaramouche свой альбом годами двумя-тремя позже, он, безусловно, имел бы больший успех. Однако группа, разочарованная низкими продажами, двинулась в направлении AOR. Выпустив в 1983-м сингл в этом стиле, группа распалась. Вновь собрались в 1991-м под названием Seconds Out и, естественно, стали играть каверы «Генезис», благо это дело нынче много прибыльнее, нежели исполнение собственного материала.

В целом «Scaramouche» — весьма хороший альбом, однако счастливыми он способен сделать исключительно любителей нео. Очень редкая вещь, кстати: похоже, тираж весь распродан.

Sigmund Snopek III — Trinity: Seas Seize Sees (2000)

Дата публикации: 18.07.2000

Выходец из Польши, потомственный дворянин, чье великолепное творчество (еще с начала семидесятых, если не раньше) нам пока, увы, неизвестно. Первое открытие — это издание настоящей фантастической рок-оперы «Троица» (или «Триединство»). Не переиздание — именно издание, и именно на Musea, фирме, которую знаменитый на весь мир (блин, как мог он «пройти мимо» нас?!) музыкант, композитор и поэт выбрал для издания одного из своих, возможно, самых важных проектов. У Снопека были альбомы неоклассические с оркестром, джаз-фьюжновые, симфо-арт-роковые (с весьма жесткими, говорят, гитарами — особенно в семидесятых: хард-н-прог? Протопрог-метал?). Короче говоря, уже прослушав эту удивительную 120-минутную сказку (сказка, а не программа!), понимаешь, что человек, создавший это — великая в современной музыке фигура.

Моим самым любимым произведением была и остается рок-опера «Jesus Christ Superstar». Дело в том, что это было самое первое произведение, после которого я, «въехав» в него от и до (в 1977 году в школе, в т. н. (чудесном!) лагере труда и отдыха. Мы объедались черешней и… долго перечислять, впервые влюблялись, впервые танцевали с девочками…), я стал окончательным и безнадежным меломаном: на меня снизошла музыка! Естественно, благодаря всем этим воспоминаниям-ассоциациям, эта опера до конца жизни моей будет радовать меня. Второй любимой стала «Tommy» — много позже, так как я упорно не желал верить, что «просто группа» может сделать оперу. Я еще много слышал всяческих рок-опер, но «Бог любит Троицу» не выходило многие, многие годы. И вот, выходит, Бог действительно любит Троицу — именно «Троица» и оказалась в моей «троице от опер»! Что ж, нынче, если «Томми» однозначно отодвинулась на третье место, то «Христос» все равно останется первым. Однако объективно в музыкальном отношении «Троица» Снопека, возможно, и побогаче. И очень интересна научно-фантастическая лирика этого монумента — от научной фантастики через фентези к той же самой высокой любви, что проповедывал Христос. Космические владыки, межзвездные полеты, монстры… А начинается все с того, что герой (первая тема — «Narration» — просто пролог, обычным языком) попадает на Землю. Вообще, замысел Снопека грандиозен. Оперу он задумал сразу после того, как услышал и обомлел от «Суперзвезды». Начиная с 1970 и по 1999 гг., опера постепенно сочинялась три десятилетия. Мало того, каждая из трех ее частей также была записана отдельно, т. е. произведение в целом было записано в три периода: в 1973, 1996 и 1999 годах. Шикарный буклет с гравюрами, фотографиями исполнителей, рисунками звездных владык, биографией Снопека и тех музыкантов и певцов, что прошли все три этапа до самого завершения этой грандиозной эпической настоящей рок-оперы.

Любители «Jesus Christ» (в первую очередь) и «Tommi» — вы со мной согласитесь. Буду ждать ваших писем, друзья. 1970–2000: быть может, это новое начало? И вот-вот вновь появятся новые настоящие Yes, Genesis, ELP, и интерес к жанру снова станет повальным? Пока это лишь утопия, но знаки вокруг нас. Абстракция и диалектика — братья по крови в этом двойственном мире: ведь притягиваются именно противоположно заряженные частицы. Возможно, именно соединение двух абсолютных противоположностей и приведет к равновесию в мире? Соединение добра и зла, к примеру? Именно объединение, а не Апокалипсис с его бесконечным уничтожением человечества, начало которому было положено поражением огнем Содома и Гоморры — Апокалипсис в миниатюре, репетиция — благо, и дьявола рядом нету… Каким бы ни было человечество, нас с вами никто не спрашивал, хотим мы родиться именно такими, какие мы есть там, где мы есть, с теми недостатками, какие имеем. А если бы урода спросили до рождения, хочет ли он быть таким, сказал ли бы он да. Все может быть. А может быть просто выбор — дерева-то всего два, а заблудииииились…

Ищите «Троицу» — тоже много пищи для ума. А что есть важнее информации?.. Только не говорите мне, что хлеб или телевизор. Кто нибудь меня, дай Бог, поймет…

Silent Edge — The Eyes Of The Shadow (2003)

Дата публикации: 04.04.2004

Альбом Silent Edge имеет немало общего с Adagio’s «Underworld», но он чуть более пестрый стилистически, а также несколько уступает тому в разнообразии инструментальных аранжировок. Музыка также весьма оригинальна но в целом ближе к классическому современному прог-металу. Структуры, имеющие отношение к симфонизму, опять-таки достаточно широко распространены, но здесь большинство из них вызывают ассоциации с музыкой барокко, нежели с традиционной классической музыкой.

Первые три дорожки, а также пятая (инструментал), восьмая и девятая определяют основное направление группы, обозначенное мной выше. Выраженно симфонический и, безусловно, прогрессивный соборный метал в сочетании с мотивами музыки Востока представлен на двух вещах — шестой и седьмой. Тогда как «центральная» пьеса альбома (6) и последняя дорожка — замечательные баллады (действительно, ибо содержат мало вокальных партий), в базисе которых изобретательные и очень красивые переплетения пассажей акустической гитары и пианино.

Диск весьма характерен для продукции DVS Records (Голландия), которая выпускает если и не шедевры, то почти исключительно отличные альбомы, которые, как и дебют Silent Edge, как правило, нравятся любителям самых разных категорий и направлений прог-метала.

Silver Lining — The Inner Dragon (2004)

Дата публикации: 07.01.2006

«The Inner Dragon» — это дебют французской группы Silver Lining. Авторами музыки и текстов являются клавишник Pascal Indelicato, гитарист Nicolas Mourachko и певец Thierry Sportouche, более известный прогрессивной аудитории как издатель журнала «Acid Dragon». Однако только две вещи в альбоме («Castaways» и «Lovestalgia») являются полноценными песнями, с обилием вокала, тогда как в «Opaline» и «Years» собственно пения совсем немного, а в большинстве прочих композиций лирическая составляющая (толкиноподобная фэнтези) выражается через так называемый нарратив. В большинстве случаев музыка на альбоме являет собой нечто среднее между классическим арт-роком, нео и классической музыкой, иногда с элементам прог-метала, однако здесь нет присущей нео слащавости, равно как и заимствований от других исполнителей. Исключениями из общего правила являются «Fall», близкая по звучанию к классике, а также «Finale» и «The Desert Gates», которые построены вокруг великолепно исполненных партий акустической гитары, причем последняя из названных вещей имеет вдобавок сочный колорит ориентальной музыки.

Лично мне альбом очень понравился, возможно благодаря оригинальному звучанию и частому обращению к классической музыке. Мне кажется, он придется по душе всем (то есть обеим) категориям любителей арт-рока. Очень красивая, исполненная вдохновения музыка.

Simon Apple — River To The Sea (2004)

Дата публикации: 01.10.2006

«River To The Sea» — это второй полноценный студийный альбом пенсильванской группы Simon Apple. Первый альбом, «From The Toybox», вышел в 1997 году, а уже на следующий год изменился первичный состав команды. Певец Джон Фельдман ушел из группы: не мог гастролировать по причине образования новой семьи, и вместо него стал играть Дэн Меррил. Группа Simon Apple часто принимает участие в ежегодном фестивале Cystic Fibrosis Foundation Valentine‘s Gala, проходящем в феврале в их родном городе, чей фонд пополнит и часть выручки от продаж нового альбома.

Просто взглянув на состав группы в альбоме «River To The Sea» перед его прослушиванием, любой любитель прогрессивной музыки со стажем безошибочно предположит, что материал солидный. Группа несколько лет создавала этот альбом, и их старания не прошли даром. Получилось на самом деле грандиозное шоу, которое приятно послушать первым делом из-за того, что и музыка и аранжировки — буквально все было продумано до мельчайших деталей. Звучание, безусловно, элитарное: это та музыка, которую без колебания можно назвать искусством. И хотя гитарист и клавишник Джефф Миллер вместе со своими товарищами по группе Базом Сэйлором и Дэном Меррилом самостоятельно написали музыку практически для всех дорожек, вклад приглашенных музыкантов в этом альбоме, несомненно, велик. Некоторые из них принадлежат к когорте Pink Floyd, работавших с основными участниками группы на «A Momentary Lapse Of Reason» и «The Division Bell». Узнав об этом, я предположил, каким будет превалирующий стиль альбома. Оказалось, Simon Apple не из тех групп, которые полностью перенимают направление Pink Floyd, как например, в случае с Solar Project (хотя их музыка мне тоже нравится).

Условно этот альбом можно разделить на три части, отделяемые двумя инструментальными композициями, — «A Way Outside» и «The Weight Is On…» (5 и 9, других инструментальных вещей здесь нет). Первая из них уводит слушателя от первоначального стиля, а вторая возвращает к нему. Мне показалось, что музыка в первой и третьей частях показывает возможный путь развития группы Pink Floyd после выхода альбома «The Division Bell», если бы они избавились от некоторых своих клише и возобновили создание пьес с игрой на акустической гитаре, как это было до ухода Роджера Уотерса. Итак, на большей части дорожек мы видим, во что классический симфонический space rock семидесятых может превратиться за два десятка лет (т. е. space-компонент практически утерян). Аранжировки стали более интенсивными, изменились инструментальные части, появилось много запоминающихся тем и соло, а также натуралистических звуковых эффектов в промежутках между песнями. Однако есть одно исключение. Это самая длинная дорожка альбома, по большей части инструментальная «Weight Of The World», где группа смело экспериментирует с различными, не характерными для альбома жанрами. Здесь присутствуют арт-рок, space metal, вставки классической музыки, квазиджаз-фьюжн и другие жанры. Что касается песен, в которых за основу взяты акустические текстуры, то эти, «Katherine» и «Hold Me», имеют сходство с «Hey You» и «Wish You Were Here» Pink Floyd, а также с [?], с которой начинается альбом «The Wall». Большую часть сложной музыки вмещают четыре дорожки, расположенных в середине альбома, — от истинного джаз-фьюжн на «A Way Outside», «A Way Inside» и «Significance» до великолепной комбинации квазиджаз-фьюжна с грубым и мрачным прог-металом в достаточно длинной песне «Taken Root». С множеством импровизаций на духовых инструментах и фортепиано эти композиции звучат великолепно; создается ощущение, что они исполнены маленьким рок-оркестром, что отчасти и является истиной. На альбоме также имеется дополнительная дорожка: сингловая версия великолепной песни «Weight Of The World». Она в два раза короче оригинала, со всеми вытекающими обстоятельствами, так что не было большой необходимости включать его в программу.